Japanisch post-chaplineskes Roadmovie ‚Tramp mit Kid auf der Suche nach dessen Mutter‘. Die findet er nicht. Das darf verraten werden.

Aber was finden die beiden einsamen Seelen, was verbindet sie, was suchen sie wirklich, was praktizieren sie?

Masao ist der Schulbub, der in Tokio bei seiner Großmutter lebt. Sympathiegewinnend inszeniert Takeshi Kitano, der Autor, Regisseur und die Hauptfigur Kikujiro, den Jungen wie er zur Schule eilt, immr leicht beschwingt, leicht rennend über eine geschwungene Brücke, mal mit einem Rucksack mit Engelsflügeln dran, mal mit einer Tüte mit einem Smiley drauf.

Masao hat einen Schulfreund. Aber es sind Schulferien. Der Vater ist lange gestorben. Die Mutter ist weit weg und nicht greifbar. Die Oma arbeitet bei einem Imbiss. Der Junge geht allein auf den Sportplatz. Der Trainer macht ihn darauf aufmerksam, dass Schulferien sind. Knabe allein, anrührendes Bild. Vielleicht sieht Kitano in dem Jugen sich selbst.

Zuhause bei Oma muss Masao ein Paket entgegennehmen. Auf der Suche nach dem Quittungsstempel der Oma entdeckt er Fotoalben, Bilder von seiner Mutter. Der Entschluss reift: sich loszumachen, die Mutter zu suchen. Ausreißergeschichte.

Schnell läuft er dem Ehepaar Kikujiro über den Weg. Seine Frau (Kayoko Kishimoto) mit der hübschen Katze vorne auf ihrem Kleid checkt die Lage des Jungen, schickt ihren Mann mit ihm auf die Reise zu dessen Mutter. Sie gibt ihrem Mann auch genügend Geld mit und informiert die Oma, die nichts dagegen einzuwenden hat.

Takeshi spielt Kikujiro so, dass sofort klar ist, dass das keine Reise ohne Komplikationen sein wird. Auch er wird seine Mutter im Heim besuchen. Aber er ist ein Spieler. Weit kommen die beiden Tramps nicht. Kikujiro bleibt an der Rennbahn am Wettschalter hängen. Das Geld bleibt auf der Strecke.

So sind denn die Voraussetzungen gegeben für eine existentielle Trampreise kreuz und quer durch die japanische Landschaft, die Bereiche Poesie, Hoffnung, Einsamkeit, Sehnsucht, Kunst und Ungerechtigkeit, erlitten wie selbst praktiziert und die Frage, was will ein Mann in seinem Leben.

Kateshi tanzt stilsicher auf dem dünnen Grat zwischen Poesie und nackter Gewalt, die hier allerdings nie so richtig oder brutal ausbricht. In der schlimmsten Situation machen ihn ein paar Kerle fertig. Mit blauem Auge erzählt er dem Kid, dass er die Treppe runtergefallen sei.

Der Film wird erzählt aus der Sicht des Buben, der wie eine Art Fototagebuch führt. So werden einzelne Kapitel überschriftet: ein signifikantes Foto der folgenden Szene und der Bub spricht den japanischen Text dazu, der nicht auf deutsch untertitelt ist (dies ist in manchen Szenen ein Manko, wo japanische Schriftzeichen nicht akustisch übersetzt werden, wie beim Heim, in dem die Mutter von Kikujiro sich befindet).

„Der böse Mann“, das ist der Mann, der Masao in einem unbemerkten Augenblick in ein Klo entführt und von ihm verlangt, dass er die Hose runterziehe.

Sie steigen in einem Luxushotel ab. Der Concierge behauptet, es sei ausgebucht, zu sehen ist allerdings kein Gast. Kikujiro übt Schwimmbewegungen im Bett. Die beiden Tramps lassen das Hotel auf der Rechnung sitzen. Sie sind unempfindlich der Ungerechtigkeit gegenüber, die sie praktizieren.

Masao hat Alpträume. Kitano bebildert diese mit opernhaft schönen Bildern. Die Kunst spielt immer wieder eine Rolle, Tanz, Jonglieren, Singen, Schreiben, Steptanz, Indianertanz, Ufo-Marsmensch.

