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Thrill des Unaufgeregten.

Vielleicht sind es ja nur Sekundenträume eines alten Mannes, Calvin Barr (Sam Elliott), der an einer Bar einen Moment einnickt. Die Traumdeutung bleibt dem Zuschauer überlassen.

Träume bedienen sich bei der Realität, bei der Historie, auch beim Film.

Robert D. Krzykowski, Autor, Regisseur und Produzent des Filmes hat Kameramann Alex Vendler mit der Ausleuchtung und Aufnahme dieser Träume betraut. Das Bild von Calvin an der Bar prägt sich ein. Ein alter Mann allein. Ein alter Mann und seine Träume. Sie drehen sich um Heldentum. Sie nuancieren dieses. Helden seien jene gewesen, die den Krieg gewonnen hätten.

In seinem Traum tötet Barr als junger Mann (Aidan Turner) Adolf Hitler. Träume können kreativ sein. Krzykowski schildert genau die Security-Tests auf dem Weg zu Hitlers Büro. Jedes Detail ist einprägsam, die Dinge, die er bei sich trägt. Die Pistole muss er abgeben. An seinem Handgelenk zieht eine hochmoderne Quarzuhr die Aufmerksamkeit auf sich, deren Zeiger ein Hakenkreuz ist.

Die Handlung läuft unaufgeregt ab. Ab und an ein Heil-Hitler-Gruß. Das Personal ist ruhig. Die Details machen den Thrill. Auf dem Weg zu Hitlers Büro bastelt Calvin Barr bondmäßig aus seinen Utensilien, die er nach der Kontrolle wieder an sich nehmen durfte, ein Schießgerät zusammen; ein Flachmann ist elementar dabei. Auf solche Ideen können nur Träume kommen.

Einzige Aufgeregtheit bei dem Attentat: Barrs Hand zittert. Die Heldentat, die er für keine hält, er habe nur einen Mann getötet, sagt er, hat Folgen Jahrzehnte später.

Jetzt ist er der alte Calvin Barr, sitzt an der Bar oder ist allein zuhause mit seinem Hund, hübsches amerikanisches Einfamilienhaus in Schlaf-Gegend.

Barr erhält nächtlichen Besuch. Die Kamera übernimmt ab und an Spannungsaufbaufunktion und lenkt behutsam das Interesse auf das, was folgt, dorthin, wo etwas folgt. Zwei Geheimdienstler suchen Barr auf. Einer naiv, einer weniger. Er sei der einzige, der die Welt noch vor Bigfoot retten könne, der tödlich wüte. Das wird genau erläutert. Der alte Held im Dschungel, in den Wäldern auf den Spuren eines Ungeheuers. Dieses animiert der Traum nicht zu exklusiv, eher faschingshaft.

Calvin ist jetzt ein Trapper, ein Indiana Jones, ein Jäger. Der Traum wird ein, zwei weitere, absurdere Sprünge machen. Barrs Bruder Ed (Larry Miller) wird noch eine ruhige Rolle spielen. Rückblenden haben auch eine Liebesgeschichte von Calvin als jungem Angestellten in einem Hutladen mit einer jungen Frau namens Maxine (Caltlin FitzGerald) in petto. Das Kino als Land präziser Träume. Präziser als die Realität.

Thrill des Unaufgeregten. Vielleicht sind es ja nur Sekundenträume eines alten Mannes, Calvin Barr (Sam Elliott), der an einer Bar einen Moment einnickt. Die Traumdeutung bleibt dem Zuschauer überlassen. Träume...

Dr. Freud für Fortgeschrittene.

Den Penisneid überwunden. Innert 24 Stunden vollbringt Dr. Venningen (Hans-Heinrich Hardt) in seiner Klinik Genantro („Smooth Gender Transition“) in der Schweiz die gewünschten Geschlechtsänderungen seiner Patienten.

Kim (Martina Schöne-Radunski), eine junge Pilotin, entscheidet sich spontan dafür, sich einen Penis anbringen zu lassen. Womit ein Ur-Differenzierungs- als auch Dikskriminierungsproblem des Menschen leicht gelöst wäre. So werden tiefe Seelen- oder Psychodramen überflüssig. Niemand muss mehr unter einem Organmangel oder unter Oganminderwertigkeit leiden.

