Ein Sachthemenfilm, Aufklärung über das Tourette-Syndrom, vermutlich besonders an Kinder gewandt. Der Film kommt in hellen, lichten Farben, in weichen Bildern und mit sanfter Musik begleitet daher und zeigt viele Tourette-Verrücktheiten. Das war jedenfalls der Eindruck, dass der Film selbst versucht, die Weltwahrnehmung eines Menschen zu zeichnen, der unter dem Tourette-Syndrom leidet, sogar extrem darunter leidet, nicht nur unter den heftigen unkontrollierbaren Zuckungen sondern auch aus die Schwelle des Anständigen weit unterschreitenden Wortschwällen, die oft sexistisch und beleidigend für die Empfänger der Worte sind.

Zitat als Erklärung für das Syndrom: ich habe Schluckauf im Gehirn. Eva, so heisst die Hauptfigur, zur Oma: Freche Sau. Oder zu Spaziergängern im Wald: Kinderficker. Auch „Heil Hitler“ und „Tote ficken“ hat sich im Tourette-Syndrom-Hirn in einen nicht zu stoppenden Schluckauf verwandelt.

Dafür will genau dieser Film Aufklärung leisten. Er dürfte vor allem für den Schulunterricht oder für thematisch interessierte Gruppen in Frage kommen. Er ist praktisch ein Monolog der hübschen Hauptdarstellerin, die von dieser Krankheit geplagt wird, sie heisst im Film Eva Strumpf. Sie spricht oft voice-over, dann aber ohne jede Macke, über ihre Krankheit. Sie gibt zuerst sogar einen kurzen historischen Abriss und die Regie bebildert diesen auch. Eine franzöische Adelige war die erste, bei der die Krankheit im 18. Jahrhundert festgestellt worden ist. Sie wurde damit zur Namensgeberin. Eine Einführung, wie es sich für eine ordentliche Schullektion gehört.

Die Spielszenen wirken meist so, als seien die Schauspieler zusammengekommen, um eben diese vorzuspielen und zwar im Zusammenhang mit der Erklärung dieser Krankheit. Sie sind als Charaktere vom Autor und Regisseur praktisch nicht entwickelt. Auch das ein Hinweis darauf, dass wir es hier mit einem Erklärfilm oder einem Aufklärungsfilm zu tun haben.

Es gibt eine ganze Reihe von Szenen, in denen modellhaft vorgeführt wird, wie Eva bei Bewerbungen um eine Stelle Absagen kriegt.

Oder es gibt eine Szene, wo sie im Privathaus des Bankdirektors unter seinem Pult kauert, während er dran sitzt und telefoniert und nicht weiss, dass Eva sich in sein Haus geschlichen hat und sich genau unter seinem Pult versteckt hält, wo sie gegen einen Anfall des Syndroms kämpft und der Filmemacher bebildert ihre ganzen Angstträume, die sie unter dem Pult hat.

Es kommt auch eine kleinkindhafte Banküberfallsgeschichte drin vor. Das hat indirekt mit einer Leiche zu tun, die Eva ganz am Anfang, an ihrem Lieblingsort, einem Teich, wo sie mit Molchen spielt und redet, gefunden hat und wie sie dann Familienmitglieder und Nachbarn alarmieren wollte. Alle haben das für einen Anfall von ihr gehalten und keiner hat ihr geglaubt.

Erst am nächsten Tag haben Pilzsucher die Leiche gefunden. Wichtiger Satz fürs spätere Geschehen und eine Erkenntnis von Eva: die Pilzsucher finden immer die Leichen.

Die Leiche könnte mit Unregelmässigkeiten beim Bankdirektor zu tun haben. Eva hat noch einen Vater und eine Mutter und eine Oma und einen Onkel. Der Vater ist ein erfolgloser Autoverkäufer, sucht erfolglos einen neuen Job, darum möchte der Vater eventuell nach Berlin ziehen und Eva möchte das nicht, sie möchte nicht aus ihrer vertrauten Umgebung heraus. Um den Wegzug zu verhindern sieht sie als einzige Lösung einen Banküberfall. Denn sie bräuchten Geld, um hier zu bleiben.

Auf den Bankdirektor Herrn Kühne, dargestellt von einem Sprecherschauspieler, ist sie eh sauer, weil er den Kredit für den Vater nicht verlängert hat. Mit Hilfe eines abgestürzten Onkels und eines Gitarrenspielers, der sich als Pressemensch verkleidet hat und unter dem Vorwand ein PR-Foto für die Bank mit dem Direktor machen zu wollen, nun ja das kommt schon irgendwie wie hinterm Bügeltisch erfunden daher, schaffen sie den Zutritt zum Tresorraum und erreichen sogar, dass er diesen aus Eitelkeit wegen des PF-Fotos öffnet. Die Kinderbuchfabulierwelt lässt nun den Bankraub gelingen. Denn jede Menge Johnnys, einer heisst Johnny Blaubeermarmelade, einer Johnny Zukunftsangst, einer Johnny Arbeitslos (und in der IMDb fungiert der Film unter dem Titel „Johnny Kühlissen“), also die lenken den Direktor ab und Eva kann einen Koffer klauen, da ist aber nichts Gescheites drin, ausser dem Hinweis auf Ungereimtheiten beim Direktor, darum dringt sie in des Direktors Privathaus ein und entdeckt, dass er im Wald einen Sack mit Geld vergraben hat und dann sucht sie mit Johnny den Geldsack und sie finden ihn nicht und dann – mei das hat jetzt lange gedauert, vielleicht eine der Pointen in der Filmgeschichte mit dem längsten Anlauf, da fällt Eva der Satz vom Anfang des Filmes ein, „Immer die Pilzsucher finden die Leichen“ und also gehen sie am nächsten Tag in besagtem Waldstück Pilze suchen und finden den Sack mit dem Geld.

Der Sack mit dem Geld wird bei der Oma unterm Bett versteckt. Es sind genau 1,7 Millionen Euro. Dann stirbt die Oma, sie wird bei ihrer Beerdigung vom Tourette-Syndrom als auf einem Ast auf dem Baum sitzend wahrgenommen. Das Geld ist in der Wohnung aber nicht zu finden. Es gibt eine Testamentseröffnung und siehe da, die 1, 7 Millionen Euro sind auf ein Sparbuch für Eva einbezahlt worden.

Und wer jetzt noch nicht begriffen hat, was das Tourette-Syndrom ist, der hat auch den Film von Andi Rogenhagen nicht verstanden.

Ein Sachthemenfilm, Aufklärung über das Tourette-Syndrom, vermutlich besonders an Kinder gewandt. Der Film kommt in hellen, lichten Farben, in weichen Bildern und mit sanfter Musik begleitet daher und zeigt viele...

