Von Ludwig Thoma

ist in diesem Film von David Dietl nach dem Drehbuch von Marcus Pfeiffer und Co-Autor Christian Lex nicht mehr die Rede, also bei den Autoren im Abspann kommt er nicht vor.

Irgendwas wird schon geblieben sein vom berühmten bayerischen Autor. Dieses Irgendwas wurde angereichert mit zeitgeistigen Modernismen; das sind die Dinge, die man beim Verlassen des Kinos schon wieder vergessen hat, oder sich nur mühsam zurückholt.

Ach ja, richtig, Michaela May spielt die typische Klischee-Esoterikerin, die macht was mit Steinen. Sie ist die Mutter von wem jetzt. Entweder vom Protagonisten Wiggerl (Maximilian Brückner) oder von dessen Frau (Barbara Herzsprung, die auch irgend so ein Bayerisch spricht).

Es gibt die Tochter (Momo Beier). Sie ist diejenige mit dem dritten Gesicht, sie kann Wiggerl nach seinem Unfalltod noch sehen. Der hat inzwischen eine Reise in den Operettenhimmel gemacht, hat dort eine Harfenistin getroffen; die Harfe kennt man aus dem berühmten Bild des Loiserls im Himmel, der hier offenbar Wiggerl heißt.

Dieser Wiggerl möchte nochmal zurück zu all den Klischeebildern von München, die der Film bislang schon aufgefahren hat, so dick wie es geht und ohne jede verschmitzte Distanz. Der Wiggerl will noch a bisserl was erledigen. Er möchte seiner Tochter zum Geburtstag den auf dem Viktualienmarkt geklauten Dackel schenken, der im Unfallwagen zurückgeblieben ist. Dann ist da noch ein Taxigefährt, das beim hochoriginell ausgestatteten Passauer Sigi Zimmerschied auf dem Hof abgeladen worden ist. Dort ist unsauberes Geld versteckt. An das möchte der Wiggerl gelangen.

Wiggerl ist eine Zwischengestalt, sichtbar nur für seine Tochter. Die leitet er zur Beschaffung des Geldes an. Auch das passiert ohne jeden cineastischen Witz noch Charme.

Das cineastische Geschick des Filmes besteht darin, dass womöglich, wer spricht, im Bild ist. So wird das weniger Kino, denn eine Aneinanderreihung von Bildern eines inhomogenen Castes, der garantiert nicht vorm Dreh eine Minute sich in einem Kreis aufgestellt und schweigend sich die Hände gegeben hat (als Symbol für Teambuilding genommen), um zu erreichen, dass eins plus eins mehr als zwei werden. Es bleibt beim eins plus eins und dann noch eins und dann noch ein Kabarettist und dann noch einer.

So erschließt sich denn auch nicht der Satz, dass München so schön sei. In Moosach sitzt der Opa (Heiner Lauterbach), der kann seinen toten Sohn sehen. Ein Sündenkompass wird ab und an uninteressiert in der Hand gehalten. Mietschulden kommen vor. Aber das verwundert in München nun wirklich niemanden. Ach ja, und eine Pokerrunde, in der beschissen wird, kommt auch vor. Alles, worauf wir im Kino so dringend gewartet haben.

Von Ludwig Thoma ist in diesem Film von David Dietl nach dem Drehbuch von Marcus Pfeiffer und Co-Autor Christian Lex nicht mehr die Rede, also bei den Autoren im Abspann...

In fernsehgediegenen 87 Minuten versucht Cordula Kablitz-Post gleich mehreres.

Sie wirft flüchtige Blicke zurück auf die Geschichte dieses inzwischen weltbekannten Heavy-Metal-Festivals, irgendwo auf der Kuhweide in Schleswig-Holstein.

Vom Festival selbst gab den stärkeren Eindruck der Film Wacken 3 D. Da blieb man nicht verschont vom Wackenerlebnis.

Die Dokumentaristin will mehr – dadurch geht just dieses Wacken-Feeling verloren. Sie ist die zehn Tage vor dem Festival vor Ort und gibt aus diesem Zeitraum Eindrücke wieder. Aber auch die sind mehr fragmentarisch und nicht in der Art einer genauen Erzählung, was noch gemacht werden müsse, was noch fehlt, wo es organistorisch noch zu tun gibt, wo es wackelt in Wacken.