So satirisch leicht wie im Film von Philipp Eichholtz, der mit Christian Ehrich, Maxi Rosenheinrich und Martina Schöne-Radunski auch das Drehbuch geschrieben hat, geht es mit der Rückkehr nach Deutschland von Kim weiter. Es entwickeln sich keine abgrundtiefen Dramen. Es darf gegrinst werden. Ist ja ein Uridentitätsproblem wenn der Freund von Kim, Andreas (Christian Ehrich) damit konfrontiert wird, dass Kim plötzlich einen Penis hat.

Auch ein paar Traum-Schock-Sequenzen schmuggeln sich in den Film. Es gibt sogar Bücher über „Shemale Pleasures“ und die Prostatastimulation. Damit muss Andreas sich erst mal abfinden und beschäftigen, denn mit sexuellen Fantasien scheint er nicht gesegnet.

Das Thema weitet sich auf den Freundeskreis aus. Anna (Stella Hilb) ist in der Krise, weil ihr Freund Marlon (Sebastina Fräsdorf) einer anderen ein Kind gemacht hat. So will sie, dass Andreas ihr eines macht.

Wenn Freud überwunden ist, scheint es nur noch um das Haben oder Nicht-Haben von Beziehung zu gehen, eher in der Art, wie Kinder sich um ein Spielzeug streiten. Selbstverständlich setzt es Tränen, Rangeleien, Knüffe. Zu diesem Leben in gelöster Oberflächlichkeit im Sinne einer fröhlichen Wissenschaft mit Flachsereien zum Penis-Thema und leckerer Lasagne passt die Präferenz für monochrome Wandfarben. Davor kommen die Darsteller noch besser zur Geltung, mit denen man alleweil im Film auftrumpfen kann. Es sind muntere Wunderblüten aus dem Berliner Filmdunstkreis, der rege ist in Produktionen wie dieser ohne jeden Subventionsverdacht.

Der Film kann gesehen werden als eine deutsche Antwort auf Mein bestes Stück – Si j’étais un Homme.

„Liebe ist was für Idioten“ wird an einer Stelle gesungen. Das passt zu einer Generation, für die die Liebe nicht mehr ganz neu und nicht mehr ganz groß, aber immer noch ein Thema ist, was sie umtreibt.

Dr. Freud für Fortgeschrittene. Den Penisneid überwunden. Innert 24 Stunden vollbringt Dr. Venningen (Hans-Heinrich Hardt) in seiner Klinik Genantro („Smooth Gender Transition“) in der Schweiz die gewünschten Geschlechtsänderungen seiner Patienten....

Jenseits der Schulmedizin.

Dies ist ein Selbsterfahrungsbericht des Filmemachers Stéphane Haskell, entstanden aus dem Bedürfnis heraus, der Welt mitzuteilen, wie Heilung auch bei aussichtlosser Prognose der Schulmedizin möglich ist.

Ein Botschaftsfilm in leicht verdaulicher Magazinform mit Reisen rund um die Welt ist daraus geworden.

Stéphan Haskell ist 2006 gefangen im Alkohol, seine Frau verlässt ihn, er erleidet einen Zusammenbruch mit folgenschweren Operationen und der Diagnose Querschnittslähmung. Der Schulmedizin fällt nichts mehr ein, keine Aussicht auf Heilung.

Haskell kommt in Kontakt mit einer speziellen Form des Yoga, deren Guru B. K. S. Iyengar ist. Er weiß, dass ihm Jahre der Rehabilitation bevorstehen mit Schmerzen noch und nöcher (die Schmerzen der Entgiftung). Wie er erste Erfolge verspürt, entscheidet er sich, einen Film über seinen Heilungsprozess zu machen, mehr noch, dieser Form des Yoga weltweit nachzuspüren. Es wird eine Reise über mehrere Jahre.