Die Macher dieses Filmes haben sich für ein solides Modell an Geschichte entschieden, um dem kugeligen Komiker Kevin James eine sichere Plattform zu geben, sein Publikum mit den Nöten der Einsamkeit, des Missachtetwerdens, mit Sprüngen und Klettereien und mit Umfallen und Auf-den-Boden-fallen zu unterhalten. Er ist der Zoowärter Griffin im Franklin Park Zoo, lebt allein, fühlt sich allein und ist blind verliebt in eine Blondine, die kein Klischee auslässt und nach kurzweiligen, teils tierischen etwa 90 Minuten findet er dann doch noch die Richtige wie es sich in einem Kino, das gute Gefühle vermitteln will, gehört.

Der Film fängt mit einer überraschenden Szene an, so dass man erst glaubt im falschen Kino zu sitzen; Meeresstrand, Stimmung wie für eine Kinowerbung, ein Pferd mit einem Reiter und einer Reiterin kommt aus Richtung Sonnenuntergang daher. Eine Flaschenpost wird im Sand entdeckt. Drin steckt die Frage von Kevin, dem Reiter, an Stephanie, die Blondine an seiner Seite, ob sie ihn heiraten wolle. Sie tut ernsthaft überrascht ob solchem Begehr. Und sagt nein. Es ist aber zu spät, das aufwändig und präzise geplante Brautwerbungsevent noch zu stoppen. Schon tauchen die bestellten Mariaccis auf und lassen sich in ihrer Gratulationsmusik nicht mehr bremsen, durch kein Nein der Braut nicht. Und am Horizont wird ein riesiges Feuerwerk abgeschossen von und aus Herzen. Alles recht kostspielig für einen Tierwärter aus dem Zoo. Aber was soll der blöde Realismus, wenn es der Unterhaltung dient.

Die Tiere wollen ihren Wärter nicht verlieren. Sie können allesamt sprechen – das ist immer ein besonderes Vergnügen, amerikanische Stars Tiere sprechen zu hören, Löwe, Stachelschwein, Gorilla, Giraffe, Krähe, Affe. Die Zootiere, die ihren Wärter mögen, gehen davon aus, dass er bei ihnen bleibt, wenn er die Blondine kriegt. Die ist jedoch wieder mit ihrem Ex Gale zugange. Der bescheidene, tierfreundliche Griffin soll nun von den Tieren in mehreren Lektion das Imponiergehabe lernen, um bei der Blondinen Eindruck zu schinden und sie zu kriegen. Sie sind überzeugt, dann würde er sie heiraten und ihnen erhalten bleiben.

Das füllt das Gros der Filmzeit, diese Lektionen und das daraus resultierende Brautwerbegehabe, Auftritte auf einer Hochzeit oder in Restaurants, auch mit mit dem Gorilla im T-Shirt, der behauptet, ein verkleideter Mensch zu sein. Dann noch der Trick mit der anderen Frau. Dafür gibt sich schliesslich Kate, die Kollegin von Griffin her. Und siehe da, mit einem anarchistischen Auftritt bei einer Hochzeit mit einer verrückten Tanznummer und diversem Zerstörungswerk schafft Griffin es, für die Blondine attraktiv zu werden. Sie möchte aber, dass er den Zoojob aufgibt und Autoverkäufer wird im Laden ihres Bruders, der Nobelkarrossen verkauft. Den Job macht er einige Zeit. Ist auch erfolgreich. Aber es ist nicht sein Glück. So kehrt er schliesslich zu den Tieren im Zoo zurück. Und in letzter Minute schaffte er es auch noch, Kate, die schon auf dem Weg zu einem neuen Job in Nairobi ist, aufzuhalten und zum Bleiben zu bewegen.

Als Zückerchen für den deutschen Markt haben die Produzenten Thomas Gottschalk für einen Auftritt als tuntigen Oma-Kopf, wie er von Griffin tituliert wird, besetzt. Griffin ruft ihm hinterher, bringt den Esel zurück in die Scheune.

Die Macher dieses Filmes haben sich für ein solides Modell an Geschichte entschieden, um dem kugeligen Komiker Kevin James eine sichere Plattform zu geben, sein Publikum mit den Nöten der...

Liebesgeschichte um eine komplizierte Frau und zwei Selbstmorde. Verfilmung eines weltweit erfolgreichen Romans von Haruki Murakami. Der Film ist ein nahrhaftes Werk auch für jemanden, der den Roman nicht kennt. Insofern dürften seine Erfolgschancen noch größer sein, als wenn er insiderisch verfilmt worden wäre. Tran Anh Hung hat den Film gemacht. Er ist mit DER DUFT DER GRÜNEN PAPAYA bekannt geworden.

Der Film  spielt in Tokio und Umgebung in den 60ern, fängt an im Studentenmilieu, wo Protestaktionen In sind, aber unser Hauptdarsteller Watanabe hat andere Probleme. Er liebt Naoko. Sie ist in der deutschen Übersetzung die Titelfigur, im Original heißt der Film: Norwegian Wood und das ist was für Musikkenner.

An der Uni will der Professor gerade über ANDROMACHE referieren, die Frauengestalt aus der griechischen Mythologie, die männerbekämpfende, wie es heißt; aber der Professor wird unterbrochen von protestierenden Studenten, die ihre politischen Statements abzugeben wünschen. Der Professor findet jedoch, es gebe nichts Spannenderes als die griechische Mythologie und das dürfte sich mit der Meinung des Filmemachers decken, der sich nicht den Studentenprotesten, sondern der Geschichte der komplizierten Frau Naoko, die Kizuki in den Selbstmord treibt, zuwendet. Andromache – oder Naoko? – die Männer Bekämpfende.

Watanabe, der Student, der sich mehr für Naoko als für die Studentenproteste interessiert, fragt Naoko später, ob sie mit Kizuki geschlafen habe; sie sagt, ja einmal, aber sie sei nicht feucht geworden; sie hat Watanabe somit noch eine gewisse Exklusivität zu bieten. Sie bleibt für ihn verlockend. Denn die Spinne muss ihr Opfer ins Netz locken.

Wie Naoko nun versucht, Watanabe in ihr Netz einzuspinnen, dieser Versuch, dessen Erfolg nie plump absehbar ist, füllt den Hauptteil des Filmes. Sie kann ihn mit dem Exklusivitätsversprechen jetzt beliebig an seinem Begehren nach ihr und seinem Drang nach sexueller Befriedigung gängeln. Das tut sie lust- und kunstvoll.

Bei einem langen Gespräche im Gehen der beiden hatte Watanabe ihr seine Liebe gestanden, obwohl vor allem sie geredet hat und ihre eigene Kompliziertheit dargestellt hatte, aber irgendwie hatte sie wohl in Watanabe dadurch die Disposition geschaffen, dass er sich auf ihr Spiel, hoffnungsvoll, einlässt.

