Frauen wie Gemälde,

das ist natürlich nur das Zückerchen, wie Sarah Paulson als Diane Sherman und Kiera Allen als Chloe Sherman von der Maske hergerichtet sind; das erinnert an die ganz große Renaissance-Malerei und macht den Gegensatz zur Handlung des Filmes von Aneesh Chaganty, der mit Sev Ohanian auch das Drehbuch geschrieben hat, nur umso prickelnder, gôuteuser. 

Chaganty filettiert in seinem präzisen Film mit einer hochkonzentriert auf das Wesentliche fokussierten Kamera einen entfesselten Muttermechanismus – der reine Horror. 

Und es ist schon schwarzhumorig zu nennen, den Film mit einer Anzeigentafel voller Informationen über eine ganze Anzahl von schlimmen Krankheiten anzufangen, von Herzinussfizienz bis Diabetes, die alle lebensgefährlich werden, wenn der Patient nicht dauernd die entsprechenden Medikamente nimmt. 

Eine ganz heutige Geschichte also, wie viele Menschen haben nicht ihr Tablettenkästchen, in dem für jede Tageszeit die bunten Pillen nach Stunden der vorgesehenen Einnahme geordnet liegen. Das ist ein geschickter dramaturgischer Zug, um das Hauptthema ganz hinterlistig nach und nach einzuführen. 

Diane hat gelähmte Beine und jede Menge weiterer Krankheiten, sie braucht immer wieder einen Mundspray, sitzt im Rollstuhl. Sie wird von der Mutter zuhause unterrichtet. Sie war wohl ein Frühchen, das lässt der Film vermuten mit dem Bild von einem dick verkabelten Säugling im Brutkasten – 17 Jahre früher. 

Aber Mutter Diane ist allerliebst, kümmert sich hingebungsvoll um ihre Tochter. Sie nimmt auch an den regelmäßigen, monatlichen Treffen für zuhause unterrichtende Eltern teil. Vorbildlich durch und durch. Sie wohnt abseits in einem schönen nordamerikanischen Holzhaus, baut streng beherrscht einen Gemüse-Garten drum herum an. Aber so einsam und wie es ins Bild gesetzt ist, erinnert es an filmische Horrorhäuser. 

Chloe ist jetzt 17, bewirbt sich an Universitäten und wartet täglich hoffnungsvoll auf positive Resonanz; der Postbote als Heilsbringer und vielleicht auch als Retter aus der einsamen Welt. 

Chloe ist intelligent und hat also berechtigte Hoffnung auf Zusagen. Die harmonische Idylle bekommt Risse, wie Mutter eines Tages eine neue Tablette für die Tochter mitbringt. Etwas macht Chloe stutzig. Sie wird selber aktiv und kommt mittels halsbrecherischer und lebensgefährlicher Exkursionen der Wahrheit auf die Spur; sie hangelt sich an einem dünnen Faden aus ihrer Geborgenheit heraus, die immer mehr zum bedrohlichen Gefängnis zu werden droht. Wobei das Kino als Veranstaltungsort freiwillig und gerne sein Teil zur Befreiung beiträgt, somit einen Hilfsanker bietet, sich aus dem Spinnennetz einer allmächtig wirkenden Mutter zu befreien. 

Die beiden Frauen spielen diesen Psychothriller fabelhaft. Chaganty injiziert den Schauder direkt wie mit einer Spritze unter die Haut, durch seine luzide Erzählweise, die auf Firlefanz konsequent verzichtet; was die an sich nicht neue Geschichte heftig werden lässt. Bestens geeignet für das Heimkino in coronadröger Zeit – und man braucht nicht gleich einen ganzen Kanal dafür abonnieren. 

Frauen wie Gemälde, das ist natürlich nur das Zückerchen, wie Sarah Paulson als Diane Sherman und Kiera Allen als Chloe Sherman von der Maske hergerichtet sind; das erinnert an die...

Generationentraumata.

Drei neuere Filme zum Thema der Schwarzenemanzipation in den USA. Steve McQueen schildert in Harriet, der Weg in die Freiheit einen Meilenstein zur Zeit, als in manchen Staaten der USA noch Sklaverei herrschte, Queen & Slim beobachtet den heutigen Rassimus in den USA und Jean Seberg wirft einen peripheren Blick über die berühmte Schauspielerin auf die Black-Panther-Bewegung in den 70ern des letzten Jahrhundert. Die Reihe könnte beliebig fortgesetzt werden.

Im Gegensatz zu all diesen Film behandeln Gerard Bush und Christopher Renz das generationenübergreifende Trauma von Sklaverei, Diskrimierung und Unterdrückung, ein deutlich komplexerer Ansatz. 

Dieser Ansatz wird gleich zu Beginn des Filmes explizit mit einem Faulkner-Zitat (das innerhalb des Filmes nochmal vorkommt) angekündigt: „Die Vergangenheit ist niemals tot, sie ist nicht mal vergangen“. 