Motorradrocker kommen vor. Auch hier bricht die tendenziell in der Luft liegende physischen Auseinandersetzung nicht aus. Hier endet sie in Camping-Minne, hier wollen die Männer nur noch spielen. Strand, Dünen, Wasser, spielende Männer. Auf den Melonenhelm des im Sand eingegrabenen Rockers hauen oder Kleiderrobben. Lakonie japonnaise.

Einmal spielt Kikujiro den Blinden, um als Anhalter von einem Auto mitgenommen zu werden.

Die Ausstattung findet immer wieder Blumenmotive in der Dekoration oder steckt den beiden Tramps ein großes, grüned Blatt über den Kopf als Sonnenschutz oder dem Kid eine Sonnenblume in den Rucksack wie eine Fahne und blumenmustrige Hawaihemden sowieso.

Die Musik reagiert sensibel auf die Gehalte, die klimpert mal diese hellen Pianotöne, kann aber auch mit den Streichern in die Region des Requiems abdriften oder parallel weich-sanft sein oder auf dem Rummelplatz folkloristisch-traditionell japanisch werden.

Der Grat zwischen Poesie und Brutalität, zwischen Banalität und Kunst. Nägel auf die Straße, um mitgenommen zu werden. Kunst: der Mann, der die mechanische Puppe spielt.

Die einsame Bushaltestelle, an der kein Bus hält, aber ein merkwürdiger Bankier. Kikujiro vertauscht den Snacktüteninhalt. Sonnenblumensomnambul? Das Engelsglöckchen von den Rockern. Statt Kampf müssen sie ihm die Fische machen oder den Tintenfisch.
Am Seil am Baum schwingen mit Sumpflandung.

Zu bemängeln sind an der DVD: keine Übersetzung der Credits im Abspann und
die deutsche Synchro ist leider zu billig, keineswegs takeshikongenial; sie nimmt dem Film von seinem Charme.

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Öl bringt Reichtum, Öl bringt Krieg.

Opulenz, orientalische Pracht, breite, epische Kinoleinwand für große RomCom, Augenweidenkino: Kutschen, Oldtimer, Pferde, Dampflokzüge, hübsche Protagonisten, feudale Palastinterieurs, Pfau im Garten und prachtvolle Kostüme, einfache Landbehausungen, Steppe, Meer und Glück in den Bergen Aserbaidschans, aber auch Kriegsszenen und Ölförderfelder, voluminöses Orchester und Ausstattung wie in der Oper, das sind die Zutaten, mit denen Asif Kapadia (Amy, Senna) nach dem schlanken, linearen Drehbuch von Christopher Hampton (Eine dunkle Begierde, Chéri – Eine Komödie der Eitelkeiten) nach dem Buch von Kurban Said die Liebesgeschichte von Ali Khan Shirvanshir (Adam Bakri) aus Baku (hier kommt das Öl her) und Nino Kiplani (Maria Valverede) mit Sommerresidenz in Tiflis erzählt.

Ali stammt aus einer generationenlangen Herrscherfamilie Aserbeidschans, er ist ein Prinz und Muslim. Nino ist orthodox und stammt aus der reichen Geschäftsfamilie Kiplani. Die Heirat der beiden ist von Seiten der Familie Kiplani unerwünscht und nicht opportun.

Der Film spielt zur Zeit des ersten Weltkrieges. Aserbeidschan träumt von der Unabhängigkeit von Russland; das Land soll aber auch in den Krieg ziehen. Ali sieht nicht ein, in einen Krieg von Christen gegen Christen zu ziehen. Er steht da im Gegensatz zu den meisten jungen Männern seiner Generation allein. Er muss in die Berge fliehen.

Nino sollte nach Moskau geschickt werden. Dem entzieht sie sich, indem sie ebenfalls zu Ali flieht. Dort in den Bergen lassen sie sich trauen. Friedvolles, einfaches, karges Landleben. Bilder mit Schafen, er als Hirte.

Wie der Krieg zu Ende ist und Baku gesäubert, wird Aserbeidschan zur unabhängigen, demokratischen Republik erklärt. Aber die Stimmen sollen recht behalten, die behaupten, solange es das Öl gibt, besteht das Interesse der Bolschewiken daran – und sie wollen nichts zahlen dafür.

Das erinnert an den vorerst letzten Akt russischen Imperialismus‘, die Inbesitznahme der Krim. So wird es auch hier kommen. Die Bolschewiken rücken vor. Nino, die ihr Kind in Persien zur Welt gebracht hat, soll jetzt nach Tiflis zu ihrer Familie fliehen, bis der Befreiungskampf zu einem glücklichen Ende gekommen ist.