Dabei ist Krankheit eines der besonders raffinierten Gängelinstrumente. Denn krankheitshalber sucht Naoko Zuflucht auf dem Lande. Dort sucht Watanabe sie immer wieder auf, fühlt sich unwiderstehlich angezogen. Sie reden auch über Liebe und Sex; sie kann sehr direkt fragen, als ob sie das weiter nicht berühre, ob sich denn die Studenten im Wohnheim alle selber befriedigten und ob sie dabei an Frauen dächten oder wie das denn mit dem Ständer sei, ob das weh tue und ob er einen habe und sie könne es ihm mit der Hand besorgen und wie sie damit anfängt, schwenkt die Kamera diskret nach oben. Logisch, dass das Lust auf mehr, auf weitere Besuche macht.

Eine solche Frau ist für einen Liebeshungrigen zum Verzweifeln, umso mehr als sie in ihrem Asyl immer Reiko um sich hat, die auch gleich zu Anfang beim ersten Besuch von Watanabe klar stellt, dass Naoko besondere Aufmerksamkeit brauche und sie sie nie aus den Augen lassen werde. Über Andromache wird geschrieben, dass sie lesbisch gewesen sei. Unangenehm für Watanbe. So haut Naoko nachts ab. Bei dieser Exkursion dürfte sie das einzige Mal Sex mit Watanabe gehabt haben, Sex, bei dem sie feucht geworden ist.

Jetzt könnte die Beziehung ernsthafter mit garantierter Intimität werden. Denkste. Das war schon wieder too much für Naoko. Viele Briefe wechseln hin und her; Entschuldigungen ihrerseits über ihre Kompliziertheit und dass sie noch eine Weile brauche, aber nie ein definitives Schlusswort.

In der Zeit lernt Watanabe in einem einsamen Moment Midori kennen. Auch sie ist nicht einfach; sie möchte ihn ganz für sich und keine andere neben sich haben. Er muss sich Midori also aufsparen, bis Naoko sich aufgehängt hat am Meer; was er natürlich nicht voraussehen kann. Daraufhin macht er wilde Trauertage und Nächte am Strand. Tran Anh Hung haut eine heftige Musik drauf, lässt ihn heulen wie ein Wolf, aber seine Stimme hört man in diesem Moment nicht, der Geifer läuft ihm in einem langen Faden aus dem Mund und wabert hin und her und der Bart ist ihm gewachsen, wie er überhaupt im Laufe des Filmes vom Milchbuben zum Mann wird.

Schließlich hatte er ja noch jenes Erlebnis vom Partnertausch mit seinem Kumpel, wie sie beide eine Frau aufgerissen hatten und mitten in der Nacht, jeder ins Zimmer des anderen sei und mit der dort vorhandenen Frau weitergemacht habe; so richtig Lust habe das aber nicht bereitet.

Ist das jetzt mehr ein Film über die Komplikationen der Mannwerdung oder über die Kompliziertheiten des Frauseins?

Liebesgeschichte um eine komplizierte Frau und zwei Selbstmorde. Verfilmung eines weltweit erfolgreichen Romans von Haruki Murakami. Der Film ist ein nahrhaftes Werk auch für jemanden, der den Roman nicht kennt....

Was Fantasie alles zu leisten imstande ist, das vermittelt uns Lillebroer, der kleine Bruder. Er ist der jüngste in einer Familie mit Papa, Mama und älterem Bruder, der schon groß ist. Die Familie muss von der Stadt aus einem lebhaften Wohnblock aufs Land ziehen. So ein Umzug aus einer heimatwerdenden Umgebung, in die ein Kind eben am  Hineinwachsen ist, ist normalerweise ein großes Problem, das sich leicht zur Katastrophe, Verhaltensstörungen, Lernschwierigkeiten, Identitätsverlust oder gravierenden Entwicklungsstörungen auswachsen kann, wenn die Freunde nicht mehr da sind, wenn das was sich  ein Kind an Umgebung angeeignet hat, plötzlich wegfällt. Aber der Mensch ist mit der Gabe der Fantasie ausgerüstet; die kann in so einem Fall die Kraft entwickeln, die der Mensch braucht, um sich sozusagen am eigenen Schopf aus dem Elend zu ziehen. Dazu bedarf es wenig, Es reicht, wie zur Bildung eines Regentropfens ein Staubkorn genügt, ein kleines Astgäbelchen, das vom Baum fällt und wie ein Männlein aussieht. Es ist vom Baum gefallen, weil der Vater sich am Baum zu schaffen gemacht hat. Es springt Lillebroer gleich an. Liebe auf den ersten Blick. Namensgebung auf den ersten Blick. Knerten heisst der neue Freund, der auch gleich selbst spricht und denkt (wie umständlich, schwerfällig und witzlos wurde das gleiche Thema dagegen bei DER BIBER behandelt!).

Knerten begleitet Lillebroer nun auf sämtlichen Abenteuer- und Entdeckungsreisen durch die neue Umgebung.  Dank Freund Knerten ist alles viel mehr aufregend und interessant als beängstigend und einengend. Diese Reise mit Lillebroer und Knerten im Kino zu tun, macht umso mehr Spass, als die Geschichte konsequent auf Augenhöhe und aus der Sichtweise des Buben erzählt wird. Einem Erwachsenen mögen dabei so manche Erinnerungen kommen. Und das Kind ums Lillebroer-Alter herum, schätzungsweise bis zur ersten, zweiten Schulklasse, ich bin kein Pädagoge, dürfte sich von so einem Film sowieos voll und ganz verstanden und ernstgenommen fühlen.

Es kommen also vor: ein Vater, der erfolglos Unterwäsche verkauft, ein grosser Bruder, der schon gross ist, aber immer noch zur Schule gehen muss und den man beim ersten Kuss beobachten und in Verlegenheit bringen kann, eine Traumprinzessin im Wald,  hoch zu Pferd und begleitet von einem Knecht, zwei böse Mädchen, die Knerten frech stehlen, als den ihren betrachten  und in Frauenkleider stecken, ein Sakrileg ist das, ein grosser Autoreifen wird die Situation wieder bereinigen. Es kommt ferner vor ein wunderschöner Kastenwagen aus den 50er Jahren, in dem die Fensterrahmen noch aus Holz gearbeitet sind, ein alter Schreiner, der weiss, dass auch Holzstücke eine Seele haben, ein alter Kramladen, in dem Kindern der Zutritt verboten ist und der von einem skurrilen Junggesellen geführt wird, der in eine Spanierin verliebt ist und bei dem  Lillebroers Mutter arbeiten kann; Pfandflaschen, die Lillebroer gleich mehrfach zurückgeben kann, eine Tante Malhierundmalda, die Lillebroer pflegt, wenn er krank ist und gleich noch ein nettes Mädchen mitbringt; ein Kamel, das Cigaretten spendet (deshalb ist Rauchen Kacke) oder ein roter Sportwagen mit einer weiblichen Showgrösse drin, die dem Vater die farbigen Strümpfe, die auf dem Lande keiner will, abkauft und so einen Boom in Gang setzt und am Ende gibt’s noch eine wunderbares Fest.

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Ein rundlicher, glatzköpfiger, fester Mann mittleren Alters mit prinzipiell grimmigem Blick ist die zentrale Figur in diesem Film, der die religiösen Vorurteile in der Tradition des jüdischen Witzes auf die Schippe nehmen will.