Es gibt Stationen in Deutschland, Frankreich, nach Paris kehrt er immer wieder zurück, USA, Kenia, Israel, Sri Lanka, Indonesien, Bali, Indien.

Dieses Yoga nimmt sich besonders schwieriger Fälle an. Auf St. Quentin der Gefangenen, in Afrika und Sri Lanka traumatisierter Kinder, Ultraorthodoxe in Israel, in Frankreich gibt es Lehrer, die dafür kämpfen, das Fach in der Schule einzuführen.

Es ist immer die Arbeit mit dem Atem, mit dem Körper, mit den verschiedenen Gesundheiten, wie der Guru bemerkt, die erst die gesamte Gesundheit ausmachen.

Es gibt Testimonials über die heilende Wirkung der Methode und Haskell interviewt den Guru in Indien zu seinem 94. Geburtstag. Gegen Ende des Filmes hat sich Haskell deutlich verändert: vom hageren, wie ausgehungert aussehenden Mann ist er zu einem wohlbeleibten Weltreisenden in Sachen Yoga geworden. Er lässt die Heilshungrigen und Heilssuchenden an seinen Erkenntnissen und Erfahrungen teilhaben.

Jenseits der Schulmedizin. Dies ist ein Selbsterfahrungsbericht des Filmemachers Stéphane Haskell, entstanden aus dem Bedürfnis heraus, der Welt mitzuteilen, wie Heilung auch bei aussichtlosser Prognose der Schulmedizin möglich ist. Ein...

Als ob er am Leben, mehr noch: an der Unveränderlichkeit hinge. Als ob selbst die Nostalgie nach der Unveränderlichkeit sich gleich zu bleiben habe. Es müsse doch etwas geben, was festzuhalten sei, selbst das Bröseln der Provinz. Dieser Zustand von Erinnerung an die Vergänglichkeit.

Jim Jarmusch zementiert in diesem seinem Film eine Haltung, die sich gegen jede Entwicklung stellt, somit auch gegen das Altern, vielleicht auch trotzig: gegen sein künstlerisches Altern, naturkonservativ und mehr, das ist lange nicht nur gegen die Ölförderung in Alaska und die Klimakatastrophe (auf die sogar die Zombieinvasion zurückzuführen sei), die ist gerade mal ein mehrfach angeführtes Indiz.

Centreville ist eine merkwürdige Provinzstadt in Neuengland. Einen Jugendknast gibt es, ein „Moonlight-Motel“, in dem drei Hipster-Kids in einem Pontiac aus Cleveland absteigen (die Rollen sind so groß nicht, als dass man sie nicht den Zombies opfern könnte), ein Hund namens „Rumsfeld“, eine altmodische Gas-, eine Polizeistation, ein typisches „Dinner“ für das Bier und die Dorfnews, einen ausgedehnten Friedhof, ein überdimensioniertes Bestattungsinstitut mit der schier außeriridischen Buddhistin und Schwertkämpferin, ganz blond, Tilda Swinton als Zelda Winston, der Vorname ist jener der Frau des Great Gatsby, was immer die Anspielung soll.

Komparseneinwohner gibt es so gut wie nicht. Nur die Figuren, die Jarmusch sorgältigst inszeniert, sie sind alle ruhig und beherrscht. Sie sprechen langsam und dezent wie in einem Kammerspiel und erreichen so eine hohe Glaubwürdigkeit, egal wie abgefahren die Vorgänge sein mögen. Sie wecken Empathie.

Diese Menschen sind Provinzis durch und durch. Sie nehmen alles ernst. Sie sind nicht unsensibel, sie spüren dass etwas in der Luft liegt. Die Haustiere verhalten sich ungewöhnlich.

Die Guides durch das Provinznest sind die beiden Polizisten Chief Cliff und Ronnie (Bill Murray und Adam Driver). Sie werden sich damit auseinandersetzen müssen, dass Zombies aus dem Friedhof gekrochen kommen, entwicklungsresistente Filmzombies. Diese tun sich gütlich an den Lebenden. Das sieht nachher nicht schön aus.

