Die Siedlung, in der der Film spielt, heisst BEAUVAL, liegt am Waldrand und ist von einem Architekturbüro als Gesamtkomplex entworfen und gebaut worden. So ähnlich wie eine „gated community“. Das dringlichste Anliegen der Autorin und Regisseurin scheint mir zu sein, den Zuschauern „zu zeigen“ wie die Dominanz von Geometrie und Sterilität einer solchen Siedlung sich negativ auf die Bewohner auswirkt, sie in Richtung von seelenlosen Zombies entwickeln lässt.

Als Opfer dieser Entwicklung hat sie sich für einen jungen Arzt, Francois, entschieden, den es von Paris in diese Siedlung verschlägt.

Er wird zum Ziel verschiedener Spiele pubertärer, liebessehnsüchtiger Mädchen, die sich reihum zuhause krank stellen, damit er kommen und sie betasten muss. Es entwickelt sich ein richtiger Wettbewerb zwischen den Mädchen, wer mit dem Arzt was erreicht hat.

Mit den Jungs ihres Alters machen sie im Wald Spiele extremerer Art. Der schwarzlockige Anführer hat das Sagen. Eines der harmloseren Spiele ist jenes, bei dem sich die Mädchen verstecken müssen und wenn ein Junge eines findet, dann darf er ihr einen Zungenkuss geben.

Eines der gefährlicheren besteht darin, dass ein Mädchen sexy gekleidet und mit blonder Perücke sich nachts an die Strasse stellen und die Nutte mimen muss. Ein eher schüchterenes Mädchen traut sich nicht richtig, es wird von einem Jungen auf die Strasse geschubst und schon ist es überfahren, tot. Das gibt den Spielen eine neue Dimension. Das baut in der Siedlung eine Mauer des Schweigens auf.

Parallel zu den extremen Spielen gibt es die brave offizielle Welt der Siedlung. Die Mädchen üben für eine Veranstaltung, bei der der Investor auftritt, Tanznummern ein. Mit ihren langen Röcken und den schwarzen Bändern, die ihre Haare eng auf dem Kopf zusammenhalten, sehen sie dann aus wie ein Nazireigen oder eine Zombietanztruppe und die Skulptur mit der Goldkugel, die in der Siedlung aufgestellt wird, da hätte man genau so gut was von Arno Breker ordern können.

Symbolismus, Strukturalismus überall. An der Haustür des Architekten prangt ein dicker Eisenring, den die Kamera auch dick einfängt. Das Lehrerehepaar ist bei den Architekten eingeladen: dieses Abendessen ist auch so individualitätslos wie möglich inszeniert und ausgestattet und frisiert. Seelenlosigkeit in massiger Form. Dieselben Rhythmisierungen und Stilisierungen bei der Beerdigung des Mädchens. Schwarm der trauernden Mädchen quert mehrfach stilisiert den Parkplatz.

Während sich in der Öffentlichkeit alles immer mehr stilisert und geometrisiert, verwildern die Rituale im Dunkeln zusehends bis zum grausamen Höhe- und Endpunkt der Story, die eine Schülerin in Gang setzt, die den Lehrer penetrant und aufdringlich anmacht und aus der Bahn der Ordentlichkeit zu werfen versucht.

Die Siedlung, in der der Film spielt, heisst BEAUVAL, liegt am Waldrand und ist von einem Architekturbüro als Gesamtkomplex entworfen und gebaut worden. So ähnlich wie eine „gated community“. Das...

Emmanuel Laurent, der Macher dieser Dokumentation über Godard und Truffaut, ist kein geistiger Durchdringer, wie zeitweilig die Herren der Nouvelle Vague doch waren, er ist ein Sammler und Verehrer.