Dann schneidet die Dokumentaristin Talking Heads dazwischen. Vor allem die beiden Gründer erzählen, wie sie aus dem Nichts heraus diese Idee hatten, von ersten Flops und wie es sich stetig weiterentwickelt habe, auch Musiker kommen zu Wort.

Der Film gibt auch einen Eindruck von der Heavy-Metal-Szene mittels Clips von Auftritten bekannter Bands des Genres. Es dürfte sich um einen Film vor allem für Insider und Fans handeln.

Außen vor bleibt das Organisatorisch-Wirtschaftliche. Einmal wird der Einstieg eines Investors angetippt, das wars dann auch.

Der Film macht einen Ausflug nach L.A., wozu bleibt schleierhaft, weil er ja sonst die beiden Manager auf keiner ihren erwähnten Reisen zu Konzerten begleitet, was Teil der Vorbereitung des Festivals ist.

Hervorgehoben behandelt wird ein Heavy-Metal-Musiker, der inzwischen gestorben ist und dem ein mannshohes Denkmal errichtet worden ist. Und es gibt eine Reminiszenz an 2023, als das Festival im Wassermassen unterzugehen drohte. Demgegenüber hat der Kinozuschauer den Vorteil, trockenen Fußes davonzukommen.

In fernsehgediegenen 87 Minuten versucht Cordula Kablitz-Post gleich mehreres. Sie wirft flüchtige Blicke zurück auf die Geschichte dieses inzwischen weltbekannten Heavy-Metal-Festivals, irgendwo auf der Kuhweide in Schleswig-Holstein. Vom Festival selbst...

Diese entsetzliche Vergänglichkeit,

diese blödsinnige Sterblichkeit, sie sind es, gegen die das Horrorgenre vehement anstrampelt und dabei vor keinen Mitteln zurückschreckt; sie sind es, die, ganz ohne zu belehren, den Menschen seine Verletzlichkeit, seine Endlichkeit lustvoll gruselnd spüren lassen.

Der Schauder ist umso größer, je weiter entfernt sich ein Mensch vom Ende spürt, in der Jugend also. Das dürfte der Grund sein, warum einem kaum Filme über Horror im Alter unterkommen. Meist es es die blühende Jugend, der krass der Spiegel der Vergänglichkeit vorgehalten wird, vielleicht im Sinne, sie solle sich nicht so geben, sie würde selber zeitig drankommen.

Das zeigt der Film von Corin Hardy nach dem Drehbuch von Owen Egerton modellhaft am sportlichen Horse (Stephen Kalyn), geradezu ein Modell blühender Jugend und Männlichkeit. Er spielt am College Basketball. Er ist kurz davor, den Siegestreffer für seine Mannschaft zu lancieren. Etwas irritiert ihn. Er sieht, völlig unrealistisch und für die anderen nicht wahrnehmbar, eine Schauderfigur wie aus glühender Lava geformt auf ihn zugeht.

Horse schafft den Treffer, es ist eine Sekunde vor Abfpiff, die Mannschaft umringt ihn jubelnd. Allein in der Garderobe hat er wieder diese Vision. Sie bereitet ihm Krämpfe. Er hat sich eingeschlossen. Die anderen Sportler fragen von draußen, was los sei.

Der Film springt ein paar Monate in die Zukunft. Chrys (Dafne Keen) ist neu am College. Sie bekommt ein freigewordenes Spind. Drauf steht „Horse“ gekratzt. Nebenbei fällt die Bemerkung, dass dieser gestorben sei.

Im Spind findet Chrys ein Relikt aus schwarzem Holz in einem ebensolchem Gefäß, mit einem maskenhaften Gesicht, aus einer alten Kultur bestimmt.

Lehrer Craven (Nick Frost) entdeckt das Fundstück und reißt es an sich. Gleich googelt er und sieht, dass es einen ziemlichen Wert hat. Aber schon scheint er selbst etwas zu hören. Rel (Sky Yang), der Pausenclown unter den Schülern, sucht nach etwas und findet das ominöse Teil, nimmt den Maskenkopf, etwa faustgroß, an sich.

Somit, das kann sich der genregeübte Zuschauer selbst zusammenklamüsern, ist das Ungeheuerliche auch bei den Schülern angekommen, alle im blühendsten Aufwachsalter. Den Lehrer erwischt es umgehend.