Da es sich bei diesem Film von Jarmusch um ein Statement handelt gegen Demokrit sozusagen, gegen den ewigen Fluss der Dinge, so ist es nicht verwunderlich, dass er nicht so recht weiß, wie er ihn beenden soll, dies ehrlichkeitshalber als nicht fertiges Drehbuch im Film selbst annonciert und dass die Frage, wie er enden soll, offen sei. So verliert sich das Interesse spätestens bei Tilda Swintons Himmelfahrt, aber da hört der Film eh bald auf – irgendwie.

Vielleicht ist aber der Film von Jarmusch sowieso nur eine Art Nostalgiebebilderung zu seinen Lieblingsmusikern oder Ausdruck der Hoffnung auf Unsterblichkeit. So erscheint der Film momentweise liebenswürdig und nett, als ob ein kleiner Junge an seiner Welt festhalten wolle, wie er sie sieht, noch ohne dass er irgendeine Lebenserfahrung gemacht hätte. Es ist eine zutiefst und schön formulierte Sehnsucht nach Ewiggleichem.

Jarmusch scheint hier Opfer der eigenen Sehnsucht geworden zu sein, die nicht vorwärts treiben kann, die sich gegen jegliche Entwicklung und Überraschung vehement sträubt. Die in ihrem Sträuben aber im Kino wiederum eine eigenartige Faszination ausübt. Jarmuschs kinoromantisch-schön formuliertes Votum für Stillstand?

Die moralinische Interpretation, die Zombies seien die Antwort der Natur auf die Frevel der Menschheit an ihr, dürfte kaum verfangen, denn da die Menschen mit Kopfschuss oder Köpfen sich der Zombies leicht entledigen können, nimmt es ihr jegliche Relevanz, zeigt die Menschen als die unbelehrbaren Frevler, das wäre die dystopische Lesart.

Oder: die Provinz ist nur Mit- und Nachläuferin der technischen Entwicklung, sie kann doch nichts dafür?

Als ob er am Leben, mehr noch: an der Unveränderlichkeit hinge. Als ob selbst die Nostalgie nach der Unveränderlichkeit sich gleich zu bleiben habe. Es müsse doch etwas geben, was...

In extra feiner Weise erzähltes Coming-of-Age von Jim Loach nach dem Drehbuch von David Sceare nach dem Roman von Robert Lipsyte.

Sommerlich lichtdurchflutete Bilder und sommerglückliche Musik federn die Härten des Erwachsenwerdens von Bobby Marks (Blake Cooper) ab. Es findet in herrlichst-lauschiger Sommerumgebung zwischen unaufdringlichem Seestrand und Urlaubsdatsche aus Holz statt.

Auch die Besetzung der Figuren zeigt die Intention, die Geschichte außergewöhnlich zu erzählen. Bobby ist ein Junge, der behauptet 17 zu sein, er wirkt mit seiner Körperfülle, dem schwarzen Lockenkopf und den weichen Gesichtsrundungen eher wie 13 oder 14. Aber seine tiefe, geerdete Stimme strahlt eine bereits erworbene Souveränität aus – ein Widerspruch.

Bobbys Eltern Leonore (Judy Greer) und Marty (Luke Wilson), die diskret ihre Krise zu verbergen suchen, und auch seine Schwester Michelle (Liana Liberator) spielen munter und souverän diesen manirierten amerikanischen Acting-Stil, der ihm die Schwere des Realismus nimmt.

Ein weiterer Beweis für das anspruchsvolle Castingvorgehen ist die Besetzung von Dr. Kahn mit Donald Sutherland, der in einem ausladenden Anwesen am See wohnt und Leute sucht, die ihm das Grundstück pflegen. Das führt Bobby zu ihm, der sich von der Familie lösen will.

Sutherland erteilt dem Jungen, der anfangs mit der Pünktlichkeit Probleme hat, eine Lektion, die die Moral des Titels des Stückes offenbart: dass ein Mann besser seinen Weg gehen sollte, statt Zeit und Energie mit Rache zu vergeuden.

Dass Dr. Kahn selbst so handelt, darauf gibt eine bestimmte Tätowierung am Unterarm einen entscheidenden Hinweis; so subtil dürfte dieses Thema noch kaum Eingang in einen Film gefunden haben.