Entsprechend sieht sein Film denn auch aus. Er regt an nicht durch die Zusammenstellung oder den Faden der Erkundung des Themas, das verliert er andauernd aus den Augen und behandelt es dann auch nur ganz kurz, dafür hätte ein Kurzfilm dicke genügt, wobei aber in dem Wenigen zum Ausdruck kommt, wie wenig menschliches Genie diese Kinogenies doch waren, wie sie im Gegenteil, auch beider Schauspieler Jean-Pierre Léaud, oft kleinkariert wie ganz normale Menschen waren.

Was man an solchen bemühten Kompilationen immer hat, das sind die Originalausschnitte aus berühmten Filmen wie aus „400 Coups“ von Truffaut, Initialzündung für die Nouvelle Vague. Der Verehrungscharakter dieser Doku wird schon gleich zu Beginn deutlich, wenn Laurent den Applaus in Cannes groß einspielt.

Wunderbare Ausschnitte mit dem jungen Belmondo, wobei erstaunt, welch helle Stimme er hatte, bis natürlich auf den Kurzfilm, bei dem Godard ihn nachgesprochen hatte, weil Belmondo nach Algerien musste.

Je länger der Film dauert, desto mehr rückt Jean-Pierre Léaud in den Mittelpunkt, der eine schauspielerische Muse von beiden war, bis sich dann Godard entschieden hatte, das Kino einzusetzen, um die Ausgebeuteten über die Ausbeuter aufzuklären, während Truffaut weiter machte, als hätte es kein 68 gegeben und somit laut Godard bourgeois geblieben ist, womit ihm die Verachtung Godards sicher war.

Léaud distanzierte sich von Godard in einem Brief, den Truffaut übermittelte, worauf Léaud von Godard auf demselben Wege die Rückantwort erhielt und die Herren sich dann nicht mehr begegnet sind.

Zum Abspann spielt Laurant ein Interview mit dem ganz kleinen Léaud nach seiner ersten Rolle ein, das natürlich herzerfrischend ist und weder mit Godard noch mit Truffaut viel zu tun hat, außer dass Truffaut ihn eben entdeckt hatte. Léaud habe noch mit 27 Jahren so jung ausgesehen als ob er erst 18 wäre.

Inerviewausschnitte mit Godard oder Truffaut sind immer die Aufmerksamkeit wert, wobei auffällt, für wie wichtig sich diese Jungfilmer damals gehalten hatten. Für nicht weniger wichtig als die heutigen, da ist nicht ein Deut Unterschied.

Weiter bemerkenswert, dass die Nouvelle Vague offenbar von einem Funktionär, vom Kulturminister Malraux angestoßen worden ist, indem er die „400 Coups“ 1959 für Cannes durchdrückte. Chapeau, kann man da nur sagen. Wir empfehlen allein aus diesem Grund den Film ausdrücklich dem deutschen Kulturstaatsminister.

Emmanuel Laurent, der Macher dieser Dokumentation über Godard und Truffaut, ist kein geistiger Durchdringer, wie zeitweilig die Herren der Nouvelle Vague doch waren, er ist ein Sammler und Verehrer. Entsprechend...

In dem Meer der von der Produzentenangst vor der Leere betriebenen Ramassierung von Special-Effects drohen Bruchstücke staatstheatral inszenierter Dialoge ständig unterzugehen, die immerhin erkennen lassen, dass Thor samt Hammer aus dem Götterreich Asgard verbannt wurde und bei den Menschen Verwirrung stiftet, bis er ein feuerspeiendes, eisernes Ungetüm besiegt und als künftiger König nach Asgard zurückkehren kann. Die deutlich uninspirierte Dialoginszenierung von Kenneth Branagh heisst nichts anderes, als dass er auf Nummer Sicher gehen wollte, resp. die Produzenten, wie auch das Uebermass, Platz für mehr war kaum, an Special-Effects vermuten lässt, dass die Produzenten nur eins haben, das ist: Angst, Angst, Angst, etwas zu risikieren, Angst, Neues auszuprobieren; sie sind meines Erachtens mit diesem Produkt in die Angstfalle gelaufen. Soviel Effekt, genau so wie die kirchlich-erstarrte Sprachproduktion lassen der mitarbeitenden Fantasie des Zuschauers keinen Raum mehr. So prallt der Film denn ab an einem wie ein Regentropfen an einem gut imprägnierten Regenmantel.

