Schöner Kinoschinken –
gut abgehangen

Der Film von Anand Tucker nach dem Drehbuch von Patrick Marber nach dem Roman „Curtain Call“ von Anthony Quinn und gewidmet Bill Kenwright („no risk, no magic“ – ein großes Risiko geht dieser Film allerdings nicht ein) entwirft ein opulentes Gegenbild zum Satz von André Bazin (dem Vater der Nouvelle Vague, wie bei Wikipedia nachzulesen ist) – und garantiert nicht im Stil der Nouvelle Vague – nämlich dem Kritiker als Machtfigur und nicht der Kritik als einem Tropfen Wasser, der in einen Fluss fällt.

Hier ist der Kritiker Jimmy Erskine, der in der Besetzung mit Ian McKellen aussieht und spielt wie ein Schmierenkomödiant, gesetztes Schmierentum, ein Mörder, ein Intrigant, ein Karrieremacher und wohlhabend obendrein.

Erskine wohnt exquisit. Sein Assistent Tom (Alfred Enoch) ist Kohabitant, offiziell schläft er auf dem Sofa, wie Jimmy bei einer Polizeibefragung angibt. Tom tippt für ihn die Theaterverrisse. Nach dem Theater kann der Weg von Jimmy auch mal über den Park führen, wo er Sex mit einem Stricher in der Art des „rough way“ hat.

Jimmy schreibt mit goldenem Schreibstifft, trägt weißen Schal, perfekten Anzug. Er hat die Nachwuchsschauspielerin Nina Land (Gemma Arterton) auf dem Kieker, schreibt über das Stück „White Devil“ im Due Theater einen gnadenlosen Verriss im „Daily Chronicle“.

Sein Verleger David Brooke (Mark Strong) steht allerdings auf die Jungschauspielerin und verlangt von ihm eine bessere Bewertung. Da Nina bei Jimmy auftaucht und sich beschwert, setzt dieser sie für eine infame Intrige ein.

Eine weitere Komponente des sich anbahnenden Dramas ist der Schwiegersohn von David (Ben Barnes), der unsterblich in Nina verliebt ist.

Der Film zelebriert förmlich das Theatrale, ertrinkt teils schier in der schwülstigen Musik, den Kostümen, der Ausstattung und der forcierten Diktion. Und wenn man sich nach der Pressevorführung die aus dem Saal strömenden Filmkritiker anschaut, so braucht es schon sehr viel Phantaise, Gemeinsamkeiten mit der im Film dargestellten Figur zu entdecken.

Wobei auch klar ist, damals, der Film spielt in den 30ern des letzten Jahrhunderts, dass sich heute durch Internet, Influencer, Blogs und auch die Vielfalt der Medien eine ganze andere Kritikerlandschaft gebildet hat als die monopolistische von damals. Und, trostreich für die Presse, ist es doch noch nicht lange her, dass ein Münchner Kinobetreiber erzählt hat, er müsse für einen bestimmten Film mehr Vorstellungen ansetzen, da in der SZ eine positive Rezession erschienen sei. (Die hat schändlicherweise ihre Kinoseite sang- und klanglos eingehen lassen; hat sie was gegen die Kinobetreiber?).

Schöner Kinoschinken – gut abgehangen Der Film von Anand Tucker nach dem Drehbuch von Patrick Marber nach dem Roman „Curtain Call“ von Anthony Quinn und gewidmet Bill Kenwright („no risk,...

Die fröhliche Wissenschaft vom Tod und vom Sterben

Zu den Themen Sterben und Tod ist vermutlich längst alles gesagt. Einerseits.

Andererseits ist es das Thema, das das ganze Leben, Tun und Streben des Menschen bestimmt und gleichzeitig in Frage stellt. Es ist das Thema, das der Mensch vermutlich nie bewältigt, das er immer wieder und von Neuem ventilieren, durchdenken, reflektieren, Revue passieren lassen muss, da der Tod den Menschen überfordert.

In einer anregenden und angeregt parlierenden Form tut diese Moritz Terwesten mit seinem Film. Er hält ihn zwar, bis auf gelegentliches Rotbild, in angemessenem Schwarz/Weiß, wodurch aber die inspirierende Leichtigkeit eher noch stärker zu Geltung kommt.

Es sind alte Gedanken und Erkenntnisse vorgetragen in leicht fasslicher Form von Fachleuten der unterschiedlichsten Provenienzen, mal griffig, handlich formuliert wie beim Philosophen und Ethiker Franz Josef Wetz, mal mit dem Gestus der Blasiertheit eines Kulturkritikers wie Wolfgang M. Schmitt (der vielleicht dadurch Eingang in die Ewigkeit sucht?).

Frisch, forsch und pragmatisch wirken die Englischsprachler Lawrence Krauss (theoretischer Physiker) und Sheldon Solomon (Sozialpsychologe, Begründer des TMT).

Jörgen Buttgereit, am berühmtesten ist sein Film Nekromantik, erzählt, wie ihm das Zubereiten einer Horrorszene, in der Menschenfleisch zerfällt, beim Verarbeiten des Todes seiner Mutter half. Ein Bestatter (Eric Wrede) berichtet von der sich ändernden Bestattungskultur.

Das Hauptproblem des Menschen ist seine Endlichkeit. Er kann sich seinen Tod nicht vorstellen. Die Religion macht ihr Geschäft damit, dass sie eine Lösung anbietet, die den Anschluss an das ewige Leben in Aussicht stellt.