Mahmud, so heißt unsere Hauptfigur, er hat bereits einen herangewachsenen Sohn, der irgendwie nicht zu ihm passt, genau so wenig wie seine Frau, aber das ist vielleicht teil der vorgeblichen Komödienkunst, solche Besetzungen zu machen.

Sein Sohn jedenfalls will heiraten und zwar ausgerechnet die Tochter eines islamischen Hasspredigers. Außerdem ist dem Mahmud seine Mutter gestorben. Es gilt ihre Hinterlassenschaft zu ordnen. Dabei stößt Mahmud auf eine Urkunde, die belegt, dass er gar nicht das leibliche Kind seiner islamischen Eltern ist, sondern adoptiert wurde und sein wahrer Name ein jüdischer ist. Dem geht er nach und findet seinen leiblichen Vater in einem Spital.

Die Komödie, so wie sie gespielt und geschrieben ist, wird hier gut vorgetragen. Das Problem scheint mir aber ein grundsätzlicheres: einerseits, wen wollen die Macher damit erreichen, denn mit Filmen über Toleranz, resp. Intoleranz und Vorurteile möchte man etwas bewirken und garantiert nicht reine Kunst machen. Überhaupt scheint mir der Rahmen oder das Tablett, auf dem die Macher ihre Fähigkeit, diese Art Komödie zu inszenieren und zu spielen ganz gut präsentieren, sehr wacklig.

Was ich zum Beispiel überhaupt nicht nachvollziehen kann, dass Mahmud, kaum hat er erfahren, dass er Jude ist, gleich zum Judentum übertreten will, so ganz ohne jeden Konflikt, wobei er ein eher nachlässiger islamischer Gläubiger war. Ausgerechnet ihm gegenüber wohnt ein jüdischer Taxifahrer, der einen siebenarmigen Leuchter im Fenster stehen hat. Von diesem Nachbarn will sich Mahmud die jüdischen Bräuche und Rituale beibringen lassen, auch diese Lern-Szenen scheinen mir arg auf die Gunst des hoffentlich dankbar kapierenden Publikums hin spekuliert.

Das Problem mit dieser Art jüdischen Witzes, wie er ja weltberühmt wurde, seine Beschlagenheit und auch die Selbstverarsche, das ist, dass er seine Qualität und Stärke aus der Diaspora- und teils Ghetto-Existenz bezogen hat; daraus seine Schlagkraft, seine kreative Überzeugungskraft schöpfend. Heute ist dies so nicht mehr gegeben. Es gibt den Staat Israel, und wo Juden in der westlichen Welt leben, da sind sie in keinerlei Ghetto gezwungen. Es ist diesem jüdischen Humor und Witz ein gutes Stück weit der Boden entzogen. Insofern scheint dessen Anwendung wie in diesem Film praktiziert, doch arg museal, nicht auf die heute Lebenden gerichtet zu sein, wenn auch mit aktuellem Bezug ausgestattet.

Als aktualisierende Zurechtbiegung der Situation kommt zum Erlernen der äusseren Formalitäten des Judentums hinzu, dass der künftige Schwiegervater, also der Hassprediger, der von Vertrauten umgeben ist, deren einer ein Haken statt einer Hand hat, soll wohl lustig sein, dass also der Hassprediger, um die Tochter dem Sohn von Mahmud zu geben, diesen auch auf seine Religiosität hin prüfen will, ein Vorgang, der mir nicht so wichtig und plausibel erscheint, ohne den aber die Komödie jeglichen Grund verlöre.

Mahmud wird jetzt von der Regie zwischen der Welt des Judentums und der des Islam atemlos hin und her geschickt.  In der Hektik vergisst er einmal die Kippa unter seiner arabischen Kopfbedeckung.   Prompt nimmt er beim Empfang des Hasspredigers vor viel Publikum sein Araberkäppi ab und darunter kommt die Kippa zum Vorschein. Worauf er eine öffentliche Verbrennung derselben veranstaltet, die im Fernsehen zu sehen sein wird und auch auf Youtube verbreitet wird; für diesen Preis hat  er vorerst seine Haut gerettet. Aber da seine Doppelgläubigkeit nun offenbar ist, setzt dies eine Kettenreaktion an Komplikationen in Gang, wie sie allein insofern schon erwartbar ist, weil ihre Voraussetzung so deutlich konstruiert  worden ist: Trennung von der Familie, Heirat des Sohnes ausser Sichtweite, Versammlung mit dem Hassprediger, Mahmud unter Burka verkleidet, Entlarvung des Hasspredigers. Konstrukt. Konstrukt der Lustigkeit halber zur zwanghaften Erzeugung von sollkomischen Situationen. Wozu sonst der Film gemacht worden sein soll, wird aber nicht deutlich.

Ein rundlicher, glatzköpfiger, fester Mann mittleren Alters mit prinzipiell grimmigem Blick ist die zentrale Figur in diesem Film, der die religiösen Vorurteile in der Tradition des jüdischen Witzes auf die...

Peter Weir schlägt ein grosses Bilderbuch auf über die Flucht von sieben Gefangenen aus dem sibirischen Gulag während des zweiten Weltkrieges zu Fuss über die Mongolei, Tibet nach Indien.

Von sieben, die aufgebrochen sind, haben es drei bis Indien geschafft. Andere sind gestorben, einer ging Richtung China. Über ein Stück wurden sie von einer jungen Frau, Irina, begleitet, die zwei Versionen ihrer Leidensgeschichte erzählte. Sie war unter den Männer die Kommunikatorin, hat sie über ihre Geschichten und ihre Pläne befragt; den ersten Teil der Flucht hatten sie kaum Privates geredet, da ging es nur darum, wegzukommen aus dem Gulag und nirgendwo erwischt zu werden; die Hoffnung lag in der Mongolei, aber welche Enttäuschung, wie sie einen alleinstehenden Torbogen über einer Strasse fanden, auf welchem schon die Fotos der russischen Führungsfiguren angebracht waren.

Es liegt nahe, von einem grossformatigen Bilderbuch zu sprechen, das man nicht selber umblättern muss, weil das Stärkste an diesem Film scheinen mir die überwältigenden Bilder zu sein. Ob im Gulag die eindrücklichen Nahaufnahmen der Männer, einzeln oder in Gruppen, beim Arbeiten im Holz, im Bergwerk; bei den Verabredungen zur Flucht, beim Bunkern von Nahrung und dann bei Sturm der plötzliche Ausbruch in dem Moment, wo sie es schaffen, den Generator für 10 Minuten abzustellen; dann im Sturm im Wald und weg, weg. Die mächtigen Bilder werden gerade in dieser ersten Phase durch kräftige Musik und auch Lärm von Schnee, Sturm oder Bergwerksmaschinen noch stärker herausgestellt.

Detail zum Beispiel im Bergwerk, wie der eine sagt, das Joch unter dem sie schier zusammenbrechen, das hätten schon die alten Ägypter benutzt, er wisse das, denn er sei Professor für Ägyptologie.