In dem Meer der von der Produzentenangst vor der Leere betriebenen Ramassierung von Special-Effects drohen Bruchstücke staatstheatral inszenierter Dialoge ständig unterzugehen, die immerhin erkennen lassen, dass Thor samt Hammer aus...

Die lautstärkste Aussage in diesem Film scheint mir die zu sein, hey, sind wir nicht schlaue Produzenten, wir haben die Weisheit fürs Erfolgsrezept mit Eimern gefressen: man nehme eine schöne Geschichte, die wirklich passiert ist, in unserem Falle eine Zirkusgeschichte, kaufe ein paar „selling“ Stars ein, lasse schnell schnell ein Script dazu entwickeln (es gründlich zu lesen haben wir Cracks nicht nötig) und schon liegt uns ein erfolgreicher Film vor und wir sehen die Einnahmen fliessen – wenn sich die Herrschaften da mal nicht getäuscht haben.

Ob das gut gehen kann mit einem Marzipantörtchen von männlichem jungem Star, der den Eindruck erweckt, er hätte noch nicht mal den Begriff Erektion gehört, der vor allem nett grinsen kann, leicht treu schauen, die Zähne zeigen und dessen Nase sehr jener aktuellen von Matt Damon ähnelt, dazu eine junge Starschauspielerin, die einen auf Blondine macht, im Film Marlena heisst und eine Pferdedompteuse mimt und mixe einen Christoph Waltz dazu, der eine Show abzieht mit wenig Rücksicht auf  Geschichte und Rolle  (insofern verständlich, als die sehr dünn ist und der Oscar gemolken sein will) und eine Rahmengeschichte drum herum, die einen grossartigen alten Schauspieler (Hal Halbrook) aufbietet, dem die Darsteller der Hauptgeschichte nicht das Wasser reichen können?

Die Rahmengeschichte ist die, Jakob Jankowski, der Ältere, steht hilflos, altersverloren vor einem Zirkus im Regen; zwei junge Zirkusmenschen entdecken ihn und vermuten, er habe sich verirrt, sie wollen ihm zurück in sein Heim verhelfen. Bis es soweit ist, kommt man ins Gespräch, er sieht Fotos von seinem früheren Zirkus und so beginnt die Rückblende, die die Geschichte dieses alten Herren erzählt, eine Zirkusgeschichte.

Leider wird die Geschichte mit unverständlichen Erzählsprüngen erzählt oft ohne zu differenzieren zwischen Wichtigem und Unwichtigem; die Drehbucharbeit scheint ohne Analyse des Hauptkonfliktes und damit des Spannungsbogens ausgekommen zu sein. Denn ein Satz wie „ich wusste nicht was machen“, den der Hauptdarsteller zu Beginn seiner Reise sagt (es ist noch die Voice-over des alten Darstellers), ist ein zu wackliges Fundament, um darauf ein tragendes Handlungsskelett aufzubauen. Das mag zwar in der Realität so gewesen sein. Nur war natürlich in der Realität bestimmt ein Need da, was etwas wollte. Und wenn die Realität es damals nicht formulieren konnte, so müsste es aber der professionelle Geschichtenschreiber tun, um eine spannende Geschichte hinzubekommen.

Die Geschichte, die die Produzenten hier verfilmen wollten, war die eines jungen Mannes, dessen Eltern bei einem Autounfall ums Leben gekommen sind und dessen Vater hochverschuldet war, der Sohn hatte also nicht nur die Eltern, und das Elternhaus verloren sondern auch die Finanzquelle für sein Studium (Veterinärmedizin). So machte er sich auf den Weg mit nichts als einem Köfferchen in der Hand und wusste nicht, was er machen sollte. Der Drehbuchautor hat es aber unterlassen, vorher schon eine Charakterisierung der Figur zu geben, die allein diese Situation hätte spannend machen können. So sieht denn alles weitere mehr oder weniger zufällig aus, einzig dass er Tiermedizin studiert hatte, das wird ihm später zugute kommen, wird der Grund sein, warum er beim Zirkus, an den er zufällig gerät, auch bleiben konnte und die Geschichte dann ihren Lauf nimmt,  Zirkuskarriere inklusive stereotyp nacherfundener Liebesgeschichte, einer Zirkuskatastrophe wegen Eifersucht und dann ein schönes Homemovie über ein glückliches Zirkusleben; heftige Musik soll erzählerische Leerstellen übertönen.

