Unbezwungen. 

Die Ostflanke des Kumbhakarna ist unbezwungen. Darüber hat Eliza Kubarsaka mit zwei Protagonistengruppen einen Film gemacht, mit einem Sherpa und seiner Familie und mit drei Bergsteigern. 

Die Regisseurin interessiert sich mehr für die Menschen als fürs Bergsteigen, stellt einer der Kletterer leicht irritiert fest. Für den Ethnologie- und Mythologiefreund verführerisch schön fängt sie auf 4000 Metern Höhe mit der Sommeralpe der Familie der Sherpas an. Die Bilder enthalten alles, was den Nepalbegeisterten erfreut: das einfache, karge Leben, die Wimpel, Vögel, Kühe, Dung, Kochen in der Hütte, religiöse Zeremonien, ein Bild vom Dalai Lama, die Rückkehr der Familie, das sind Vater, Mutter und 16-jähriger Sohn, in die tiefer gelegene Siedlung. 

Voice-Over erzählt die Mutter die Geschichte des Berges, die mit drei Brüdern beginnt, von denen der eine begabter und begehrter war als die anderen, selbst nach der Verwandlung in das Bergmassiv, weil die zwei anderen Brüder auf den Tod des Begnadeteren sannen. Im Laufe des Filmes wird sie die Erzählung in Etappen weiterführen bis zum plausiblen Ende. 

Plötzlich rattern mit einem Heli drei internationale Bergsteiger in die Ethnoidylle. Jetzt wendet der Blick sich auf die Familie. Der Vater ist gezwungen, aus wirtschaftlichen Gründen als Sherpa zu arbeiten, denn dem Sohn soll eine Ausbildung als Mediziner ermöglicht werden und die Teppichverkäufe der Mutter florieren nicht besonders. 

Der Blick der Dokumentaristin richtet sich auf die Neuankömmlinge, auf die Vorbereitungen zu deren Versuch, die Ostflanke des Kumbhakarna zu bezwingen, ein hochriskantes Unternehmen, wie bald festzustellen ist, umso mehr, als das Team in dieser 3er-Kombination noch nie zusammengearbeitet hat. 

Der Zuschauer bekommt einen Eindruck, welch gewaltiges Gewicht so ein Sherpa auf seinem Rücken den Berg hochstemmt bis zum Basislager auf 4580 Metern und dann noch höher zu einem weiteren Camp auf 4800 Metern. 

Obwohl wunderbare Naturaufnahmen abfallen, ist der Blick auf die Menschen und ihre Organisation, deren Verhältnis zueinander, wer zahlt, befiehlt, da zählt die Erfahrung eines Sherpa wenig, ein Blick auf die Menschen, der sich wie ungewollt viel mehr dem Menschenbild aus der mythischen Berggeschichte annähert, als möglicherweise dramaturgisch beabsichtigt. 

Die Untermalung auf der Tonspur lässt sich von den Unwägbarkeiten eines solchen Berges inspirieren. Den überwiegenden Teil des Infogehalts liefert die Regisseurin mit ansprechend inszenierten Gesprächen unter den Protagonisten.

Unbezwungen.  Die Ostflanke des Kumbhakarna ist unbezwungen. Darüber hat Eliza Kubarsaka mit zwei Protagonistengruppen einen Film gemacht, mit einem Sherpa und seiner Familie und mit drei Bergsteigern.  Die Regisseurin interessiert...

Dialog-Reigen.

Wie ein Dauerregen plätschern die Dialoge in diesem essayistischen Film von Heinz Emigholz und wie beim Reigen von Schnitzler als dramaturgischem Prinzip spielt ein Darsteller aus einer Szene eine neue Rolle in der nächsten Szene. 

Die Szenen selbst machen eine Reise um die Welt von Israel über Athen, Berlin, Hong Kong und Sao Paolo. Sie fächern inhaltlich vieles aus einem klassischen Bildungskatalog auf. Essayistisches Dialog-Kino, vielleicht auch Vieille Vague zu nennen, alt geworden in Ehren und vom Prinzip des Dialogkinos nicht abgekehrt, einem Kino, das die Welt erklären, erforschen, durchleuchten und begreifen oder gar nach dem Marxschen Satz verändern will, dass nämlich die Philosophen die Welt nur verschieden interpretiert aber nicht verändert hätten. 

Den Marx-Satz haben sogar zwei der Protagonisten auf den Arm tätowiert, was nur eine von mehreren erotisch-philosophischen Gemeinsamkeiten ist. Sowieso Athen, Polis, der Titel des Filmes heißt ja Die letzte Stadt, was wohl der letzten Erkenntnis gleichgesetzt werden sollte, in der Stadt fing das Denken an, Aristoteles – und in der Stadt hört es wieder auf? 

Peripathos: im antiken Säulengang ergingen sich die Philosophen mit ihren Jünglingen. Dazu ist unser Filmemacher, sind unsere Darsteller zu alt. Da sind sich liebende Männer schon gestandenere Semester oder sie behaupten in Berlin sogar, sie seien Brüder und Liebhaber zugleich, die Mutter freut sich drüber, der eine ist Polizist, der andere Pfarrer. Der nimmt seiner Familie die Beichte ab und entlastet sie von allfälligen Gewissensbissen mit dem Satz, dass einvernehmlicher Sex unter Erwachsenen ein Menschenrecht sei. 

Vorher in Athen ging es um philosophischen und Erkenntnisdiskurs, aber auch um Psychiatrie, Depression, künstlerische Aktivität, Schaffung der Stadt, aber auch Krieg, Rassismus, Waffenproduktion, Ideengewinnung aus den Slums und von Schulmädchenzeichnungen oder der Blick in Gruben und Zisternen. 