Die ersten paar Minuten waren für mich gewöhnungsbedüftig, zu viele schlechte Filme über die Kriegszeit gibt es, die so staatstragend herausgestellt anfangen mit den Funduskostümen und den Studio-Gulag-Ausstattungen. Aber das war sozusagen eher der schlechte Geschmack, der noch mal aufstiess, bevor ich mich dann richtig, ja, zurücklehnen und diese Bilder betrachten konnte. Denn man muss hier nicht wie ein Kupferstecher aufpassen, dass man nichts verpasst.

Irgendwie bleiben die Männer untereinander jedoch seltsam beziehungslos, sie haben nur die Flucht im Kopf. Und wenn sie dann dies und das ihrer brüchigen Biographien preisgeben, besonders dank Irina, die am Baikalsee zu ihnen stösst, und der sie zuerst mit Misstrauen begegen, ändert sich nichts an ihrer Beziehungslosikgeit; sie sind ein bunt zusammengewürfelter Haufen verschiedener Nationalitäten, so wie sie in den Gulag geworfen worden sind, so willkürlich gemixt. Einer kennt sich aus und weiss wie man in die Mongolei kommt, der kehrt dann auch zurück. Sie verbindet wie irgend eine andere Reisegesellschaft, dass sie diesen Weg machen wollen. Den ersten erwischt es noch im sibirischen Winter, der mit der Nachtblindheit findet aus dem Wald nicht mehr zurück und sitzt am Morgen erfroren ganz nah bei ihnen. Unter Steinen begraben sie ihn.

Es gibt Ansätze zur Charakterisierung der Figuren, Smith eiskalt, und man soll nie freundlich sein, das versucht er Janusz beizubringen. Dies geschieht diskret, sie machen sich nicht wichtig, es vermittelt sich eher aus beiläufigen Gesprächen, bei Aktivitäten im Gulag oder dann bei der Flucht, wenn sie sich in einem Unterstand eng aneinander schmiegen oder ein Feuer machen; es sind übrigens immer sehr schön fotogen arrrangierte Gruppenbilder; und nicht nur, wenn sie sitzen oder liegen; auch wenn sie gehen, das erinnert an eine Pilgergruppe, denn sie haben Stöcke dabei, die langen Pilgermäntel und die umgehängten Beutel und Kapuzen auf dem Kopf.

Im sibirschen Sturm haben sie, drum war ein Messer so wichtig, aus Baumrinde Gesichtsmasken rausgeschnitten gegen den eisigen Wind. Einmal hören sie Wölfe. Einmal vertreiben sie eine Meute Wölfe, wie die sich über ein gerissenes Tier hermachen und vertilgen das Fleisch dann selber.

Ein grosser epischer Bildbogen, der wohlosiert mit Details umgeht.

Wenn einer in der Wüste die Schlange tötet, wie sie das Fleisch auf einem heissen Stein braten, wie das Fleisch gekaut wird, da gibt’s ein Gespräch über den Unterschied zu Hühnerfleisch; einer, der Schlangenfleisch isst, holt aus seinem Mund plötzlich einen Kleintierschädel als ungenießbar heraus.

Es gibt Momente, da erinnern die Arrangements an einen Passionsfilm. Und in dem Augenblick, wo Irina da liegt, das ist in der Wüste in der Mongolei, in der Sandwüste, wo sie kaum mehr Wasser haben, und man denkt an die Madonna als Topos in der abendländischen Malereigeschichte und schon ist Irina begraben und mitten im Sand steht ein Holzkreuz, vermutlich aus einem ihrer jüngerhaften Pilgerstäbe notdürftig zusammengebunden, dran baumelt ein Amulett. Religiös anmutend. Das Leben als eine Pilgerreise.

In Tibet werden sie zuvorkommend begrüsst.

Es gibt sehr wenige Begegnungen mit anderen Menschen; eine Ortschaft am Baikalsee umgehen sie, aber wie sie unter Mücken leiden, geht einer von ihnen zu einem allein wandernden Mann und erhält von diesem ein Halsband als Mückenschutz; von da ab haben sie ihre Ruhe. In der Mongolei stürmt plötzlich eine wilde Reiterschar auf sie zu. Ihr Devise: nur lächeln, lächeln. Die fragen sie ob sie Pilger nach Tibet seien. Sie greifen die Idee dankend auf und bejahen. Die Mongolen, wilde Kerle machen kerhum und reiten davon. Kurz darauf finden sie einen jungen Reiter, der sie erwartet, der schmeißt ihnen eine Tierhaut gefüllt mit Wasser hin und sprengt in wildem Galopp davon.

Enen Eindruck möchte ich nicht unerwähnt lassen; sie pflegen sich zwar auch: aus einem toten Tier, das sie im Schlamm am Baikalsee gefunden haben, stellen sie Seife her, mit der sie sich dann waschen. Ab da haben sie immer saubere Klamotten und erwecken eher den Eindruck, auf einer Abenteuerreise zu sein, wo sie sich zu helfen wisssen müssen. Auch ihr Gang ist meist recht frisch und lässt die Monate, die sie hinter sich haben nur schwer vorstellen; wenn sie nicht gerade das schiere Verdursten spielen müssen.

Witzig ist es allemal, wenn ein halbes Dutzend Menschen durch endlose Sandwüste zieht und sie dabei anfangen von der leckeren Zubereitung und dem richtigen Würzen appetitlicher Speisen zu schwärmen.
Für Irina bastelt einer Fellschuhe.
Einmal in der Wüste gibt’s Fusspflege.

Am Brunnen, den sie in der Wüste finden, dank Vögeln, wo Vögel sind kann keine Fata Morgana sein, machen sie Duschspiele mit dem Wassersack aus dem Ziehbrunnen, da wirken sie ganz aufgekratzt und man vergisst, auf welch endloser Reise sie sind, auch wie existenziell die ist. Flucht hat in diesem Film sehr stark die Komponente des Abenteuers. Es gibt auch Stellen, wenn die ganze Gruppe mit grossem Abstand zwischen sich in einer Linie am Horizont marschiert, die an manche Bilder aus Wildwestfilmen erinnern. Das Flimmern der heissen Luft am Horizont und die Stille.
Und zum Brunnen rennen sie dann plötzlich wieder mit Kräften, auch das ist sehr schön choreografiert.

Das Problem für die Kinospannung scheint mir zu sein, dass Weir sich nicht für eine Hauptfigur entschieden hat, deren innere Geschichte er zeigen will. Dadurch kann man als Zuschauer zwar wunderbar zuschauen; man kann auch ruhig mal wegschauen, wegtreten, wegknacken, man verpasst da nicht viel. Das war dann so ein Gedanke, speziell anfangs, ob das nicht ein Kino sei, was doch sehr passee ist, eines was dem heutigen Menschen nicht unbedingt was zu erzählen hat. Eine Bilderwelt die sich an grossem vergangenem Kino orientiert. Kinobilder sind heute schneller und brauchen zur Herstellung nicht unbedingt den grossen Apparat, der mir hier vor allem anfangs aufgefallen ist, der bringt viel Statik und Monumentalität mit sich – Kino hätte heute mit der leichteren Technik viel mehr die Möglichkeit von den Menschen zu erzählen. Davor scheut Peter Weir offensichtlich zurück.

