Man wird doch wohl noch träumen dürfen,

dass es doch eine Gerechtigkeit gibt auf der Welt, dass Vorurteile überwindbar sind, dass als Bastard geboren zu sein, nicht Hoffnungslosigkeit bedeutet, dass eine ungewöhnliche Künstlerbegabung eine Chance hat, auch wenn sie sich diese hart erkämpfen muss, dass eine hochtalentierte Frau auch Dirigentin werden kann. 

Heute gibt es Dirigentinnen (am 15 Juni wird eine Frau bei BR Klassik Monte Verdi dirigieren). Der Film von Maria Peters spielt in der Zeit der großen Wirtschaftskrise des letzten Jahrhunderts in den spätern 20er und frühen 30er Jahren. 

Das Märchen dieser Geschichte wird nur noch märchenhafter dadurch, dass es „nach einer wahren Geschichte“ erzählt ist, nach der Geschichte von Antonia Brico (Christianne de Bruijn), einem adoptierten Kind, das in New York in einfachen Verhältnissen aufwächst und das mit 5 Jahren zum ersten Mal eine Orgel hört und sofort fasziniert ist, dass sie die Musik seither nicht mehr losgelassen hat, ja dass sie zu ungewöhnlichen, geradezu dreisten Mitteln greift, um der Musik nahe zu kommen. 

Die Spannweite zwischen Wunsch und Wirklichkeit, zwischen hartem Kampf und Rührpotential gibt Peters gleich in den ersten Szenen vor. Antonia, die hier noch Willy heißt, arbeitet als Platzanweiserin in einem Konzertsaal, der bei uns mindestens zu einem Staatstheater gehören würde. Hier verkehrt die feine Gesellschaft von New York. 

Die Platzanweiserinnen dürfen allerdings den Vorstellungen und den Konzerten nicht beiwohnen. Antonia ist kaum aus dem Saal zu kriegen, so hängen ihre Augen am Dirigentenpult. Gleich schon findet deshalb in der Herrentoilette die Begegnung mit einer wichtigen Figur im Film, mit Frank Thomsen (Benjamin Wainwright), statt. Denn hier übt Antonia das Dirigieren. 

Frank tritt in den Raum, sie lässt den Dirigentenstab fallen, übt sich in Ausreden. Auch hier ist klar, dass daraus eine Geschichte wird, eine Liebesgeschichte, allerdings mit allen den Hindernissen, die sowohl der Klassenunterschied als auch das Thema der Vereinbarkeit von Dirigentinnenkarriere und Ehe mit sich bringen. 

Wie sorgfältig kalkuliert der Film ist, zeigen zwei Details. Der auf der Herrentoilette fallen gelassene Dirigentstab wird später im Film zu einer Echoszene führen. Genauso verhält es sich mit der Info, dass Antonias Adoptivvater Straßenkehrer sei, diese dient nicht nur dazu, zu begründen, warum sie in ihrer einfachen Wohnung ein Klavier hat, auf welchem sie üben kann (der Tonraum ist wegen der Nachbarn mit Lappen ausgefüttert), sondern wird auch spät im Film noch ein kleines signifikantes Echo haben. 

Die eingangs erwähnten Ziele des Filmes werden durch eine zielstrebige Erzählökonomie erreicht. Peters lässt sich genügend Zeit für die Exposition von Figuren und Konflikten, für unnötige Details wird keine Zeit verschwendet und wenn dramatische Entwicklungen in Gang gekommen und absehbar sind, dann reicht es oft, Zwischenstationen mit kaum mehr als Flasheindrücken anzuskizzieren, schnell vorbeiziehen zu lassen, so gleichzeitig dem Märchen und der Publikumsaufmerksamkeit dienend, was umso leichter fällt, als ein exzellent ausgewählter und regielich prima betreuter Cast die Geschichte vor unseren Augen ablaufen lässt. So wird ganz leicht auch eine Me-Too-Episode eingebaut. Auch auf erheiternde Momente wird nicht verzichtet, wie die problematische Diskussion mit einer Nonne zeigt, die sich in einer Schweigephase befindet.

Gleiche Chancen scheint es also zu geben, allerdings gibt eine Info im Abspann zu bedenken, dass Kritikerlisten mit den besten 20 oder 50 Dirigenten aller Zeiten nicht eine Frau enthalten würden, wobei nicht erwähnt wird, wieviele von den Votanten Männer und wieviele davon Frauen waren. 

Man wird doch wohl noch träumen dürfen, dass es doch eine Gerechtigkeit gibt auf der Welt, dass Vorurteile überwindbar sind, dass als Bastard geboren zu sein, nicht Hoffnungslosigkeit bedeutet, dass...

Charme des Unaufwändigen

Bruce Willis holt den riesigen Weltraum auf die menschliche Dimension zurück. Er spielt James Ford, der Pension und miliärischen Rang verloren hat und in einer Kneipe rumhängt. 

Hat früher mal das Fort im Wilden Westen die Grenze der von den Menschen beherrschten Zivilisation markiert, die Grenze zum Abenteuer, zur Auseinandersetzung mit unbekannten Gefahren, so sind es jetzt Vorposten im All, tausende von Lichtjahren entfernte Kolonien, die in naher Zukunft (2031) gegründet werden und 2519 einen Angriff von Aliens erleben. 

Für diesen Vorfall muss Ford reaktiviert werden; seine Bedingung: seinen Rang zurück und die Pension. Die so kleine, niedliche Q-Bombe muss mit: philosphische Betrachtung dazu: so klein und so gefährlich. 

