Agentinnenthriller

Es ist ja nicht das Schema, was den Agententhriller als solchen spannend macht. Das ist immer dasselbe. Es gibt ein Gerät, eine Waffe, mit der die ganze Welt zerstört werden kann. Hier ist es ein schäbig aussehendes Teil wie ein altmodisches, abgenutztes Smartphone. Damit kann derjenige, der Zugang dazu hat, sich in jedweden geschlossenen elektronischen Kreislauf einhacken und die Herrschaft darüber übernehmen. Das wird hier im Film am Beispiel des gezielten Absturzes eines Verkehrsflugzeuges demonstriert. Veranlasst und beobachtet wird das 150 Kilometer südlich von Bogota.

Dieses technische Macht- und Wundergerät befindet sich anfangs eines Agententhrillers immer in der Hand des Erfinders oder eines misanthropen Bösewichts, der damit die Welt zerstören oder wenigstens erpressen will. Oder es soll gegen viel Geld in die Hand eines anderen Bösewichtes mit genau so wenig lauteren Absichten wechseln.

Hinter so einem gefährlichen Objekt ist der Geheimdienst her, mindestens ein Geheimdienst, hier im Film sind es mehrere, der CIA, der MI6 und der BND, um an das Teil zu kommen im Sinne der Rettung der Menschheit.

Da diese Geheimdienste so erstklassig mit Überwachungssystemen ausgestattet sind, wissen sie meist auch, wo sich das begehrte Teil gerade befindet, in welch gefährlichen Händen. Somit kommen wir zum Unique Selling Point dieses Filmes von Simon Kinberg, der mit Theresa Rebeck und Bek Smith auch das Drehbuch geschrieben hat.

Hier sind es drei Agentinnen, von den erwähnten Geheimdiensten, hinzu kommt eine, die behauptet Psychologin zu sein. Und, um diese Exklusivität zu toppen, sind die Darstellerinnen dieser Agentinnen veritable Stars des Weltkinos, es sind dies Jessica Chastain, Diane Kruger, Penélope Cruz, Lupita Nyong’o und, um den chinesischen Anteil an der Produktion zu bedienen, die am perfektesten geschminkte von allen: Bingbin Fan. Ein seltener Darstellerinnenpower.

Als weiteres I-Tüpfelchen auf diesem I-Tüpfelchen, fungieren diese Weltstars auch noch als Produzentinnen, sie haben also ein Mitspracherecht. Vielleicht sind diesem Umstand einige Sonderheiten des Filmes zu verdanken: dass Agentinnen ab und an aufwändig in Handtaschen wühlen, dass eine im langen, bunt getupften Kleid durch Straßen und U-Bahnschächte von Paris hinter einer anderen Agentin her rennt, dass ein verschmutztes Hemd thematisiert wird, dass die Agentinnen sich über ihr „erstes Mal“ – des Tötens! – unterhalten, dass eine Verwundung aus einer Szene mit Akribie, um dem Postulat der Continuity Genüge zu tun, noch einige Szenen weitergeführt wird und vielleicht ist es auch diesem Umstand zu verdanken, dass Melo-Momente Platz finden in dem Film, dass Agentinnen Gefühle zeigen dürfen, mithin auch Tränen oder dass reflektiert wird, dass eine Furchtbares erlebt habe.

Wie dem auch sein, in China findet der Film zu einem actiongeladenen, rasanten Count-Down und für den zwielichtigen Agenten von Frauenverführer Nick (Sebastian Stan) haben die Weltklassefrauen eine ganz besondere Gemeinheit parat, wie um sich für die im Agentengenre oft eingeschränkten Auftrittsmöglichkeiten schadlos zu halten.

Agentinnenthriller Es ist ja nicht das Schema, was den Agententhriller als solchen spannend macht. Das ist immer dasselbe. Es gibt ein Gerät, eine Waffe, mit der die ganze Welt zerstört...

Sacken lassen

Diesen Film von Valdimar Jóhannsson, der mit Sjòn auch das Drehbuch geschrieben hat, muss man nach dem Schauen vermutlich erst mal sacken lassen. Hier dürfte der Langzeiteindruck der entscheidende sein.

Dass man sich den Film merken kann, dafür sorgen nicht nur die Darsteller Noomi Rapace als Maria, Hilmir Snaer Gudnason als ihr Mann Ingvar und Björn Hlynur Haraldsson als dessen Bruder Peter in den Hauptrollen, dafür sorgt das karge isländische Landschaftbild mit den schroffen Berghängen, die an Ramuz erinnern, dafür sorgt der Topos der Tiermenschen und dafür sorgt nicht zuletzt die Nennung von Bela Tarr im Abspann, bei dem Valdimar Johannsson studiert hat und der auch als executive-Producer des Filmes firmiert.