Den Grund zur Rache geben Bobby örtliche Jungs, allen voran Willie (Beau Knapp), die auch gerne bei Dr. Kahn arbeiten möchten und die nicht erbaut sind über die Sommergäste, die die Preise für Wohnungen und Häuser in die Höhe schnellen lassen und schon gar nicht über Bobby, der den Kahn-Job erhält.

Die Mobbingspiele der 67er Jungs, in der Zeit spielt der Film und auch der Vietnamkrieg guckt kurz vorbei, werden verständlich, aber nicht horrormäßig grausam gezeigt.

Es geht nicht darum, im Zuschauer selber Hass zu erzeugen, weil Stärkere einen Schwächeren misshandeln, es geht dem Film um die Moral, auf die der Titel hinweist und die er mittels eindrücklichem Filmerlebnis unverbogen und ohne jedes Moralin transportiert. Der Film gibt Erkenntnishilfe statt dass er belehren will.

In extra feiner Weise erzähltes Coming-of-Age von Jim Loach nach dem Drehbuch von David Sceare nach dem Roman von Robert Lipsyte. Sommerlich lichtdurchflutete Bilder und sommerglückliche Musik federn die Härten...

Mitten im Wahnsinn.

Kaputte Jugend, keine richtige Heimat, zwischen Talahassee und Hong Kong aufgewachsen, Vater ein Lügner, Fremdgänger, Eltern getrennt.

Mit 15 geht die junge Frau Anna Hartley, in den USA noch als Chinesenmädchen verlacht, nach Paris zu ihrem Vater. Lockere Zügel. Sie kann manchen, was sie will, stürzt sich in das Partyleben. Lebenshunger pur.

Mit 16 lernt sie DJ Feadz kennen. Der ermuntert sie, einen Song zu schreiben. Der wird innert einem Monat im Internet zum Welthit. Ein beispiellose Karriere nimmt ihren Lauf. Ihr Privatleben ist ihr Beruf, ist es, der Jugend den Exzess der Jugend vorzuleben, Party, Alkohol, Stimmung, Drogen, Liebe („sie ist kein üblicher Promi, sie rockt es einfach“).

Und sogar ein Kind bringt sie zur Welt. Sie ist atemlos, pausenlos auf Tour. Sie kommt in die Kreise des Modebusiness, gerät in die Fänge von Vampiren, das sind Manager, Organisatoren, die solche Stars aussaugen.

In diesem Film von Robert Cibis und Lilian Franck (Trust Who) werden viele Kokslinien reingezogen. Der Film selbst ist atemlos wie das Leben seiner Protagonistin, die als Künstlerin Uffie heißt. Auf Deutsch hört es sich wie Äffchen an, was nicht von der Hand zu weisen ist, sich für die Leute zum Affen zu machen, ihnen das Vorspielen, wonach sie Hunger haben, was sie für das Leben halten, das macht Uffie und lebt davon. Bis zum Zusammenbruch.

In Berlin will sie zur Ruhe kommen, möchte ein „normales“ Leben führen mit Yoga und Ballett. Sie geht zum Psychiater. Wie es ausgeht ist offen. Inzwischen hat sie ein zweites Kind, lebt mit einem Mann in Los Angeles.

Der Rausch der Archivaufnahmen wird immer wieder unterbrochen von einem Interview. Da ist sie schon mal nachdenklich, denn immer kann das orgiastische Leben nicht so weiter gehen. Sie möchte in Ruhe in L.A. ihre Songs schreiben.

Ein Film auch über die Brutalität des Unterhaltungsgeschäftes, was seine Stars bis aufs letzte auspresst (oft „ritzt“ sie sich; Depressionen), kaum ist der Star in der Klinik, muss abgeklärt werden, wann er wieder auftreten kann, wann die Geldmaschine wieder weiterläuft („ein bisschen eine ekelhafte Industrie“). Die Website zum Film.