Die Hauptfigur im Heute-Teil des Filmes ist Veronica (Janelle Monáe in der brillanten Doppelrolle auch als Eden). Sie ist eine auch in den Medien erfolgreiche Professorin für US-Verfassungsgeschichte und einer ihrer Schwerpunkte ist die Revolution der historischen Marginalisierung der Schwarzen oder auch der Exorzismus der latenten Vergangenheit. 

In Veronica kämpft das Blut ihrer Vorfahrin im Geiste, Eden, einem Sklavenmädchen, das zur Zeit des Civil War auf einer Sklavenplantage der Konföderierten brutal ausgebeutet und missbraucht wird und die ständig überlegt, wie dem Elend zu entkommen. 

Diese Civil-War-Phase des Filmes wird eindringlich theatralisch inszeniert und gespielt. Dazu gibt es am Schluss auch eine Erklärung, die möglicherweise den Nexus zwischen Vergangenheit und Gegenwart qua Ratio erklärbar machen möchte; was mir nicht unbedingt erforderlich scheint, da es sich um generationenübergreifende Gespenster, Traumata handelt, die sich just rationaler Behandlung entziehen. 

Veronica ist verheiratet, eleganter Mann, aufgewecktes Töchterchen „Kennedy“. Mama muss auf Vortragsreise. Sie übernachtet in der Luxus-Suite eines Luxus-Hotels. Hier wird sie vom Trauma „Eden“ heimgesucht. Wie sie mit einer Freundin und einer Bekannten ausgehen will, wird ihnen im Restaurant ein Katzentisch zugewiesen. Aber auch eine „Headhunterin“, eine Weiße stalkt Veronica brutal. Der Vergangenheit als Schwarzer ist nicht zu entkommen. 

Dem Film gelingt es eindringlich, dieses eingefleischte Gespenst generationenübergreifender Rassenvorurteile und Missachtungen darzustellen und damit dem Faulkner-Satz schmerzhafte Wahrhaftigkeit zu verleihen; wie leicht es dem einen Menschen offenbar fällt, dem anderen, der nicht genau so aussieht wie er oder nicht genau so ist, Verachtung zu zeigen, ihn als nicht gleichwertig zu behandeln. Oder, wie es im Film heißt: Die unbewältigte Vergangenheit richtet Chaos in der Gegenwart an“. 

Generationentraumata. Drei neuere Filme zum Thema der Schwarzenemanzipation in den USA. Steve McQueen schildert in Harriet, der Weg in die Freiheit einen Meilenstein zur Zeit, als in manchen Staaten der...

Liebe und Abgründe.

Nach wilden Titeln und Kameraspielereien folgt eine ausgiebige Liebesszene mit zwei nackten Hauptdarstellern, es sind dies Monica Bellucci als Alex und Vincent Cassel als Marcus. Sie sind jung, verspielt. 

Die Szenen wurden 2002 gedreht von Gaspar Noé. Sie sind Teil des Filmes Irreversibel. Noé hat den Film, der in langen Sequenzen und mit ganz wenigen Schnitten auskommt und damals in Cannes bei der Uraufführung schockiert haben soll, neu zusammenmonitert. 

Beide Fassungen, was hochspannend ist zu vergleichen, erscheinen jetzt als DVD mit Trailer und Zusatzmaterial, Statements der Beteiligten, aus denen hervorgeht, dass das damals ein sehr spontaner Film war, wie er heute wohl kaum mehr gemacht werden könnte. Es gab nur ein enges Zeitfenster, in dem das Hauptdarstellertrio, mit Albert Dupontel als drittem im Bunde, drehen konnten. 

Es gab kaum Budget, kaum Drehbuch. Desto wilder hängt sich die Kamera rein, will sich nichts entgehen lassen, von den Aufregungen der Szenen, die zwischen flapsiger Liebeständelei, wie hier in der ersten Szene (eigentlich müsste er aufstehen, aber kommt doch nicht los von ihr) und Party, Aufputschmitteln bis hin zu ausgiebigster Brutalität, Gewalt und Vergewaltigung hin und her pendeln. 

Es ist ein Kino, das Gegenwart als etwas Kostbares sieht, das sich von der Gegenwart und Gegenwärtigkeit der Darsteller und ihren Beziehungen kaum trennen kann und trotzdem nie in öden TV-Realismus verfällt, das gerne bis ans Zahnfleisch des Existentialismus geht. 

Ein Kino, das durchgehend lust-, erotik-, sex-, exzess-, rausch- und gewaltgeschwängert ist und trotzdem das Leben farbig und bunt sieht. 