Was die Produzenten auch nicht bedacht zu haben scheinen, dass Zirkus der wilde Tier artfremd in eisernen Käfigen oder an eisernen Ketten durch die Lande transportiert und ausstellt und vorführt, so gar nicht mehr im Einklang mit einem modernen Verständnis von Tierschutz steht.

Mein Fazit: Hier kann der Zuschauer das besichtigen, was rauskommt, wenn unseriöse Geschäftsleute auf hässliche Weise (schludriges Drehbuch ebenso wie schludrige Besetzung) und einem noch relativ frischen Oscarpreisträger einen schnellen Reibach machen wollen, verwunderlich nur, dass der und die anderen Stars das mit sich machen lassen.

Die lautstärkste Aussage in diesem Film scheint mir die zu sein, hey, sind wir nicht schlaue Produzenten, wir haben die Weisheit fürs Erfolgsrezept mit Eimern gefressen: man nehme eine schöne...

Viel Schrott gibts in diesem Film, Autoschrott, Abfallprodukte von wilden Verfolgungsjagden, wobei die spektakulärste die sein dürfte, wie zwei Sportwagen mit einem schiffscontainergrossen Tresor an zwei Seilen im Schlepp, den sie vorher im Polizeihauptquartier aus der Verankerung gerissen haben, durch Rio rasen, da bleibt kein Auto ganz.

Von geistigem Schrott zu sprechen verbietet sich, denn eine Sache die durch Abwesenheit glänzt, kann auch als Schrott nicht vorkommen.

Das Strickmuster der Geschichte ist bewährt und oft schon auch in anderen Ligen brillant und gerne auch witzig dargeboten worden: Ganoven, die sich zurückziehen wollen, möchten noch einen letzten, grossen Bruch machen, wobei es sich hier um das Geld des Herrschers von Rio, also kein Pappenstiel, handelt, um sich dann in einem Land ihrer Wahl, wo sie nicht gesucht werden, geruhsam niederzulassen.

Es gibt noch zwei weitere spektakuläre Action-Szenen, ganz am Anfang, wie der eine Ganove aus einem Gefängnisbus durch einen Angriff mit drei schwarzen Sportwagen auf menschenleerer Wüstenstrecke befreit wird; dann der Diebstahl von drei Sportwagen der Extraklasse aus einem durch eine Wüstengegend fahrenden, streng bewachten Zug von einem daneben her rasenden Fahrzeug aus.

Wem könnte man diesen Film empfehlen? Vielleicht jemandem, der gerade mit seinem Leben nichts anfangen kann, der gerade eine Leere im Kopf hat oder an Energieabfall leidet oder der immer noch an die Kraft und Macht von Motoren, Muskeln und Schiessgeräten glaubt.

Viel Schrott gibts in diesem Film, Autoschrott, Abfallprodukte von wilden Verfolgungsjagden, wobei die spektakulärste die sein dürfte, wie zwei Sportwagen mit einem schiffscontainergrossen Tresor an zwei Seilen im Schlepp, den...

Wie der Titel sagt, Geschichten von Müttern und Töchtern, geborenen, ungeborenen, solchen, die gar nicht geboren werden können, adoptierten und zur Adoption freigegebenen, drei Geschichten, die, wie es so gerne gemacht wird, dann plötzlich einen Faden zueinander finden.