Mitten im Wahnsinn. Kaputte Jugend, keine richtige Heimat, zwischen Talahassee und Hong Kong aufgewachsen, Vater ein Lügner, Fremdgänger, Eltern getrennt. Mit 15 geht die junge Frau Anna Hartley, in den...

Das Kino forscht den Träumen nach.

Mit zehn Jahren war der Traum von Britt-Marie (Permilla August), mit ihrer Schwester und den Eltern nach Paris zu fahren.

Ein Verkehrsunfall lässt den Traum platzen. Stattdessen folgen 40 Jahre Hausfrau, eine perfekte Hausfrau, makellos, tadellos, kein Stäubchen auf Kommoden und Schränken, das Besteck ordentlich in den Schubladen, das schildert der Film von Tuva Novotny nach dem Drehbuch von Anders Frithiof August nach dem Roman von Fredrik Backman hingebungsvoll, minutiös, unmissverständlich.

Britt-Marie ist für ihren Gatten Kent (Peter Haber) da. Er für das Geschäft, für den Fußball – und, was ein Herzinfarkt an den Tag bringt – für Camilla. 40 Jahre Hingabe ohne Feedback, ohne Komplimente, ohne Aufmerksamkeit, ohne Anerkennung, ohne Träume. Das prägt, das Gesicht von Britt-Marie hat zu dem Zeitpunkt etwas Maskenhaftes.

So scheint der Ausbruch aus dieser Lebensroutine anfangs klischeehaft (alte, erstarrte Dame begibt sich auf neues Terrain), wirkt vorhersehbar. Sie sucht einen Job. Im entlegenen Borg soll sie das Jugendfreizeitzentrum betreuen und den Jugendfußbalclub trainieren.

Was folgt, ist zum Glück nicht die vorhersehbar billige Erfolgsgeschichte (ahnungslose Trainerin bringt den letzten der Clubs an die Spitze), nein. Was folgt, ist die Konfrontation mit der neuen Aufgabe, ist ein Verehrer und ein desorientierter Gatte, der allein nicht zurechtkommt (den Film interessieren also weniger Pointen und Cliffhanger).

Aber auch: das Besinnen auf die früheren Träume, die Frage nach dem Sinn des Lebens, von Entscheidungen, nach der Identität, nach dem Glück. Tuva Novotny behandelt diese Fragen (oder stellt sie) in behutsam, achtsamer Weise mit einem humanen Kino, was momentweise ephemer, pastellen wirkt und im Zuschauer die Fragen nach der Identität, allenfalls nach deren Variabilität resp. deren Festgefahrenheit virulent werden lässt. Wobei mir die Musik zu sehr auf der Schiene „es macht Spaß“ fährt, wenn ich jetzt den Film vom Ende her betrachte.

Das Kino forscht den Träumen nach. Mit zehn Jahren war der Traum von Britt-Marie (Permilla August), mit ihrer Schwester und den Eltern nach Paris zu fahren. Ein Verkehrsunfall lässt den...

Es ist ja nicht so, dass das Leben von CJ (als Mädchen: Abby Ryder Fortson, als Erwachsene: Kathryn Prescott) ohne Probleme wäre, ganz im Gegenteil, es ist gepflastert davon: Vater abgehauen, Mutter Gloria (Betty Gilpin) alleinerziehend, dauernd hat sie Männergeschichten, liebt den Alkohol, als Sängerin ist sie mäßig erfolgreich, auf dem idyllischen Lande bei ihren Eltern gibt es Knatsch um die Erziehung, sie zieht wieder weg.

Einen kleinen Freund hat CJ bei ihren Großeltern, das ist der Bub Trent (Ian Chen). Auch der Hund Bailey, von Opa nur „Boss-Hund“ genannt, macht CJ das Leben und Leiden erträglich.

Das Hunde-Motiv durchzieht fortan diesen Film von Gail Mancuso nach dem Drehbuch von Bruce Cameron (Bailey -Ein Freund fürs Leben) + 3 bis zur Unerträglichkeit.