An der chinesischen Mauer, auch die haben sie gefunden, dröhnt das Orchester in voller Lautstärke. In Tibet gibt’s dann noch ein Gespräch über die Pläne der Männer.

Ab da geht alles sehr schnell. Nach Indien. Und dann zurück zur Rahmenhandlung und die Einbettung in die Weltgeschichte, verbandelt mit der polnischen Geschichte über den Darsteller Janusz.

Peter Weir schlägt ein grosses Bilderbuch auf über die Flucht von sieben Gefangenen aus dem sibirischen Gulag während des zweiten Weltkrieges zu Fuss über die Mongolei, Tibet nach Indien. Von...

Tom Hanks mit dem wattierten Gesicht arbeitet in einem Supermarkt. Typisch aufgestellter Amerikaner, der jeden Noch-so-Scheiss-Job begeistert tut. Er wird aufgerufen, in die Direktion zu kommen. Schnell werweißen Kollegen noch, was das bedeuten soll, vermutlich wird er Mitarbeiter des Monats. Diesen technischen Trick kennen wir inzwischen: die Erwartung hochschrauben, um sie sogleich platzen zu lassen. Er wird nicht Mitarbeiter des Monats, sondern entlassen. Das darf hier ruhig verraten werden, da es vollkommen absehbar inszeniert ist.

Larry Crowne, der Name passt so gar nicht zu der Figur, die wir bis jetzt kennen gelernt haben; er scheint nach dem Rezept zusammengebrainstormt, wie schaffe ich einen bestsellerhaft klingenden Namen für einen Kinoerfolg und wenn man den Lauten nachhört, kommen Assoziationen, die alle viel zu hochgeschraubte Erwartungen wecken.

Die Begründung für den Rausschmiss von Crowne lautet, die Firma möchte, dass sich ihre Mitrbeiter entwickeln, er hätte aber in den Jahren, die er hier gearbeitet hat, keine Schulungen gemacht oder Titel erworben und so würden sich nun ihre Wege trennen. Ein schönes Echo auf diese Szene kommt gegen Schluss des Filmes, wenn Crowne eine Pizza bestellt und der Fahrer einer jener Mitarbeiter ist, die bei seinem Entlassungstermin grinsend dabei waren und mit ihren Weiterbildungen geprotzt haben.

Hanks spielt diese von ihm geschriebene und auch regielich betreute Hauptrolle selbst. Für mich ist das eine eher provinzielle Erscheinung, wenn erfolgreiche Schauspieler anfangen, sich selbst ihre Hauptrollen zu schreiben und zu inszenieren, das können nur die wenigsten brilliant. Hanks würde ich nicht dazu zählen, hier würde ich vielleicht von biederem, gut gemeintem Handwerk sprechen. Immerhin das.

Larry befindet sich also früh im Film in einer unkomfortablen Lage da. Das ist für dieses und viele ähnliche Movies eine an sich solide dramaturgische Ausgangspostion. Denn es gibt Schwierigkeiten zu bewältigen. Larry kann seine Hypotheken nicht mehr bedienen und Miss Gammelgard von der Bank macht ihm klar, dass sein Haus weniger wert ist, als die Schulden, die darauf lasten (das ist ein brennendes amerikanisches Thema) und dass er anfangen müsse, Besitz abzustossen.

Das ergibt die Brücke zu seinem Nachbarn, dem Trödler, der immer viel zu hohe Preise verlangt. Auch diese Figur kommt einem vor wie aus einem abgestandenen Fundus von Filmversatzstücken. Film wie ein Kinderspiel, wie mit Bauklötzchen, man nimmt sich eine Anzahl davon und baut sich dann sein Filmchen zusammen.

Nach diversen Abfuhren auf Jobbewerbungen hin – eine selbstverständliche Prise Sozialkritik muss sein, die erfolgreichen Schauspieler haben ein Herz für die Arbeitslosen – besinnt Hanks sich endlich auf seine Bildungsmängel und will ein College besuchen. Inzwischen hat er sein Auto verkauft, fährt Roller. Gleich beim Parken vorm College trifft er Thalia, eine junge schwarze Schönheit, die auf den Roller abfährt.

Jetzt müssen, wie es sich gehört, Szenen aus dem College folgen. Vor allem solche mit Julia Roberts mit den wunderschön breiten Lippen. Und noch welche mit einem Chinesen. Der Film überfordert garantiert keinen Zuschauer.

Frau Roberts, die Lehrerin, darf mehrfach darauf hinweisen, dass sie Miss Tainot mit ai sei. Das ist wichtig.

Damit jeder mitkommt, wird während des ganzen Filmes immer schön abgesetzt gesprochen. Ein Drehbuchsatz nach dem anderen. Damit keine kostbaren Gedanken des Autors Hanks verloren gehen. Aber was waren sie noch, diese kostbaren Gedanken, ah ja, richtig, der Chinese, Ed Matsutani wie Economy, der bringt das als Witz, über den er sich selbst jedes Mal kringelig lacht. Vielleicht hatte Hanks einst einen solchen Lehrer.

Sehr seriöses Kino ist das, also es gibt sich sehr seriös, dürfte dadurch aber beweisen, dass es Seriositäts-Beweisbedarf hat, weil es nämlich alles andere als seriös ist, weil es nur ein Zusammengeclustere ist von dem, was ein Schauspieler kennen gelernt hat und was er an einfachem Niveau immer schon mal wollte.

Oder es erinnert einen an Sketche, wie wir sie früher für den Familienabend bei der Jugendgruppe eingeübt hatten. Dort wars ja noch lustig, weils einmalig war und getragen von der laienhaften Begeisterung. Davon ist hier nicht viel zu spüren. Das könnte ja eine eventuell aufregende Message werden, ein Schauspieler möchte mit dem eigenen Film beweisen, dass er wieder zu den Ursprüngen zurück, zur Lebendigkeit und Leichtigkeit von Kino weg von der Routine der Grossproduktionen finden möchte. Statt dessen: Solides Schauspielerkino, cineastisch unergiebig.

Tom Hanks mit dem wattierten Gesicht arbeitet in einem Supermarkt. Typisch aufgestellter Amerikaner, der jeden Noch-so-Scheiss-Job begeistert tut. Er wird aufgerufen, in die Direktion zu kommen. Schnell werweißen Kollegen noch,...

Ein Film als Triptichon, nicht von der Jungfrau Maria aber von Sandra Hüller, oft hüllenlos, als Charlotte. Die einzelnen Teile des Triptichons sind ganz einfach überschriftet als Part 1, Part 2, Part 3.