Marcus hat in der ersten Szene, und das zeigt auch schön, wie hier so ein Halbernst an Liebeständelei stattfindet, Probleme mit dem rechten Arm oder der Hand, immer wieder versucht er die Finger zu spreizen. Später wird klar, dass der Hintergrund alles andere als harmlos ist. Zumindest sehe ich das als eine interne Storyverschränkung, die im Widerspruch zum „straight“ Cut stehen könnte.

Überhaupt enthüllt der Film wie beim Schälen einer Zwiebel nach und nach Hintergründe zu dieser anfangs zwar spannenden aber alles andere als tiefgründigen oder dramatischen Liebesszene, an deren Ende die Frau gedankenverloren einen Schwangerschaftstest machen wird. 

Dieser nicht so ganz tierisches Liebesernst, vielleicht mehr Körper, die nicht voneinander loskommen, wird in weiteren Szenen ausgeweitet auf das Partyleben, bei dem nichts als Anmache in der Luft liegt, auch hier eher die Leichtigkeit erträumten Liebeslebens; wobei es Gründe gibt für Alex, die Party dann doch zu verlassen. 

Dann kommt es erst dicke und exzessiv: die Vergewaltigung, die löst eine weitere Kette selbstjustizlerischer Gewalttaten aus. Das sozusagen rückblickend erzählt. Im Nachhinein von da dann wieder nach vorne geschaut, beleuchtet die ausgiebige anfängliche Liebesszene in einem ganz anderen Licht, fast möchte man es kaum mehr glauben. 

Der Film ist ein rauschhafter Trip durch extreme Gemengelagen in der Umgebung des Phänomens körperlicher Liebe im menschlichen Leben, im Sinne von: über Sex kann man nicht sprechen, man kann nicht alles erklären oder „Es gibt keine Untaten“, man muss leben. 

Liebe und Abgründe. Nach wilden Titeln und Kameraspielereien folgt eine ausgiebige Liebesszene mit zwei nackten Hauptdarstellern, es sind dies Monica Bellucci als Alex und Vincent Cassel als Marcus. Sie sind...

Egal wie Gaspard Noe seinen Film erzählt, ob von hinten nach vorn wie hier anno 2002 oder straight wie 2020 in, IRREVERSIBLE STRAIGHT CUT, der Zuschauer baut sich so oder so sein Bild zusammen. 

Es gibt einen Test, bei welchem die Buchstabenfolgen in einem Wort verändert werden und trotzdem kommt der geübte Leser mit großer Selbstverständlicheit auf den genormten Content. So könnte es bei Noé sein, ein Input linguistischen Kinos gewissermaßen. Noé spielt mit der Schreibweise der Wörter schon im Titel, dreht Buchstaben und Buchstabenfolgen um, verfremdet das Optische, was am Inhalt nichts ändert. 

Und so ist es auch mit diesem Film, es dürfte sogar keine Rolle spielen, welchen von beiden man zuerst schaut, es ist schließlich das gleiche Footage, lange durchgespielte Szenen aber in der hier vorliegenden Originalfassung von hinten her erzählt. 

Wobei auch die neue „straight“-Fassung einen nicht daran hindert, den Film nicht primär als eine quasireale dramatische Begebenheit zu verstehen wie eine Geschichte von A nach B, sondern viel mehr ihn als eine Entblätterung, Aufblätterung extremer Möglichkeiten in der Beziehung zwischen den Geschlechtern zu sehen.

Diese Vorgehensweise des Auseinanderzupfens erinnert an das Bild von Nikolaus von Cues von den beiden ineinenader gebauten Pyramiden, bei denen je in der Spitze schon die konträre Basis enthalten ist und umgekehrt, das Einzelne im Gesamten. Also hier in dem friedlichsten Miteinander, in der albernsten Sorglosigkeit, in der aufgekratzen Erotikatmosphäre immer schon der Ernst, ja die Gewalttat, die Hemmungslosigkeit des Triebes mitschwingen. 

Enthüllungsarbeit, die der Zuschauer leistet. Ein so geforderter Zuschauer hat mehr von einem Film als von einem, der ihm alles Buchstaben für Buchstaben vorkaut, „erklärt“, so wie Alex es über den Sex behauptet, dass man nicht alles sagen könne. 

Und daneben kurz die bürgerliche Bemessungsschablone, dass manche Dinge Untaten seien; das wird von zwei älteren Herren in einem Zimmer über der Schwulen-Disco ‚Rectum‘ philosophisch behandelt, es gebe nur Taten, das Wort Untaten sei dumm. So ist auch dieser Film eine Tat, über die man sich trefflich unterhalten kann. Die lebensversessene Kamera trägt das ihre dazu bei, dass es sich um eine schillernde Kinotat handelt. 

Egal wie Gaspard Noe seinen Film erzählt, ob von hinten nach vorn wie hier anno 2002 oder straight wie 2020 in, IRREVERSIBLE STRAIGHT CUT, der Zuschauer baut sich so oder...