Im Vergleich zu Bela Tarr ist es jedenfalls ein recht schneller Film. Ein Schaf und noch ein Schaf und noch eines und ein Hund und eine Katze und nicht 20 Minuten lang eine einzige Kuh in einer Einstellung auf einer Weide.

Andererseits ist der Film wieder langsam genug, dass Zeit bleibt, zu überlegen, wie groß wohl der Kleiderschrank oder das Garderobemobil mit den Klamotten für Noomi Rapace gewesen sein muss, das immer irgendwo vor der Kamera versteckt ist; auch bei der Bettwäsche gibt es Varianten wie im Wäschehaus.

Maria und Ingvar führen eine kinderlose Ehe. Ihr Traktor, mit dessen Hilfe sie Kartoffeln pflanzen oder den Boden lockern, macht ab und an sonderbare Geräusche. Diese werden noch sonderbarer ergänzt durch tiefe, nicht näher definierte Geräusche auf der Tonspur, die aus Mythen oder unergründlicher Tiefe kommen könnten.

Wie das Ehepaar das Schaf an Kindes statt angenommen hat, ihm ein Kinderbettchen im Elternschlafzimmer aufgestellt hat, wie sich das Schaf vom Hals abwärts erkennbar zu einem Menschenkind entwickelt, kommt Ingvars Bruder zu Besuch. Er muss mit dem Kinderglück in der Familie seines Bruders zurechtkommen, andererseits wird er die Treue von Maria zu Ingvar auf die Probe stellen.

Jóhannsson stellt mit seinem Film dezidierte Bildbehauptungen auf, verzichtet auf jegliche Erklärung und fordert vom Zuschauer, sich selbst seinen Reim darauf zu machen, seine Schlüsse zu ziehen, seinen Blick auf die Dinge allenfalls in Frage zu stellen.

Dem soll in keiner Weise vorgegriffen werden mittels Verzicht auf Deutungen. Ein kleiner Dialog des nicht allzu gesprächigen Ehepaares geht um das Thema Zeitreise. Das mag der eine oder andere Zuschauer als Interpretationshilfe lesen. Das Kind heißt Ada, wie eine Person auf dem Friedhof. Und wer nicht weiterkommt, der darf ruhig zu einem Whisky greifen. Dann dürfte er bereits etwas begriffen haben.

Sacken lassen Diesen Film von Valdimar Jóhannsson, der mit Sjòn auch das Drehbuch geschrieben hat, muss man nach dem Schauen vermutlich erst mal sacken lassen. Hier dürfte der Langzeiteindruck der...

Die Schauspieler und die Pferde sind die Stars.

Insofern fügt sich der Film nahtlos an den Heimatfilm der 50er Jahre, aber Sharon von Wietersheim, die für Buch, Produktion und Regie steht (Immenhof – Das Abenteuer eines Sommers) lässt ihren Film deshalb noch lange nicht verstaubt aussehen.

Er wirkt auch nicht aus der Zeit gefallen, Themen wie Tierrecht und ob Pferde überhaupt geritten werden sollen, kommen zur Sprache, wenn auch nicht zentral, aber immerhin.

Dann die Aufnahmen von bildhübschen jungen Frauen mit langen Haaren auf Pferden mit fliegenden Mähnen dem Strand entlang oder durch Wiesen- und Waldlandschaft, die sind zu verführerisch und gehören zur DNA des Genres.

Was heißt Starkino? Die Schauspieler werden nicht nur pfleglich behandelt, sie werden auch starlike ausgewählt und oft mit einem Aufheller ins beste Licht gesetzt, es sind richtig schöne, hübsche Menschen und bei den älteren Herren dominiert der fotogene Charakter wie Heiner Lauterbach als der skrupellose Rennstallbesitzer Malinckroth, der Pate im deutschen geförderten Film, oder Torben Liebrecht als der Arzt, dem die Pferde vertrauen (und bestimmt nicht nur sie!).

Die traumhaftesten Schöne-Frau-Aufnahmen hat Leia Holtwick als Lou. Sie ist mit einem Giftanschlag auf ein Pferd befasst und kümmert sich um das bedrohte Rennpferd von Malinckroth. Sie ist Pferdekümmerin und hat mit hübschen Jungdarstellern zu tun, mit dem filmogenen Cal (Max Befort), aber auch mit Leon (Moritz Bäckerling).