Part 1. Schnauftöne noch ohne Bild. Ausdauerndes Standbild in eine möblierte, aber unbewohnte Wohnung hinein. Wohnungsbesichtigung durch Charlotte (von der wir aber noch nicht wissen, dass sie Charlotte ist); also durch Frau Hüller. Offton Vermieterin: Sie ist ziemlich gross, die Matratze ist neu und dies ist das Badezimmer. Frau Hüller zählt Geldscheine, viele, viele 50er, 100er. Sie gibt sie der Vermieterin, die im Anschnitt ihr gegenüber zu sehen ist; dann zählt diese das Geld nochmal. Sie fängt mit den Hundertern an. Woher kommen Sie, fragt die Vermieterin. Frau Hüller antwortet: Berlin. Autohupe im Hintergrund. Frau Hüller duscht im Off. Sie steigt aus der Dusche, nackt, kommt mit dem Rücken vor die Kamera zu stehen, legt sich ein Badetuch unter den Schultern um. Ortswechsel. Kinder duschen in einer Gemeinschaftsdusche in einem Schwimmbad. Frau Hüller steht, angezogen, auf einer Empore des Bades, schaut mit verschlossenem Mund. Frau Hüller am Bettrand ihres Sohnes Benjamin, sie liest ihm eine Gutenachtgeschichte vor.

Stationen eines Frauenlebens.

Beim Frühstück lernen wir Max, ihren Mann, kennen. Dann sitzt sie im Labor am Computer mit weissem Kittel, weiss, bleich, blond, streng frisiertes Haar. Bett, Frau Hüller nackt, neben ihr haariger Männerrücken, sehr haarig. Sie streichelt darüber. Badewanne. Dozieren vor Studenten. Lachanfall wegen eines Klingeltones, wie aus der Rolle fallend, dass es so einen Klingelton gebe. Streicheln einer Sessellehne in geblümtem Morgenmantel. Krankenstation, weisse Vorhänge zwischen den Betten. Einblick: haariger Mann. Einem muss der Blutdruck gemessen werden, einem Bärtigen mit Glatze. Das übernimmt sie. Dann sind die beiden bei ihr in der gemieteten Wohnung. Frau und Haptik. Frau und Berührungen. Frau und Haut. Frau und Männerhaare. Bei ihm entwickelt sich die Erotik über das Riechen an ihrem Atem. Im Stehen fasst er sie unten an. Dann liegt sie nackt auf dem Bett. Er ist über sie gebeugt. Fingert sie. Dann streicht er mit dem feuchten Finger über ihre Augendeckel, später über Nase und Mund. Erotik. Jetzt sitzt er angezogen und wie belämmert auf dem Sofa. Sie putzt die Zähne.

Stationen eines Frauenlebens. Zwischen Familie, Beruf und haarigen, bärtigen Männern, die sie in ihrer separat angemieteten Wohnung empfängt. Lust scheint sie nie zu empfinden. Es kommt eher rüber, nun wie was, wie ein Experiment? Wie ein Bedürfnis. Vielleicht versucht sie zu erforschen, ob sie Lust empfindet, bei Männern egal welchen Alters, Hauptsache Seitensprungmänner.

Stationen eines weiblichen Leidensweges. Stationen eines weiblichen Lebens zwischen Beruf, Familie und haarigen Männern.

Max, ihr Mann, arbeitet auf dem Bau. Einmal besucht sie ihn. Dann schaut sie sich den Bau selbständig an. Sie trifft auf einen, der am unfertigen Boden arbeitet, es ist der mit der Blutdruckmessung. Sie schreit hysterisch. Sie schlägt ihn. Sie nähert sich ihm wie zärtlich und langt ihm eine mit einem gezielten Haken.

Part 2. Besprechungen bei der Psychiatrin. Erst mit ihr allein. Dann Paartherapie. Sie versucht zu erklären, warum sie das mit den Männern gemacht habe. Der Raum der Psychiatrin ist grosszügig, ein halbrunder Saal mit sehr hohen, schmalen Fenstern; mittendrin sitzt Frau Hüller der Psychiatrin gegenüber. Wie dann Max auch dabei ist, versucht sie in einem abgehackten Monolog aus ihrer vermutlich gestörten Innenwelt zu berichten, hört dann aber auf. Max und Charlotte sitzen nebeneinander. Dann ist sie allein. Ende Part 2.

Part 3 spielt in Indien, wo Max herkommt. In grosszügigem Haus. Inzwischen sind zwei kleine Kinder dazugekommen zu Benjamin. Einer der Kleinen heisst Simon. Hier führt Charlotte ein eher gelangweiltes häusliches Leben. Sie kauft Stoff. Fängt an zu nähen. Eine andere Frau will das für sie machen. Sie wehrt ab, so habe sie wenigstens was zu tun. Sie macht Ausflüge in die Stadt. Geht oft zu einer leeren Baustelle. Sitzt allein da. Max kommt dahinter. Sein Misstrauen wächst. Das ist gut zu sehen. Oder sie sitzt auf der Veranda unterm Dach bei Regen. Sie fährt mit einem Minigefährt mit Fahrer in die Stadt. Zwei Diener öffnen bei der Rückkehr das Tor. Mit den Kindern sieht man sie kaum. Der Leidensweg in seiner dritten Station. Aber sie geht nicht mehr fremd. Einmal geht Max ihr nach. Er ist sonst mit seinen Bauten beschäftigt. Er sieht, wie sie sich in dem Neubau in eine Ecke setzt. In diesem dritten Teil lässt die Regisseurin die beiden bei einer langen Autofahrt in die Wüste in sehr langen Einstellungen innere Monologe halten, wie in einer Ehe, in der man sich nichts mehr zu sagen hat.

Film als Anlass zu Meditation.

Ein Film als Triptichon, nicht von der Jungfrau Maria aber von Sandra Hüller, oft hüllenlos, als Charlotte. Die einzelnen Teile des Triptichons sind ganz einfach überschriftet als Part 1, Part...

Also ob die Zeit stillsteht. Als ob die Zeit stehen geblieben ist. Gegenwelt zu IT und Atommeilern. Der Film endet in der letzten Phase mit einem Kohlemeiler, den die Dorfmänner mit Holz bauen und dann zum Kokeln bringen. Ländliche Idylle und moderne Wirtschaft. Sehnsucht nach Einfachheit. Vielleicht könnte man von einer philosophisch-cineastischen Spielerei oder Versuchsanordnung sprechen.

Die erste Geschichte ist die vom alten Ziegenhirten. Schon hier wie in allen folgenden Geschichten sind viele Einstellungen, die ruhig beobachtend von einer Position ausgehen, sich aber auch mal drehen können, wie eine Live-Cam. Am häufigsten bei den Szenen am Platz mit dem Ziegenpferch am Eingang zur Ortschaft unterhalb der Häuser, wo sehr früh der Pfarrer ein Kopftuch in alle Himmelsrichtungen segnet.