Der Regisseur ist der Sohn des peruanischen Literaturnobelpreisträgers Garcia; das mag auf Geschmack und Stil Einfluss haben, auf das Substantielle nicht. Die Probleme, die er hier behandelt sind einfacher Natur, sie spielen aber überwiegend im Bereich von komplizierten, sprich gebildeten Menschen und werden von einem handverlesenen Ensemble dargeboten: Naomi Watts, Annette Benning, Kerry Washington, Jimmy Smitts, Samuel L. Jackson.

Leider nimmt die Geschichte, nehmen die Geschichten im Verlauf des Filmes immer mehr Daily-Soap-Charakter an, sie werden sentimental und es geht nur noch um die süssen Kleinen oder um den schwangeren Bauch, der Film nähert sich seinem Ende im gemütlichen Tempo einer brasilianischen Telenovela.

Es wird geradezu rührselig, wenn Karen, gespielt von Anette Benning, sich auf die Suche nach ihrer vor Jahren zur Adoption frei gegebenen Tochter macht. Nicht weniger rührselig wird es, wenn Elizabeth, gespielt von Naomit Watts, trotz vorgenommener Sterilisation schwanger wird. Und die junge Mutter, die ihr Baby schon vor der Geburt zur Adoption frei gegeben hat, möchte es dann doch behalten, wie rührselig.

Drei Adoptionsgeschichten mit verwundenen Handlungssträngen und wenigstens einem richtig süssen, rührenden Happy-End. Verkürzt gesagt wäre der passende Titel: drei Adoptionen und ein Happy End mit Oma.

Wie der Titel sagt, Geschichten von Müttern und Töchtern, geborenen, ungeborenen, solchen, die gar nicht geboren werden können, adoptierten und zur Adoption freigegebenen, drei Geschichten, die, wie es so gerne...

Das ist ein Remake des südkoreanischen Kultfilmes mit demselben Titel von Kim Ki-young von 1960: ein bescheidener Mann und Musikus unterrichtet an einer Mädchenschule Gesang, leitet dort den Chor. Damit er seine Familie, er hat ein Mädchen, das an Stöcken geht und einen kleinen Jungen, durchbringen und den Kindern eine gute Erziehung gönnen kann, verdient seine Frau mit Nähen noch ein Zubrot. Das ist fast eine Spitzweg-Idylle. Weil sie in ein neues Haus ziehen, bietet er seinen Schülerinnen Klavierstunden an. Eine Schülerin möchte solche Stunden und fängt dann auch sofort an ihn anzumachen und da seine Frau krank wird, bringt sie auch noch eine Freundin als Hausmädchen mit, die dann in der Idylle ihr grauenhaft zerstörerisches Werk beginnt. Ein auch heute noch verstörend wirkender Film.

Im Sang-Soo geht die Sache heute etwas anders an: Das Milieu, das ein Hausmädchen braucht, ist eine superreiche heutige koreanische Familie, er sehr erfolgreicher Geschäftsmann, sie ein Weibsstück, deren Mutter vor allem das Geld und der Lebensstil eines solchen Milieus interessiert. Im Haus gibt es Bedienstete und Frau Cho wacht über das Kindermädchen. Ein neues ist eben in die Familie gekommen, in die superreiche. Es versteht sich sehr gut mit dem verwöhnten Mädchen, gewinnt sein Vertrauen. Aber sie hat auch Augen für den Herrn des Hauses. Und er für sie. (Wie sich das Verhältnis mit Blicken anbandelt, die über den Buben überspringen am Pool an einem Wochenende in den Bergen, wird in einer kleinen Szene perfekt und leichthändig in einen Bildgenuss verwandelt.)

Das ist ein Milieu, das für ein vom Hausherren mit der Maid gezeugtes Kind, ohne mit der Wimper zu zucken 100.000 Dollar hinblättert, damit die Sache nicht publik wird.