Es ist ein Film, der wunderbar ablenkt von der Situation um Pandemie und Inflation, von den vielen Unsicherheiten der Zeit. Es ist eine schöne Welt, eine fast heile Welt, das Böse ist eingezirkelt und zu bewältigen. Scharfblick und Durchtriebenheit einer Göre wie Emma (Ella Päffgen) sind unbezahlbar für das Spiel; für die Komik sorgt ein schlecht erzogenes Pony mit Fantasiehütchen.

Die Schauspieler und die Pferde sind die Stars. Insofern fügt sich der Film nahtlos an den Heimatfilm der 50er Jahre, aber Sharon von Wietersheim, die für Buch, Produktion und Regie...

Die sich ankündigende Pubertät der Kinder wühlt die Eltern auf.

Das sich ankündigende Coming-of-Age der Buben bringt hier im Film der Gebrüder Damiano und Fabio D’Innocenzo die Väter durcheinander, deutlich mehr durcheinander als die Kinder selbst; so durcheinander, dass auch die Erzählung, die eine reife Männerstimme vorträgt, sich selber nicht sicher ist, was wahr ist, was unwahr, was banal und was nicht und wer sie geschrieben hat, ein Mädchen vorgeblich mit grüner Tinte und irgendwann hörte das Tagebuch abrupt auf.

Die Männerstimme behauptet, es sowieso nur an sich genommen zu haben, wegen der unbeschriebenen Seiten, um diese selber zu füllen, vielleicht mit dem, was uns die sinnlich-italienischen Bilder, oft von Zikaden oder Farb-Varianten bis hin zum Geplärre davon auf der Tonspur unterstützt, vor Augen führen, anfangs oft auch mit Kamera- und Bildspielereien. So dass dem Betrachter ganz schwindlig wird in der Unterscheidung, wer ist jetzt hier wer und wer erzählt das gerade.

Es scheint auch, dass die Väter Bruno (Elio Germano) und Amelio (Gabril Motesi) ihre erst ahnungsvollen Buben Dennis (Tommaso di Cola) und Geremia (Justin Korovkin) beinah mit Gewalt zum ersten Sex treiben wollen.

Der Film selber ist wie die Buben auf die entsprechenden Symbole sensibilisiert. Am deutlichsten die Sexbombe. Die ist hochschwanger. Sie kann schon Milch zapfen, gibt einige Tropfen auf einen Keks und offeriert diesen dem Milchbuben Geremia.

Die Buben selber schauen vor allem ausdrucklos, mehr noch Geremia; während Dennis immerhin Musterschüler ist. Geremia bastelt eine Bombe, möchte das ganze Viertel in die Luft jagen. Die Todessehnsucht ist die Umrahmung des Filmes.

Die perfekte Familie sitzt vor dem Fernseher und hört Nachrichten. Eine Schlagzeile berichtet von Eltern, die ihr Neugeborenes in der Badewanne ertränkt und sich dann beide vom Balkon in die Tiefe gestürzt haben. Der Song über dem Abspann handelt von der Notwendigkeit zu sterben.

Ein Kupplungsversuch elterlicherseits nutzt die Masern des Buben, um das Mädchen, das noch nicht die Masern hatte, anstecken zu lassen; ein verquerer Versuch der Zwangsannäherung, um das Coming-of-Age voranzubringen.

Es wirkt, als wollten die Eltern dieses möglichst schnell hinter sich bringen. Ein anderer Versuch besteht darin, dass das mental reifere Mädchen (körperlich noch so gut wie gar nicht), es mit dem Jungen probieren möchte, was furchtbar schief geht.

Gleichzeitig haben die Kinder freien Zugang zum Sex-Chat eines Vater über dessen Handy. Und der ist ziemlich direkt. Wobei auch hier nie ganz klar ist, wieviel die Kinder davon verstehen.

Der Film ist die Aneinanderreihung von Szenen der zwei Protagonistenfamilien eines Sommers, zuhause, im Pool im Garten, auf dem Lande. Er beschränkt sich oft auf Andeutungen, auf das Anskizzieren kleiner Begebenheiten.

Bei allem ungeschickten Eingreifen der Eltern wirkt es doch so, als seien die Kinder allein gelassen, als müssten sie selber aus den banalen Bildern des Alltags das herauslesen, was nicht gezeigt wird, was nicht erzählt wird. Insofern kann der Film auch gelesen werden nach seinem eigenen Motto: die Bilder darauf hin zu befragen, was ‚dahinter‘ ist. Als sei das Coming-of-Age etwas Verhextes. Das ist es vielleicht auch.