Der alte Hirt hütet die Ziegen in der wunderbaren Hügellandschaft Apuliens.  Jean-Marie-Straub hätte in diese pastorale Gegend  die Einwohner und Laien hineingestellt und Pavese oder Dante sprechen lassen. Michelangelo Frammartino interessieren zum Beispiel die  Ameisen auf Holzborke, die  im Kino ganz gross werden können. Oder wie der Hirt Weinbergschnecken sammelt. Meditativer Film über einen Zeitstillstand. Der Hirt kehrt zurück ins Dorf.

Am Dorfplatz tut sich was, das berichtet uns die Live-Cam. Es ist früh, die Ziegen sind im Pferch. Ein roter, landwirtschaftlicher Klein-Transporter fährt vor. Diesem entsteigen zwei Männer mit Umhängen wie die alten Römer, sie gehen zum Dorf hinauf. Im roten Transporter wurden auch Säcke gebracht, die dann im Dorf verteilt werden. Es ist Kohle. Die „Römer“ kommen jetzt mit viel Volk wieder vom Dorf  runter, treiben einen Hund vor sich her.  Es ist eine Kreuzigungsprozession, die an der Kamera vorbei zieht in Richtung eines Hügels weit vor der Ortschaft, wo schon zwei Kreuze stehen.

Weiter ist in dieser einzigen Einstellung, die schon Minuten gedauert hat und ohne Zwischenschnitt ausgekommen ist, zu sehen, wie der Hund, der vorher  ins Gebüsch gejagt wurde, nach Vorbeiziehen der Prozession zurückrennt zum Dorfplatz, den Feststellkeil unter dem Rad des Transporters löst. Das ist nur mit präpariertem Trick möglich, dass sich der Transporter augenblicklich aus seiner Position löst und anfängt rückwärts zu rollen und directement auf den Ziegenpferch auf der anderen Strassenseite zu.  Den Aufprall sieht man nicht, da kann also auch was vorbereitet gewesen sein, denn die Kamera schwenkt  zurück zur Kreuzigungsprozession, die inzwischen auf dem Hügel weit hinten angekommen ist,  und gleich dreht sie wieder zurück zum spitzbübischen Hund, der bellt eine Nachläuferin der Prozession an und dann kommt ein anderes Gefährt und inzwischen sind die Ziegen ausgebrochen und der Hund treibt sie aufwärts ins Dorf. Man müsste hier vielleicht von der komplizierten Kunst einer Doku-Inszenierung sprechen.

Der alte Mann liegt inzwischen auf seinem Bett, schnauft tief, die Ziegen strömen in die Wohnung über steile Treppen hoch, eine, zwei stehen auf dem Tisch, und schon wird der Sarg mit dem alten Mann die steile Treppe runtergetragen und die Platzkamera sieht den Trauerzug, der geht an ihr vorbei und schwenkt dann nach links hinten und schon wird der Sarg in die Nische geschoben, ganz oben unter der Decke; die Kamera lässt sich auch einmauern, Deckel zu, dunkel, noch so was wie Herzschlag. Dunkel. Überblendung.  Ein Lärm. Die junge Ziege kommt auf die Welt. Auch das in einer langen Einstellung und dann in Zeitabständen, bis sie stehen und gehen kann.

Nach der Ziegengeburt entspannt sich die Kamera an einem bizarren Wolkengebilde. Angenehm übrigens, dass im ganzen Film nur Originallaute vorkommen. Die Ziegenglöcklein als heftiges Signal, mal die Kirchenglocken. Auch Menschenstimmen, aber meist aussserhalb der Verständlichkeit. .

Die Live-Cam bleibt ellenlang im Ziegenstall bei den kleinen Zieglein, die einzige weiße, die braunen, die schwarzen, die spielen mit dem Besen, Dann kommen die alten Ziegen nach Hause, getrieben jetzt von jüngeren Hütern, aber auch nicht mehr ganz jung. Wie die Ziegen das nächste Mal rausgetrieben werden durch die engen Gassen, diesmal sind die Kleinen dabei, und tun sich noch schwer mit den Stufen, und in einer engen Gasse mit einer hohen Mauer auf einer Seite, da springen einige vorwitzige Ziegen in die Höhe zum Kräuter schleckern. In der Landschaft draussen, Inszenierung mit Ziegen:  die kleine weisse Ziege bleibt in einem Graben hängen, le chevre de M. Seguin kommt einem in den Sinn, bleibt allein zurück, während die Herde enteilt. Viele Szenen mit diesem  einzelnen Zicklein folgen, ein Zicklein-Zyklus.

Es ist Winter. Ein einsamer Baum, eine grosse Tanne, mit den Hügeln im Hintergrund. Schnitt.  Sommer..Ameise auf Holzrindenstück. Tannenzapfen blühen. Stimmen irgendwo. Bienensummen. Motorsäge. Die Tanne kippt. Plötzlich zieht ein Haufen aufgekratzter Menschen den geschälten Holzstamm auf einem Platz am Ortsrand, die Tanne hat noch den Wipfel, drauf sind Pakete gepackt und ein Luftballon. Der Baum wird aufgestellt. Später klettert einer dran hoch. Und schon wird die Tanne schon wieder gekippt. Es gibt keine Leitfigur ausser der Tanne. Die Ziegen sind verschwunden. Wie der Baum wieder zu Boden gezogen wird, stürzten sich alle Leute auf die Äste des Wipfels, holen sich kleine Tannenzweige. Dann wird der Stamm zerlegt. Auf dem roten Gefährt weggefahren, dahin, wo früher schon Räuchlein zu sehen gewesen sind. Jetzt wird der Köhlerhaufen aufgebaut mit vielen kleinen Ästen erst rundum, dann wird eine Art Plane, wie um einen Zirkus oder zur Sichtabdeckuntg einer  Baustelle drum gezogen, Erde und Stroh drauf und das Ganze angezündet. Heimatkundlicher Unterricht.

Dunkle Wolken über den Bergen.

Der Meiler wird abgebaut, es kokelt noch das Holz. Es kommt in grobe offene Jutesäcke. Ladefläche des roten Gefährts wird gefüllt. Ein Mann bringt einen dieser Säcke von der Ladefläche zu einer Haustür.

Ein meditativer Film über die Natur, das Sein, das Werden, abseits der hochtechnologisierten Welt. Man sieht aber auch, wie aufwendig hier die Gewinnung sogenannter alternativer Energie ist. Es ist eine Art Webcam-Kino mit recht raffiniert inszenierten Szenen, die alle ganz natürlich ausschauen. In dem Dorf ist immer was los. Wenns eine Webcam wäre, dann könnte man im Jahr drauf zu einer ähnlichen Zeit wieder reinschauen oder gleich wenn man aus dem Kino nach Hause kommt.

Eine Kamera, die vorgibt in der Art eine Web-Cam, naturwüchsiges Sein zu erwischen.

Also ob die Zeit stillsteht. Als ob die Zeit stehen geblieben ist. Gegenwelt zu IT und Atommeilern. Der Film endet in der letzten Phase mit einem Kohlemeiler, den die Dorfmänner...