Die Filmemacher gehen souverän um mit dem Genre, kennen die gängigen Motive, Beleuchtungen, Kamerapositionen. Sie haben einen wunderschönen Cast zusammengestellt, bei dem Hinscheiden besonders weht tut.

Es werden auch Beziehungsgeschichten angedeutet. Vor allem möchte Chrys gerne wissen, ob Grace (Ali Skovbye) auf Frauen stehe. Aber, so ein dünner Geschichtsfaden dient eh nur als Vorwand, um die Genremaschinerie auf Hochtouren zu bringen und das Publikum an seinem – letztlich ist es die Todesangst – Angstnerv zu reizen.

Der Titel wird in der allerersten Sequenz bereits endgültig strapaziert: ein Schiedsrichter in Clouse-Up pfeift einen Ton, der eher mit einer Lawinenexplosion als mit Pfeifen zu tun hat. Da pfeifen die letzten Spatzen vom Dach, worum es gleich gehen wird.

Zur Schilderung der Provinzumstände, die offenbar ein besonders geeigneter Nährboden für das Horrorgenre sind, wird noch Pfarrer Noah Hagbgerty (Perc Hynes White) eingeführt, eine ganz und gar ungute Figur, der die Jugend mit Drogen versorgt. Man könnte solche Filme vielleicht sogar selber als einen Akt des Voodoo gegen die Vergänglichkeit lesen.

Diese entsetzliche Vergänglichkeit, diese blödsinnige Sterblichkeit, sie sind es, gegen die das Horrorgenre vehement anstrampelt und dabei vor keinen Mitteln zurückschreckt; sie sind es, die, ganz ohne zu belehren, den...

Actor act!,

das ist der schelmische Einwurf von der Seitenlinie auf dieses Machtspielepos mit allen Zutaten großer Klassik, großen Dramas, staatstheaterlicher Diktion und Schauspielerei in der modernen Erscheinungsform des Videospieles.

Der Schauspieler, der spielen soll, ist der Actionfilm- und Hollywoodstar Johnny Cage (Karl Urban). Er hat seine beste Zeit hinter sich. Auf einer Game-Messe hockt er mutterseelenallein hinter seinem Stand mit den Videos und Merchandising-Angeboten, kein Schwein, kein Kunde interessiert sich für ihn.

Wie Cage sich aus der Tiefgarage der Messe von dannen machen möchte, tauchen zwei Gestalten auf, die ihn in ein ganz großes Game hineinziehen wollen, dessen Detailorganisation sich mir nicht so genau erschließt. Wie er kapiert, dass es ein ernstes Spiel um Leben und Tod ist, wehrt er sich, er sei ja nur ein Schauspieler, er spiele das nur, worauf er im Film von Simon McQuoid regelmäßig zur Antwort bekommt, er, der Actor, solle spielen.

Dieses Spiel ist von archaischer Tragik. Ein kleines Mädchen bekommt mit, wie sein Vater bei einem Kampf gegen einen viel stärkeren Gegner getötet wird. Der Mörder ist nun ihr Vater. Damit sind hochdramatische, spätere Rache- und Vergeltungsaktionen angelegt.

Im großen Spiel geht es wie meist um Macht und um ein Amulett. Ein solches wurde dem kleinen Kind nach der Ermordung des Vaters ungehängt. Es würde sie beschützen, selbst wenn sie es verlöre, es komme darauf an, dass sie es im Kopf und im Herzen habe.

Der Film ist das Produkt einer hochentwickelten Kinomaschinerie, die den Umgang mit Effekten perfektioniert hat. Figuren lösen sich auf, landen in einem anderen Universum, in einem anderen Game. Es sind Maskeraden- und Kostümwelten, Stehparties und Personenarrangement wie in der großen Oper. Und die Szenen mit Text erinnern an Comics, als ob die Texte in den Luftblasen der statisch entworfenen Darsteller stünden. So geht nichts verloren. So entstehen keine unnötigen Trübungen des beinah mechanistischen Ablaufes der Herausforderungen, Überlebensstrategien und den Hinweisen, wie es weiterzugehen hat, der Vorbereitung neuer Kampfhandlungen, immer mit dem hehren Ziel der Freiheit.

Actor act!, das ist der schelmische Einwurf von der Seitenlinie auf dieses Machtspielepos mit allen Zutaten großer Klassik, großen Dramas, staatstheaterlicher Diktion und Schauspielerei in der modernen Erscheinungsform des Videospieles....