Die Geschichte wird erzählt wie ein Märchen aus 1001 Nacht, aber mit bitterem historischem Hintergrund und letztlich auch mit bitteren, persönlichen Konsequenzen. Dabei zeigt der Film die Schönheiten Aserbeidschans (allerdings ist in der Türkei gedreht worden) und: Haschisch gegen Schmerzen war hier schon bekannt.

Öl bringt Reichtum, Öl bringt Krieg. Opulenz, orientalische Pracht, breite, epische Kinoleinwand für große RomCom, Augenweidenkino: Kutschen, Oldtimer, Pferde, Dampflokzüge, hübsche Protagonisten, feudale Palastinterieurs, Pfau im Garten und prachtvolle Kostüme,...

Nicht nur überleben: AUFBLÜHEN!

Deine Nahrung soll Deine Medizin sein. (Hippokrates)

Ausgehend von einer wahren Diabetes-Epidemie und von der ganz subjektiven Problematik in der eigenen Familie, in der Vorfahren schon früh Herzoperationen brauchten, hält sich Protagonist Kip Andersen, der mit Keegan Kuhn auch für Regie und Drehbuch steht, selbst für genetisch gefährdet, glaubt, ebenfalls für solche Krankheiten anfällig zu sein.

Er macht sich auf die Suche, fängt an zu recherchieren. Als erstes bei Vereinigungen, die vor Krebs, Diabetes, Herzerkankungen warnen und helfen wollen.

Bald schon stößt er auf Leute, die ungern Interviews geben, stößt darauf, dass die eine Ernährung empfehlen, die just diese Krankheiten auslöst: verarbeitetes Fleisch, Eier, Milch.

Andersen weitet seine Recherche aus auf Wissenschaftler aller Couleur, Publizisten, Vertreter von Organisationen gegen diese Krankheiten. Das Muster ist bekannt: es wimmelt überall von Studien, die einen sagen dies, die anderen das. Er trifft auf Menschen, die für den Rest des Lebens Medikamente nehmen müssen wegen Asthma, Blutdruck, Diabetes, Cholesterin. Er trifft auf Verfechter veganer Ernährung und dass es schon vor Jahrzehnten Ärzte gab, die zwischen Gesundheit und Ernährung eine Relation gesehen haben. Er wundert sich, dass auch heute noch Ärztevereinigungen sich weigern, auch nur Schulungen oder Referate anzubieten, die darauf hinweisen.

Er entdeckt, das kennt man alles schon aus Dokumentationen über die Tabakindustrie, über den Zucker, über die Impfindustrie, wie diese Industrien, Pharmazie als auch industrielle Tierhaltung endlos Gelder in Studien und Lobby pumpen, wie sie selbst Krebsligen und dergleichen massiv unterstüzten, damit die eine Ernährung empfehlen, die statt Krebs, Diabetes, Herzkrankheiten zu heilen, diese befördert.

Es schält sich immer mehr heraus, wie schädlich die tierische Ernährung nicht nur für den Menschen und seinen Organismus direkt ist, sondern auch welche Schäden diese Industrie sowohl bei ihrer direkten Umwelt (Beispiele aus North Carolina) verursachen, wie Pestizide überall eindringen. Wie selbst Fisch von Rückständen aus dieser Nahrungsmittelproduktion nicht verschont wird, Quecksilberansammlungen, aber auch die Rückstände von Antibiotica (die Pharmaindustrie verkaufe mehr davon an die Massentierhaltung als an die Menschen).

Beispiele, die überzeugen: Menschen, die vor lauter Medikamenten kaum mehr sich bewegen können, und die schon nach wenigen Tagen der Umstellung auf vegane Ernährung auf die Medikamente verzichten ebenso auf den Rollator oder den Rollstuhl, die freier atmen.

Als Negativbeispiele Horrorbilder aus der Massentierhaltung und Massenschlachtung und dass die Produktionstaktung ständig erhöht wird, dabei die Infektionsgefahren steigen; sticht einer in ein eben getötetes Schwein: ein Riesenstrahl Eiter schießt heraus.

Eine happige Lektion in Ernährung. Das sind Filme, die gehören in jeden Haushalt, zwengs Ernährungshygiene, um sich immer wieder den Zusammenhang zwischen Ernährung und Gesundheit bewusst zu machen.