Eine solide gecastete Truppe von Männern und Frauen wird Ford zur Seite gestellt: Typenmotto: Menschen wie du und ich. Die haben nun ein schwieriges Problem zu lösen, teils über Überlegungen und Gespräche, teils mit der Feuerwaffe. Ihre Gegner schauen sternenkriegsabenteuerlich aus, teils menschlich-trashig. Da müssen sie durch. 

Der Einsatz heißt „Cosmic Sin“. Wobei das mit der Sünde zur Interpretation freigegeben ist. Lebenssinnthemen wir Freundschaft, Tod werden gestreift, Krieg, einen Krieg beenden oder einen anfangen – are we still alive? Is this real? 

Regisseur Edward Drake, der mit Corey Large auch das Drehbuch geschrieben hat, setzt auf die Nähe zu den Menschen und ihr Verhältnis zueinander und er will gar nicht erst den Eindruck erwecken, es handle sich um einen Megablockbuster. 

Drake weiß, dass, um die Illusion von Weltraum und Distanz zu erwecken, ein kurzer Zwischentext reicht, der bekannt gibt, wieviele tausend Lichtjahre seine Protagonisten in den letzten Sekunden durchmessen haben. Er weiß, welchen Charme die erkennbare Einfachheit der Mittelwahl für eine Sci-Fi-Weltraumabenteuer-Geschichte haben kann. 

Zusätzlich setzt er gern auf eine Rot-Blau-Chromatographie, auf abstrakte Räume wie in den Raumschifffilmen, aber eben vielmehr nur angedeutet, auf eine Art Dauerneonlicht. Letztlich will der Mensch auch in solch abenteuerlichen Filmen etwas über den Menschen erfahren und keinen naturwissenschaftlichen Ausflug unternehmen. 

Die Tonspur endet mit einem Country-Song, der nochmal die menschliche Nähe von Film, Protagonisten und Publikum verdeutlicht, wie ein Abend am Lagerfeuer und da kann man sich Storys erzählen und ausmalen und dazu philosophisch gründeln. 

Ein Vorfall auf einer Außenstation zu Beginn: hier verschwindet nach einer Kussszene ein Mann mit dem glücklichen Namen Felix. 

Charme des Unaufwändigen Bruce Willis holt den riesigen Weltraum auf die menschliche Dimension zurück. Er spielt James Ford, der Pension und miliärischen Rang verloren hat und in einer Kneipe rumhängt. ...

(hier nochmal die Review vom 30. April 2021)

Doppelansicht von Glück. 

Mehr junges Familienglück geht nicht. 

Alice (Yota Argyropoulou) und Petros (Dimitris Lalos) wohnen mit ihrem bildhübschen, blondgelockten Jungen Panayiotis (Alesandros Karamouzis) in einer ausladenden Villa mit Pool in einer Hügellandschaft mit Blick auf eine Meeresbucht in der Nähe von Athen. 

Petros hat etwas mit Finanzen zu tun, Alice ist Anästhesistin. Das Paar liebt sich im Pool oder fährt ans Meer und treibt es im Auto. 

Wenn da nicht dieser Schmerz wäre. Der kommt früh auf der Tonspur in den Film während man Alice in den Hügeln joggen sieht. Dass es sich um eine Beziehungskiste mit Thrillerqualität handelt wird nicht mit Lautstärke und heftigen Auseinandersetzungen gezeigt, es wird angedeutet mit Kleinigkeiten, ein tropfender Wasserhahn, der mehr interessiert als die Tätigkeit des Protagonisten, ein Rumpler bei einer Autofahrt, ob das Tier überlebt hat, ein Windspiel auf einer Veranda. 

Es sind Insichgekehrtheiten und verschlossene Blicke der Protagonisten, Anrufe, die nicht angenommen werden, eine heimliche Hausbesichtigung, eine Begegnung mit alten Freunden aus Athen, was tut Ihr hier, ein Dinner in der Villa. 

Immer mehr wird klar, dass hier Scheinwelten aufrecht erhalten werden, die immer wieder durchlöchert werden. Symbol dafür ist ein Brunnen im riesigen Garten um die Villa, der repariert werden soll und nur notdürftig abgedeckt ist, Vorsicht Panayiotis! Es ist das automatische Tor, was am Eingang der Zufahrtsallee sich nicht ganz schließen lässt. Es ist ein Nachbar mit zwei Hunden, der immer wieder kritisch rüberäugt.

Der Thriller wird nur ab und an heftig auf der Tonspur angededeutet. Sonst hält diese sich zurück, als ob sie aufs Geschehen selbst lenken möchte; nur mal ein Handy, das klingelt, eine Musik aus einem Radio. 

Die Sätze wirken oft verfänglich harmlos, aber sie sind eben nie Füllsätze in den eher spröden Dialogen, allzu gesprächig sind die Figuren nicht, allzu neugierig nicht, und wenn eine Frage zu weit geht, wird sie taktvoll überhört oder auf ein anderes Thema gewechselt. 

Es gibt weitere Hinweise auf die Brüchigkeit dieses Glückes. Gut, die Symbolik mit dem erschlagenen Hund ist vielleicht ein kleines Too-Much zu viel auf der Kehrtwende zum echten Glück der kleinen Familie. 

(hier nochmal die Review vom 30. April 2021) Doppelansicht von Glück.  Mehr junges Familienglück geht nicht.  Alice (Yota Argyropoulou) und Petros (Dimitris Lalos) wohnen mit ihrem bildhübschen, blondgelockten Jungen Panayiotis...