Kinderschutz

ist ein schwieriges, ein delikates, ein sensibles Thema. Es geht um Menschen, die in der Phase der Prägung sind; es geht um mögliche Schäden in den Biographien der Kinder. Gesetze, Behörden versuchen das zu regeln. Ein oft höchst problematisches Unterfangen.

Constance Dedré hat über so einen Fall ein Buch geschrieben. Anna Cazenave Cambet hat es verfilmt in der Art, dass es scheint, als handle es sich um eine anekdotisch-autobiographische Geschichte. Sie ist aus der Sicht einer Frau geschrieben, die sowohl Mutter eines Kindes als auch Autorin ist, die die freie Autorenschaft dem erlernten Beruf der Anwältin vorzieht.

Clémence Delcourt (Vicky Krieps) hat 20 Jahre Ehe mit Laurent Lévêque (Antoine Reinartz) hinter sich. Der gemeinsame Sohn Paul (Viggo Ferreira-Redier) ist 8 Jahre alt. Die Ehe hat sich auseinander gelebt; auf eine Scheidung haben die beiden verzichtet. Sie haben ein Arrangement über die Fürsorgepflicht für den Sohn getroffen.

Eines Tages erzählt Clémence Laurent, dass sie ihr sexuelles Interesse den Frauen zugewendet hat. Sie betreibt die Dates lustig und munter, was dazu führt, dass Vicky Krieps eine lebenslustigere Rolle spielen darf als auch schon. Sie genießt ihr Leben.

Bei Laurent kommt das weniger gut an. Er kann damit überhaupt nicht umgehen. Er wiegelt den Sohn gegen die Mutter auf. Der lässt das mit sich machen, ist noch form- und beeinflussbar. Der Mutter bleibt nichts anderes übrig, als den behördlichen Weg zu beschreiten mit all seiner Langwierigkeit und seinen Komplikationen, die der Film ausführlich schildert.

Schutz durch Gesetze ist eben nicht nur Schutz, ist daraus abzulesen. Durch die Zähigkeit und Dauer der Verfahren kann die Entfremdung zwischen Mutter und Kind wachsen. Die Wiederannäherung in Anwesenheit von Fachleuten ist auch nicht leicht. Und wenn der Vater sich nicht an Vereinbarungen und richterliche Beschlüsse hält, so nützen diese erst mal wenig.

Der Film schildert einen möglichen Härtefall, den Kollateralschaden eines Gesetzes, was prinzipiell gut gemeint und im Interesse des Kindswohles gedacht ist. Es würde einen interessieren, was im Vater vor sich geht, was im Kinde. Aber der Film ist aus der Sicht der Mutter geschrieben, die das auch als Autorin zu bewältigen versucht.

Kinderschutz ist ein schwieriges, ein delikates, ein sensibles Thema. Es geht um Menschen, die in der Phase der Prägung sind; es geht um mögliche Schäden in den Biographien der Kinder....

Wenn Seele nicht will –

ein Sportfilm, ein Coming-of-Age-Film

In Sportfilmen ist dramaturgisch als Spannungselement gerne eine Meisterschaft, ein entscheidendes Spiel, ein entscheidender Kampf gesetzt.

Der Film von Valery Carnoy, die mit Jacques Akchoti auch das Drehbuch geschrieben hat, spielt in einem Sportinternat. Camille (Samuel Kircher) ist der beste in der Boxergruppe. Er hat Talent, keine Vorbilder, er sucht die beste Position zum Angreifen, wie er in einem Interview sagt. Er ist eine Naturbegabung. Sein dickster Freund im Internat ist Matteo (Faycal Anaflous). Der ist nicht so talentiert, hat dafür Disziplinarprobleme.

Die beiden Kumpels lieben es, im ans Internat angrenzenen Wald Fleischstücke an Äste von Bäumen zu hängen, um anschließend Füchse zu beobachten, wie sie hochspringen, um sie zu erhaschen. Eine ganz besondere Seelenfreundschaft ist das.

Im Verhältnis zum anderen Geschlecht, was für die Jungs eine Rolle spielt, ist Camille Yas (Anna Heckel) aufgefallen. Die macht Taekwondo und spielt Trompete, sie hat eine ganz tiefe Stimme.