Verwunderung darüber, wie wenig die Ärzte über den Zusammenhang zwischen Ernährung und Gesundheit wissen.

Wenn falsche Ernährung von Generation zu Generation weitergegeben ist, sind die Krankheiten deswegen nicht genetisch bedingt.

Wenn Sie dem Rat Ihres Arzte folgen, bleiben Sie immer krank.

Nicht nur überleben: AUFBLÜHEN! Deine Nahrung soll Deine Medizin sein. (Hippokrates) Ausgehend von einer wahren Diabetes-Epidemie und von der ganz subjektiven Problematik in der eigenen Familie, in der Vorfahren schon...

Grusel vom Feinsten.

Und so nah am Alltag.

Der Halleysche Komet spielt eine Rolle in diesem Film von Sebastian Hofmann, der mit Julio Chavemontes auch das Buch geschrieben hat. Wobei der Komet eher der Illustration einer kosmologischen Begründung des Menschenbildes gelten dürfte, das den Menschen in existenzieller Verlorenheit einordnet. Darauf wird in der ausgiebigen Schlusssequenz des Filmes nochmals wortlos referiert.

Die Haupterwägung gilt allerdings der Frage, wo denn der Unterschied zwischen Mensch und Zombie liege, auf welch dünnem Grat der Alltagsbewältigung sich das entscheidet.

Das Auge der Kamera von Matias Penachino denkt mit. Es versucht, sich in diesem Zwischenbereich festzuhalten an geometrischen Strukturen wenn immer möglich, wobei diese schnell und gerne verschwimmen in einer Überbelichtung.

Die Figur, die so eine Verwandlung durchmacht, ist Alberto (Alberto Trujillo). Er ist Wachperson in einem Fitnessstudio. Er ist mit sich beschäftigt, ein ruhiger, aber durchaus beobachtender Mensch.

Das Insektenmotiv lässt andeuten (Insekten in einem Glas gefangen, das nicht gleich als solches erkennbar ist), dass er möglicherweise eine Verwandlung durchmachen wird wie der Gregor Samsa.

Aber Sebastian Hofmann bleibt näher am Leben, am Alltagsleben. So wird das gruseliger. Nach und nach offenbart sich Alberto, fächert seine Existenz vor uns auf. Er hat eine penibel sauber gehaltene Sammlung von Porzellantellern an der Wand und von Kaffeetässchen in einer Vitrine.

Die Kamera übernimmt seine Sicht. Figuren in der S-Bahn oder im Fitnessstudio gemahnen plötzlich an Zombies. Das hängt mit der raffinierten Kamera zusammen.

Alberto selbst kommt beim Verlassen des Studios an Silvi (Luly Trueba) vorbei. Er sagt ihr, er könne nicht mehr länger arbeiten, er sei krank. Sie bittet ihn, noch eine Woche auszuharren. Seine ‚Krankheit‘ hat es in sich. Das ist nicht gerade appetitlich, was es zu sehen gibt. Subtiler Grusel, nah am Leben.

In etwa der Hälfte des Filmes erleidet er seinen Tod, landet in der Pathologie. Der Angestellte dort (Hugo Albores) wundert sich nicht sonderlich über einen Toten, den er eben noch gewaschen hat und der jetzt wieder aufwacht und sich aufsetzt. Er hält ihm einen Monolog und mampft dabei Suppe.

Der weitere Verlauf des Filmes wird jetzt noch merkwürdiger, insofern, als Hofmann alle äußerlichen Zombieelemente auf ein Mininmum reduziert. Alberto geht etwas verlangsamt, mühsamer. Das Leben läuft weiter ohne besondere Zombieauffälligkeiten.

Silvi möchte sich am letzten Abend von ihm verabschieden, verschleppt ihn in einen Imbiss und später in ihre von Stofftieren überquellende Wohnung. Hier wird der Halleysche Komet zum Thema. Aber die Frage, wer sind die Lebenden, wer sind die Lebend-Toten, die kann auch nicht weiter beantwortet werden, allenfalls die nach der Einsamkeit des Menschen, der Ureinsamkeitn(?): Silvi fragt Alberto: Red ich zuviel? Er antwortet: Nein, Du fühlst dich nur einsam.