Der Hund ist ein Seelenwanderer, immer wieder begegnet CJ Hunden der verschiedensten Rassen, die heißen auch verschieden, aber als Motiv bleiben sie immer Bailey, sie haben seine Erinnerungen; Molly beispielsweise wird zur Früherkennung von Krebs geschult, das beherrscht eine Filmstunde später auch der viel kleinere Max. Die Hunde suchen CJ und finden sie. Sie bringen Beziehungen von ihr durcheinander und führen ihr den richtigen Partner zu, Trent in Groß (Henry Lau).

Es ist ein Lebenskreislauf, ein Lebensreigen, der in unendlicher Süße erzählt wird, meist sind die Menschen glücklich, auch existenzielle Probleme werden weggehundet. Sollte noch irgend eine Gefahr bestehen, dass dem Zuschauer unangenehme Gefühle aufstoßen oder Ängste und andere Inkomfortabilitäten sich melden, so legt Gail Mancuso fette Süßmusik drüber.

Der Gemeinschaftsbegriff, der Begriff der Gruppenidentität oder -zugehörigkeit wird in der deutschen Fassung mit dem „Rudel“-Begriff abgedeckt. Bailey ist der Icherzähler, der die Menschen aus der Hundeperspektive betrachtet.

Der Hund steht hier als das leitende Schicksalsmotiv, das dem Menschen Vertrauen und Sicherheit schenkt. Hündische Treue: auf Hunde ist Verlass, auf Menschen nicht unbedingt. Die Gutmoral: man solle sich auf das Leben einlassen.

Es ist ja nicht so, dass das Leben von CJ (als Mädchen: Abby Ryder Fortson, als Erwachsene: Kathryn Prescott) ohne Probleme wäre, ganz im Gegenteil, es ist gepflastert davon: Vater...

Geschichtskonzentrat (giftig?).

Der Grundauftrag des öffentlich-rechtlichen Rundfunkes ist es, den demokratischen Geist im Lande aufrechtzuerhalten, damit nie wieder Dinge passieren wie die Naziungeheuerlichkeiten. Aber was machen die heute? Sie jammern auf jämmerlichstem Niveau, dass sie nicht genügend Geld hätten und deswegen Abstriche am Programm machen müssten (den demokratischen Grundauftrag scheinen sie ganz vergessen zu haben – das spielt dem Populismus in die Hände). Obendrein lehnen sie es ab, extrem gutes und einmaliges Material gerade in demokratischer Hinsicht und bezüglich der Voraussetzungen zur braunen Geschichte Deutschlands, zu restaurieren oder restaurieren zu lassen, um es über Sendungen und Mediatheken den Bürgern zugänglich zu machen.

Den Zugriff zu so extrem seltenem und aufregenden Material hat Klaus Stanjek (Klänge des Verschweigen). Er selbst hatte als Student mit anderen Geschichtsneugierigen vor 40 Jahren mit einfachsten Videotechniken (der Hammer dabei, dass auf der Tonspur offenbar über die Apparatur, die wie eine Antenne wirkte, andere Stimmen aus dem Äther eingefangen wurden; deshalb heute die hilfreichen Untertitel) Zeitzeugen befragt, die diese wilde, archaisch-sozialistische Umbruchszeit nach dem ersten Weltkrieg in München aktiv erlebt hatten (da konnte es passieren, dass eine bayerische Tageszeitung das kommunistische Manifest auf die erste Seite setzte!).

Dieses Material hat Stanjek jetzt aufbereitet und mit Archivmaterial aus jener Zeit ergänzt. In knappen Kapiteln schildert er die wichtigsten Phasen dieser kurzen und schwer zu durchdringenden Chaos- und Umbruchzeit. Mit seiner klaren Gliederung trägt er mehr zur Erhellung bei, als zehnteilige Zeitungsserien oder die Dauerausstellung im NS-Dokumentationszentrum es vermögen.