Die sich ankündigende Pubertät der Kinder wühlt die Eltern auf. Das sich ankündigende Coming-of-Age der Buben bringt hier im Film der Gebrüder Damiano und Fabio D’Innocenzo die Väter durcheinander, deutlich...

Unwirsche Menschen

leben in der französischen Provinz in Morvan, in Burgund, heißt es an einer Stelle in diesem mit handfestem Charme bezaubernden Film von Julie Manoukian.

Nicht nur unwirsch, schön wäre es schon, wenn die knorrigen Landbewohner wengistens die Vokale aussprechen würden, damit man sie versteht (da macht sich auch die deutsche Untertitelung einen Spaß draus). Die Bitte an den Bauern Morille (Christian Sinniger) kommt von der frisch gebackenen Forscherin Alexandra (Noémie Schmidt), die in der Gegend aufgewachsen ist, aber lange schon weg.

Jetzt ist ihr Ziel die Cornell-Universität in Kalifornien, eine der weltweit besten Forschungszentren auf ihrem Gebiet. Ein Anruf ihres Onkels Michel (Michel Jonasz) holt sie in die Provinz. Völlig unvorbereitet stellt er sie vor das Problem, dass er seinen Job als Tierarzt aufgibt, um in der Südsee sein Rentnerleben zu genießen; eine Schock-Info für alle. Auch für seinen Partner Nico (Clovis Cornillac), der allein mit der Praxis überfordert wäre. Alex muss ins kalte Wasser springen und sofort mitangreifen bei Operationen oder schweren Kälbergeburten.

Das ist ein Geschichtenrezept, was sich bewährt hat, einen Menschen mit einer ungeplanten Situation zu konfrontieren und ihm dabei zuzuschauen, wie er damit umgeht und möglicherweise aus so einer Situation heraus das Beste macht oder gar etwas Positives für sich herausholt.

Hier kommen Tiere dazu, die auf der Leinwand immer viele Besucher erfreuen mögen, es gibt niedliche Hundewelpen und als nette Symbolfigur ein wildes Füchslein, was vom Onkel verwöhnt worden ist.

Es gibt ein Auto, das nicht mehr anspringt und deshalb die Flucht zurück nach Paris verhindert. Es gibt eine Hauptstraße, die selbst zur Hauptverkehrszeit menschenleer ist, dazu schöne Landschaftsaufnahmen aus Burgund.

In der Praxis gibt es noch den schüchternen Assistenten Marco (Matthieu Sampeur). Die Konflikte werden handzahm, schonend und mit Humor erzählt. Die Musik nimmts leicht. Es ist französische Komödienkost in der besten Tradition mit fabelhaften Schauspielern; so kann man einen unfreundlichen Januartag wunderbar im Kino aushalten.

Unwirsche Menschen leben in der französischen Provinz in Morvan, in Burgund, heißt es an einer Stelle in diesem mit handfestem Charme bezaubernden Film von Julie Manoukian. Nicht nur unwirsch, schön...

Für Venedig Aficionados

Texte, Geschichten, Fotos, Bildbände, Filme über Venedig sind Äon und gerne in exzellenter Fotografie und Bildern. Und nicht weniger exquisit sind die Bilder in diesem Film von Andrea Segre, der Super-8-Material seines Vaters Uldrico einbindet.

Was diesen Film heraushebt, was ihn anders macht, das ist auch nicht mal die Fotostrecke vom Lockdown-Venedig, vom leeren Markusplatz, auf dem zwei Möwen heulen, vom Großen Kanal mit nicht einer Bewegung auf dem Wasser.

Was den Film von vielen anderen Venedig-Filmen unterscheidet, ist der vielleicht geistig vertiefende, geistig pointierte Zugriff auf die Seele, das ganz Besondere dieser Stadt. Sie wird hier zum Symbol eines Dialoges zwischen einem Vater und einem Sohn, der nicht oder eben nur höchst indirekt, zum Teil just über die Bilder dieser Stadt, stattfindet.

Der Vater war hier aufgewachsen, landete in Padua wegen des Studiums. Er war Naturwissenschaftler, die Moleküle haben es ihm angetan. Und Albert Camus. Der geistige Ansatz vom Schicksal, von der Gewalt der Natur, von Ereignissen außerhalb unserer Kontrolle und dass der Mensch ihr ausgeliefert ist oder sich ihr eben anpassen muss.