Der Hausherr hat Stil, er spielt Beethoven, er kann eine Flasche Wein meisterlich entkorken, sieht physisch glänzend aus und hält das Weinglas wie ein Meister-Sommelier (ein richtiger Traummann und auch Kinotraummann!). Das zeigt er alles bei der ersten Anmachszene, wie er sich zur Maid begibt, ihr erstes Tête-á-tête während die Hausherrin im Salon in edlen Zeischriften blättert. Die Maid ist willig. Auch sie verliebt sich. Aber sie ist naiv und gibt sich hin.

Dass sie bald schon schwanger wird, weiss Frau Cho und damit auch die Herrin des Hauses und deren Mutter schneller als die Schwangere selbst.

Übrigens, die Herrin des Hauses ist gerade mit Zwillingen schwanger.

Das Drama nimmt seinen Lauf, denn die Maid will sich nicht mit Geld abspeisen lassen.

Das Remake ist eine recht gewöhnliche Herrschaft-Gesinde-Geschichte, viel edler zwar als irgendwelche Besenkammern-Geschichten von Tennisstars, in brilliantem Stil und Ausstattung und Schauspielerführung auf die Leinwand gebracht. Zum grossen Erfolg in Südkorea dürfte durchaus auch beigetragen haben, dass der Film einen gnadenlos sezierenden Blick in eine Schicht koreanischer Neureicher wirft – was Geltung durchaus weit über die Landesgrenzen hinaus haben dürfte.

(Dieser Film wäre mein Favorit der Woche!)

Das ist ein Remake des südkoreanischen Kultfilmes mit demselben Titel von Kim Ki-young von 1960: ein bescheidener Mann und Musikus unterrichtet an einer Mädchenschule Gesang, leitet dort den Chor. Damit...

Hier fühle ich mich doch glatt in die guten alten Zeiten des Stadttheaters und seines traditionellen Weihnachtsmärchens zurückversetzt. Aber auch da gabs schon wunderbare Inszenierungen wie hier auch und bestückt aus einem gut erhaltenen Fundus an Kostümen und Bühnenbild und natürlich einem wunderbaren Schauspieler-Ensemble, ja das kommt einem fast vor, dieser abgelegene Märchenwald mit seinen Bewohnern und ihren Hütten wie eine entzückende Studio-Guckkastenbühne und auch magisch beleuchtet und schliesslich noch das Märchen vom Rotkäppchen mit einer Werwolfgeschichte angereichert (natürlich ist es umgekehrt); wobei im Zentrum eine Liebesgeschichte nach alter Art steht, hochzüchtig versteht sich, das Mädchen, Valerie, soll den Mann heiraten, der mehr Geld bringt, den mutlosen Peter nämlich, den Schmied, und nicht Cesaire, den einfachen aber couragierten Waldarbeiter; wobei ich sagen muss, dass für mich die potentielle Werwolfigkeit des Menschen bei BISS ZUM MORGENGRAUEN deutlich besser rübergekommen ist als hier (bei gleicher Regie); der Werwolf hier ist schon sehr ein Kinofundus-Werwolf und selbst wenn er spricht, doch weit weg von den Menschen; aber das dürfte eher am Buch liegen (oder ist es einer bestimmten Altersfreigabe geschuldet?). Zur Erhöhung der Pracht in der Waldeinsamkeit und der Dämonisierung des Werwolfes gibt es grosse Auftritte samt Einzug von Pastor Salomon, dem Werwolf-Bekämpfer mit einem gusseisernen Elefanten, in dem vermutete Werwölfe gebacken werden und wie ein Opernchor stehen dann die ganzen Dorfbewohner auf dem Platz. Und auch schier ein Opernbild ist es, wenn die hübsche Valerie mit den sehr dicken roten Lippen mit einem Eselskopf übergestülpt auf dem Dorfplatz zwischen Kerzen gefesselt sitzt als Köder für den Werwolf.

Hier fühle ich mich doch glatt in die guten alten Zeiten des Stadttheaters und seines traditionellen Weihnachtsmärchens zurückversetzt. Aber auch da gabs schon wunderbare Inszenierungen wie hier auch und bestückt...