Die Ausgangslage ist das Ende des ersten Weltkrieges. Tausende von Soldaten kehren zurück, haben nichts zu tun, sind ihren Lebenssinn los, es herrscht Nahrungsmangel (spiegelt sich in vielen Todesanzeigen: „an Unterernährung gestorben“). Das treibt die Leute in Massen auf die Straße und die Redner auf die Tribünen. Der geistige Input kommt aus Russland, von Lenin. Die erste herausragende Figur ist Kurt Eisner. Nach seiner Ermordung – auch die wird von Augenzeugen geschildert – kommt eine Intellektuellenregierung, die in den wenigen Tagen ihres Existierens revolutionäre Gesellschaftsveränderungen durchsetzt: 8-Stunden-Tag (bisher 12) für Arbeiter, mehr Rechte für die Frauen, Forderung zur Mitbestimmung der Studenten; was die 68-er wieder aufnehmen. Es folgt eine kommunistisch-sozialistische Regierung, die die Rechten auf den Plan ruft, die Weißen Garden, die die Roten Garden – ab hier wird’s blutig – mit Einkesselung und Angriff auf München überwältigen. Hierzu gibt es Augenzeugen(Mittäter)Schilderungen, die manchem Fernsehredakteur den Angstschweiß auf die Stirn getrieben haben dürften.

So ist diese kostbare, geschichtserhellende Rarität von Film vorerst nur am 13. und am 14. Juni jeweils um 20.30 Uhr in München im Werkstattkino (Fraunhoferstr. 9), zu sehen. Hier geht’s zur Website des Films.

Geschichtskonzentrat (giftig?). Der Grundauftrag des öffentlich-rechtlichen Rundfunkes ist es, den demokratischen Geist im Lande aufrechtzuerhalten, damit nie wieder Dinge passieren wie die Naziungeheuerlichkeiten. Aber was machen die heute? Sie jammern...

Special-Effects-Orgie mit wilden Dimensions- und Verpuffungsverschwurbelungen (Figuren, die wie Wasserfarben sich ins Spektrum auflösen und dann woanders wieder auftauchen) von schablonenhaften Menschen, deren bedeutungsvoll betonte Banalsätze in öden Stehpartys Gewicht bekommen sollen („Sie ist fort. Sie ist frei.“).

Der Film fängt 1975 an. Ein besonderes Mädchen wird in das Institut von Professor Charles Xavier (James McAvoy) gebracht. Er verspricht ihr das Beste für sie, das sei ein Ort mit speziellen Menschen wie sie. Es ist der Ort, an dem die X-Men sich rekrutieren.

1992 geht bei einer Space-Shuttle-Mission etwas schief. Das erwachsene besondere Mädchen Jean wird jetzt von Sophie Turner gespielt. Die X-Men sind gefragt für den waghalsigen Einsatz im All. Sie werden mit Kräften einer Sonneneruption konfrontiert, die sie nicht beherrschen können.

Auf Jean hat das eine verheerende Wirkung: sie wird zu Dark Phoenix mit unkalkulierbaren Energien und Fähigkeiten. Sie wird deshalb von einer Gestaltwandlerin (Jessica Castain) gejagt.

Die X-Men, die sind schon eine originelle Crew mit ihren Anleihen an Indigenen-Kulturen. Aber in diesem Film von Simon Kirberg nach dem Drehbuch von John Byrne + 3 nach den Comics von Jack Kirby und Stan Lee haben sie wenig Chancen, diese menschlich eventuell urwüchsige Komponente zum Tragen zu bringen. Hier herrscht die Killerdominanz der Special-Effects der Computer-Animation. Die Geschichte verläppert sich darin. Die statische Inszenierung lässt den Darstellern keinen Gestaltungsraum.

Wer meine kühle, zurückhaltende Reaktion auf diesen Film nachvollziehen möchte, der sollte sich den in zwei Wochen anlaufenden „Brightburn – Son of Darkness“ anschauen, zwar im Horrorgenre angesiedelt, aber mit vielen Parallelen: ein 5-Sterne-Glanz-Menü gegenüber diesem Produkt aus industrieller MassenComicHaltung.

Special-Effects-Orgie mit wilden Dimensions- und Verpuffungsverschwurbelungen (Figuren, die wie Wasserfarben sich ins Spektrum auflösen und dann woanders wieder auftauchen) von schablonenhaften Menschen, deren bedeutungsvoll betonte Banalsätze in öden Stehpartys Gewicht...