Bei einem Fuchsbeobachtungsausflug fällt Camille zehn Meter in die Tiefe. Er hat Glück, lediglich sein rechter Arm trägt eine Verwundung davon, die mit 50 oder 52 Stichen genäht wird und ungewöhnlich schnell heilt.

Aber etwas ist anders mit ihm von dem Moment an. Er hat Schmerzen, bleibt bei Kämpfen am Seil, er scheint Angst zu haben. Der Unfall muss etwas in seiner Seele durcheinander gebracht haben. Einmal spricht er von einem Trauma. Er funktioniert nicht mehr so, wie Trainer, Schule und die Mitschüler es gerne hätten.

Der Film beobachtet sensibel diese Krisen und die Reaktion der Umgebung darauf. Es kommt zu heftigen, auch physischen Auseinandersetzungen, zu Verwerfungen, ja bis hin zum Schulverweis.

In Camille setzt sich der Kämpfer durch. Den Schauspieler Samuel Kircher haben wir noch in bester Erinnerung aus Im letzten Sommer, auch als einen durchgeschüttelten Heranwachsenden.

Wenn Seele nicht will – ein Sportfilm, ein Coming-of-Age-Film In Sportfilmen ist dramaturgisch als Spannungselement gerne eine Meisterschaft, ein entscheidendes Spiel, ein entscheidender Kampf gesetzt. Der Film von Valery Carnoy,...

50 Jahre Band

Der Film von Malcolm Venville nach dem Drehbuch von David Teague erzählt auch für den Laien und den Nicht-Fan prima nachvollziehbar und spannend die Geschichte der Metal-Band Iron Maiden.

Als Talking Heads von heute werden überwiegend Fans eingesetzt. Das wirft ein spezielles und apartes Licht auf diese fünf Dekaden. Prominentester Fan, und das könnte man direkt als einen Unique Selling Point sehen, ist Javier Bardem, der spanische Weltstar-Schauspieler, der die Band verehrt.

Die Band gibt ihrem Publikum zu verstehen, dass es besonders ist, dass es eine Gemeinschaft aus Menschen ist, die eine bessere Welt wollen, in der es egal ist, wo einer herkommt, welche Hautfarbe und Religion er hat, welche Sprache er spricht.

Die Band unterscheidet sich von anderen, indem sie nicht die Liebe thematisiert, sondern ernste Themen wie die Sterblichkeit, den Tod. Sein Cover-Maskottchen, das Skelett Eddie, hat sich während der Jahrzehnte immer wieder verändert, entwickelt, angepasst, es ist auch während der Konzerte auf der Bühne zu sehen als Projektion, gar als überlebensgroße Realfigur.

Sie haben als Underdogs angefangen, sie hatten keine Vorbilder, sie machten kompromisslos ihre Musik, die Dinge ausdrückt, die sie beschäftigen.

Die Band hat sich auch immer wieder verändert. Der größte Einschnitt war der Ausstieg von Sänger Bruce. Der hat eine Pause von dem anstrengenden Tourleben gebraucht, das wie ein nonstop-rollercoaster beschrieben wird. Damit war ein Höhepunkt des Erfolgs erreicht.

Mit dem Ersatzsänger wurde der Erfolg weniger, die Auftrittsorte kleiner. Die Rückkehr von Bruce einige Jahre später wirkt sich aus wie die zweite Zündstufe einer Rakete. Der Welterfolg wird noch gigantischer.

Der Film, der hauptsächlich aus einer exzellenten Auswahl an Archivausschnitten besteht, konzentriert sich auf das Konzert- und Musikleben. Private Einblicke gibt es nicht. Drogen und Alkohol kommen nicht vor, Exzesse auch nicht. Aber man sieht auch, wie die Männer deutlich altern im Laufe der Zeit.

Ein überraschendes Apercu liefert Bruce, der den Pilotenschein macht und der selbst das Band-Flugzeug von ansehnlicher Linienflugzeuggröße steuert. Im Alter ist die Band vor Zipperlein nicht gefeit. Der Drummer erleidet einen Schlaganfall und muss ersetzt werden. But the show must go on.

50 Jahre Band Der Film von Malcolm Venville nach dem Drehbuch von David Teague erzählt auch für den Laien und den Nicht-Fan prima nachvollziehbar und spannend die Geschichte der Metal-Band...