Der Ausflug nach Hong Kong bringt eine Aufzählung schauderhafter Kriegsgräuel, -verbrechen, -massacker. 

In Lateinamerika beschäftigt Emigholz seine beiden Protagonisten mit astronomischen Fragen, Weltall, Galaxie, Künstliche Intelligenz, den Bedingungen für das Leben, Aliens, lauter Dinge, die vornehmlich den erwachenden jugendlichen Geist umtreiben – wenn dieser in sternhellen Sommernächten den Himmel betrachtet – oder dann die Fachwissenschaftler und -forscher. Auch das Thema Zeitreise wird angetupft oder die Gschichte mit dem letzten und deshalb unsterblichen Pfannkuchen. 

Vielleicht ist Heinz Emigholz ja ein unverbesserlicher Alt-68er, der einfach noch keinen Frieden gefunden hat und der in einem ideologisch-historisch-philosophisch-politisch-literarischen Gemischtwarenladen immer wieder auf Fundstücke stößt, die er für reflektierens- und zitierenswert hält. Darin ist eine gewisse Verwandtschaft zu Roland Reber und seinem Werk zu sehen (zuletzt in Roland Rebers Todesrevue). 

Dialog-Reigen. Wie ein Dauerregen plätschern die Dialoge in diesem essayistischen Film von Heinz Emigholz und wie beim Reigen von Schnitzler als dramaturgischem Prinzip spielt ein Darsteller aus einer Szene eine...

Mit 60 schon halbgelähmt im Rollstuhl, aber hellwach; die Folge eines exzessiven Lebens, das Stoff für eine über zweistündige, explosive Footage- und Interviewdoku hergibt, die einen wahren Leinwandrausch erzeugt, angereichert mit eigens hergestellten, brillanten Animationen und dazu noch einem Abriss der irischen Befreiungsgeschichte. 

Die Erzählbasis sind neuere Interviews oder auch eine Kneipenbegegnung mit Johnny Depp, einem Freund des berühmten irischen Songwriters und Sängers, und der den Film auch produziert hat. 

Das Narrativ, das mit diesem Footage-Feuerwerk entsteht, ist chronologisch, doppelt chronologisch, zum einen die irische Befreigunsgeschichte beginnend vor über 100 Jahren, dann individualchronologisch, beginnend mit den Eltern des Sängers Shane McGowan. Der Vater ein begnadeter Mathematiker, das ist möglicherweise grinsend gemeint, der sich auf Wetten spezialisiert hat, Mutter in den 50er Jahren in Irland ein Topmodel. Aber Irland war arm, wenig Verdienstmöglichkeiten, wie der Bub etwa Jahre alt ist, zieht die Familie nach London, ein herber Bruch für den Buben. 

Die Familie will in London zum Mittelstand aufsteigen. Bier zu trinken beginnt Shane im zarten Alter von 6 Jahren in Irland. 

In London lernt er mehrere Schulen kennen, nie lange. Dann stößt er auf die Literatur. Seine Begabung wird bemerkt. Doch die feine englische Schule ist nicht sein Ding. Iren wurden in London gemobbt. Auf die harte Tour, keine Angst vor körperliche Auseinandersetzung. Heranwachsen mit Alkohol, Drogen bis zum psychiatrischen Klinik (auch seine Schwester ist eine Interviewpartnerin, die davon erzählt). Paranoia mit 16 in London, keine Schule fertig, Jobs, Drogen, Paddys klatschen und zurück zur irischen Musik, aber den Traditionalisten in den Arsch treten. Sein Genie: der Äther ist voller Melodien, man muss sie sich nur greifen. 

In der Klinik in einem Einzelzimmer findet er eine Gitarre vor. Er schreibt und spielt. Der Weg von da zur ersten Band ist kurz. Ein treibendes Motiv ist Irland, das Irische, die irische Befreiungsbewegung. 

In wenigen Jahren vom Erfolg überrollt. Welttournee, fast jeden Abend Auftritt, Zerstörung der sozialen Netze, das Ziel der Musik aus den Augen verloren, nur noch Geld und Drogen. Es scheint so eine typische Punk-Karriere zu sein und er entschuldigt sich dafür, sich verloren zu haben, beim Rock gelandet zu sein. 

Julien Temple macht diesen schier endlosen Lebenshunger, der sich in der Drogensucht zeigt und der oft in der Nähe des Todeshungers angesiedelt scheint, durch eine dichte Footag-Montage nacherlebbar. Das Verstörende an dem Film ist die tiefe Zwiespältigkeit sowohl des Irland- als auch des Shane-Bildes: einerseits der kompromisslose Kampf für Unabhängigkeit bei gleichzeitiger Abhängigkeit von Drogen, was den Menschen schließlich als Ruine zurücklässt. 

Immerhin, am Schluss wird der Film zum Hochzeitsfilm – das kann manche Gegensätze kitten. Vielleicht erklärt dieser Zwiespalt, resp. die Verzweiflung an der Aussichtslosigket zur Versöhnung der Gegensätze, warum das häufigste Wort, das Shane als Kind gehört hat, „Fuck“ war und überhaupt das Fluchen, was im Rückblick auf die blutige Befreiungsgeschichte der Iren wiederum nicht von der Hand zu weisen ist. 

Mit 60 schon halbgelähmt im Rollstuhl, aber hellwach; die Folge eines exzessiven Lebens, das Stoff für eine über zweistündige, explosive Footage- und Interviewdoku hergibt, die einen wahren Leinwandrausch erzeugt, angereichert...