In Venedig sichtbar an den Hochwassern oder auch an einer außerordentlichen Ebbe, die sich auf das vorgelagerte Santerasmo besonders auswirkt.

Diese Gewalt scheint auch zwischen Vater und Sohn zu bestehen als eine Wand des Schweigens. Als Junge hatte der Bub dem Vater einen langen Brief geschrieben, aus dem er immer wieder vorliest. Aber er hat nie eine Antwort erhalten. Auch hierfür stehen die schweigenden Veduten Venedigs in diesem Film.

Die Betrachtungen dieses Filmes zeichnen sich dadurch aus, dass sie weder historisierend noch urbanistisch, schon gar nicht touristisch oder sentimental romantisierend sind, sondern einen nie stattgefundenen Dialog zwischen einem wachen, intelligenten, sensiblen Vater und seinem in nichts nachstehenden Sohn abbilden. Das übt auf das Stadtbild eine enorme Faszination aus, mehr alles alles, was man bisher kennt: die Beschreibung einer großen, existentiellen Leere. vertraute Fremdheit? Lagunen-Beziehung?

Für Venedig Aficionados Texte, Geschichten, Fotos, Bildbände, Filme über Venedig sind Äon und gerne in exzellenter Fotografie und Bildern. Und nicht weniger exquisit sind die Bilder in diesem Film von...

Königliches Drama –
Staatsraison contra Mutterherz

Königin Margarethe I. gilt als die Einigerin der skandinavischen Länder Dänemark, Norwegen und Schweden mit Fortwirkung bis heute.

Der Film von Charlotte Sieling, die mit Jesper Fink und Maya Ilsoe auch das Drehbuch geschrieben hat nach einer Idee von Lars Bredo Rahbek, spielt 1402. Er behauptet, Fiktion zu sein, die inspiriert sei von wahren Begebenheiten.

1402 ist Margarethe, von der großen Schauspielerin Trine Dyrholm als wahre Königin dargestellt, auf dem Höhepunkt ihrer Macht, sie hat die Einigung der skandinavischen Länder hinter sich. Der Frieden hat ihrem Königreich Wohlstand gebracht. An Stelle ihres verstorbenen Sohnes hat sie Erik (Morten Hee Andersen) angenommen und als ihren Nachfolger aufgebaut.

Ein Höhepunkt soll die Vermählung mit einer britischen Prinzessin sein, wodurch Britannien und Skandinavien eine strategische Allianz bilden könnten, die üblichen politischen Heirats-Spielchen.

In die Vorbereitungen dieses Staatsaktes platzt die Nachricht, Sohn Oluf sei noch am Leben und auf dem Weg zu Margarethe. Für sie entsteht somit der hochdramatische Konflikt zwischen echtem Sohn und bereits ausgerufenem König, Mutterherz kontra Staatsraison.

Charlotte Sieling und ihre Autoren verfolgen die Konflikt- und Intrigenlage genau und detailliert. Sie bleiben dicht am Faden der Handlungsentwicklung, integrieren diese in Dialogen in theaterhaften Szenen, oft Standbildern ähnlich.

Durch die hervorragende Drehbucharbeit bleibt der Erhalt der Spannung garantiert. Es ist ein schöner Kostümschinken mit den Aufzügen am Hof und landschaftlich wird das Spätmittelalter mit nicht allzu komplizierten Farb- und Nebelkorrekturen hergestellt.

Der Film stellt klar das labile Gleichgewicht eines solchen Friedens heraus und wie leicht dieses auch zu gefährden ist, wenn ein Stein herausgebrochen wird, wenn zum Beispiel Erik seine Thronambition aufgeben müsste; welche Loyalitäten gefährdet sind durch das Auftauchen des vermeintlich echten Thronerben. Und wie Margarethe hin- und hergerissen ist zwischen Mutterliebe und Machterhalt, der ja dem Erhalt des Friedens dient. Denn von außen winkt immer der böse Feind aus Preußen, dem so ein befriedetes und sich selbst genügendes Gebiet, das sogar eine Armee zusammenstellt zur Selbstverteidigung, ein Dorn im Auge ist.

Königliches Drama – Staatsraison contra Mutterherz Königin Margarethe I. gilt als die Einigerin der skandinavischen Länder Dänemark, Norwegen und Schweden mit Fortwirkung bis heute. Der Film von Charlotte Sieling, die...