Qualitäten und Elemente: Hofmann lässt sich viel Zeit für seine Figuren und für kleine Vorgänge, wie das Herausschneiden von Haaren aus der Nase oder den Tropfen einer Infusion oder eine kleine Menge Rotzblut, das in den Ausguss gespült wird, Wasser, was Alberto aus einem Schöpfer über seinen Körper laufen lässt als spannender Vorgang für sich, immer sieht Hofmann die Strukturen, sieht sie als philosophische Hilfe, als Rahmen, er setzt Alberto gerne in einen Rahmen, in ein Geflecht aus geometrischen Strukturen, nimmt durch eine Überdosis Licht viel vom Realismus, – zuviel Licht führt zu Ununterscheidbarkeit, zu Wahrnehmungsverlusten, lässt Realität und Dinge in eine symbolische Dimension gleiten.

Wodurch auch der Mensch, der im Mittelpunkt steht, in den Verdacht des gleitenden Realitätsverlustes gerät. Demgegenüber führt Hofmann auch das Thema Blindheit ein im Rahmen eines Gottesdienstes für Blinde, das Leben in Dunkelheit. Symbole veränderter Perzeption.

Über einen Menschen, der langsam aus der menschlichen Gemeinschaft ausscheidet, in der er nie richtig drin gewesen ist. Der fast bildlich aus einem stinknormalen Alltag herausgelöst wird, resp. der ’stinknormale‘ Alltag löst sich allmählich auf für ihn. Übergangswelten.

Grusel vom Feinsten. Und so nah am Alltag. Der Halleysche Komet spielt eine Rolle in diesem Film von Sebastian Hofmann, der mit Julio Chavemontes auch das Buch geschrieben hat. Wobei...

Cecilie (Clara Rosager) will im Kino Scala lieber Fast & Furious schauen, Jeppe (Nikolaj Groth) würde Amour von Haneke vorziehen.

Aber sie bestimmt wo’s lang geht. Sie erklärt ihm, worum es in Bellinis Oper Romeo und Julia geht. Sie hat ein dunkles Geheimnis, hat ein Malbuch mit düsteren Motiven, und einen größten Wunsch. Er träumt davon, in der amerikansichen Basketballliga ein Star zu werden (dafür müsste er allerdings noch lernen, aus dem Bauch zu spielen).

Die für einander, für die Liebe bestimmt sind, Cecilie und Jeppe, lernen sich im Svendborg Staatsgymnasium (Dänemark) kennen. Sie ist neu und statt sich vor der Schülerschaft vorzustellen, singt sie ein Lied.

Liebe auf den ersten Blick, die keine Grenzen kennt. Und die an Grenzen kommt, die die Themen Leben, Liebe, Tod virulent werden lässt.

Barbara Topsoe-Rothenborg inszeniert diese Liebesgeschichte nach dem Drehbuch von Thorvald Lervad nach dem Roman von Jesper Wung-Sung zart, zurückhaltend, voll sanften Schmelzes, mit leichter, nordischer Humanselbstverständlichkeit.

Eine Geschichte, die ganz nebenbei zur Ausbüchsgeschichte wird und in gewissem Sinne ein Hochzeitsfilm plus Mittelmeerurlaub.

Es geht um die Liebe, die Flügel verleiht, eine Liebe, die aus dem Heute ihre Kraft nimmt und nicht aus Zukunftsplänen, eine Liebe, die das eigene, kleine Karrieredenken zurückstellt, die Schuldgefühle und Selbstvorwürfe hervorruft.

Eine Liebe mit Wirkungen und Nebenwirkungen. Eine Liebe, die Themen wie Angst vor dem Tod und Genuss des Lebens aktiviert. Die Zeichengeschichte, ihre düsteren Zeichnungen: Edward Munchsche Düsterheit.

Es geht um das Es-Schaffen, auch ums Siegen und Verlieren, aber auch um Trauer, Verzweiflung – und irgendwie doch um Pläne zugleich um die Unfassbarkeit der Liebe.

Eine schön-traurige Liebesgeschichte mit einem prima ausgewählten und spielenden Ensemble und mit einschmeichelnder deutscher Synchro. Wie viel Leben hat der Mensch?

Cecilie (Clara Rosager) will im Kino Scala lieber Fast & Furious schauen, Jeppe (Nikolaj Groth) würde Amour von Haneke vorziehen. Aber sie bestimmt wo’s lang geht. Sie erklärt ihm, worum...