Wetz hält das für ein Vorgemache, wenn, was der Haupttenor zu dem Thema ist, die Leute sagen, vor dem Tod hätten sie keine Angst, aber vor den Schmerzen des Sterbens. Denn die wahre Angst sei die vor dem Tod. Und nicht nur die Religion macht sich das zunutze, im Kino gibt es das Horrorgenre, das das leidlich ausbeutet, indem es die Angstlust schürt.

Es gibt die Sepulkralkultur, die davon spricht, dass jemand „in Frieden ruhe“, während Wetz prosaisch meint, hier rotte – bestenfalls – Fleisch dahin. Der Mensch möchte perpetuieren, daraufhin richtet sich sein Streben, sei es das nach Geld, nach Vermögen, das nach Fortpflanzung oder der Trieb, ein Werk zu hinterlassen, Musik, Literatur, Malerei Unsterblichkeitsprojekte.

Der Film bezieht seine Leichtigkeit auch aus der Montage. Die Gesprächspartner sind in ihren Arbeits- oder Wohnräumen aufgenommen, so scheint es zumindest, oder in einem Kino. Dieser ernste Teil des Filmes löst sich immer wieder in wilde Animationen auf oder weicht der Montage von Städteimpressionen. Dadurch verhindert Moritz Terwesten, der auch selber im Bild erscheint als Sprecher oder Befrager, dass aus der todernsten Angelegenheit eine solche wird. Denn was will man mehr mit einer unlösbaren, unausweichlichen Sache als sie sich erträglich machen, gar, wie hier, unterhaltsam.

Die fröhliche Wissenschaft vom Tod und vom Sterben Zu den Themen Sterben und Tod ist vermutlich längst alles gesagt. Einerseits. Andererseits ist es das Thema, das das ganze Leben, Tun...

Solidarität

ist eigentlich ein ganz einfaches, effektives Mittel für eine Gruppe von Menschen, die benachteiligt, ausgegrenzt, diskriminiert, ungleich behandelt werden. Merkwürdigerweise ist sie allerdings recht selten. Und wenn sie einmal passiert und richtig schön Rabbatz macht und etwas erreicht dadurch, dann ist sie berichtenswert.

Über einen solchen raren Akt der Solidarität, der von Lysistrata inspiriert gewesen sein könnte, berichtet höchst kurzweilig und anregend Pamela Hogan nach dem Drehbuch von Hrafnhildur Gunnarsdóttir.

Es geht um den historischen Aufstand der Frauen von Island am 24. Oktober 1975 mit weitreichenden Folgen auf die Gender-Equality in Island.

Der Begriff ‚historisch‘ dürfte nicht übertrieben sein, der Begriff ‚Aufstand‘ eher, handelte es sich doch je nach subjektiver Interpretation um einen Streik oder lediglich um einen freien Tag.

Der Hintergrund ist die eklatante Ungleichheit der Frauen als unbezahlte Hausfrauen, als deutlich schlechter bezahlte Sekretärinnen, Telefonistinnen oder Arbeiterinnen in der Fischfabrik und meist ohne Zugang zu akademischer Bildung und Führungspositionen.

Dass die UN das Jahr 1975 zum Internationalen Jahr der Frau gemacht hat, ist ein wichtiger Impuls für eine Gruppe Aktivistinnen, die bewusst rote Strümpfe anziehen und die Idee des Frauenausstandes ausbrüten und realisieren.

Einige dieser Frauen kommen zu Wort in einem amüsanten Strom aus Archivbildern, Animationen, Islandimpressionen. Sie berichten von damals, welche Hemmungen sie überwinden mussten, welche Überzeugungsarbeit leisten und wie ungewiss das Unternehmen war; aber auch, was ihre persönlichen Beweggründe waren, dass sie als Frauen gewisse Karrierechancen gar nicht hatten.

Der Film zeichnet den Weg von anfangs eher originellen, wenig bedarften Aktionen, wie diejenige mit der weißen Kuh, die sie zum Misswettbewerb lotsen, bis hin zur systematisch und wochenlang vorbereiteten Großkundgebung, an der 90 Prozent von Islands Frauen teilnehmen.

Der Film erzählt von der Kraft der Solidarität, aber auch von der Kraft passiven Widerstandes und man fragt sich, warum nicht viel öfter benachteiligte Gruppen, Minderheiten zu diesem Mittel greifen. Man stelle sich zum Beispiel vor, alle Illegalen in den USA würden sich organisieren und nur einen einzigen Tag ihre Funktion in der amerikanischen Gesellschaft nicht wahrnehmen. Da würden Herrn Trump vielleicht noch die Augen rauskullern. Siehe die nahtlose, unverzichtbare Integration und das Funktionieren Illegaler unter dem Mikroskop von La Cocina – Der Geschmack des Lebens.

Solidarität ist eigentlich ein ganz einfaches, effektives Mittel für eine Gruppe von Menschen, die benachteiligt, ausgegrenzt, diskriminiert, ungleich behandelt werden. Merkwürdigerweise ist sie allerdings recht selten. Und wenn sie einmal...

Eine Bresche für den Free-Jazz
Eine Bresche für Keith Jarrett
Eine Bresche für die Improvisation und gegen den Perfektionismus

In den 70ern war Jazz in Deutschland keinesfalls etabliert, all die Variationen von Standard bis zum Free Jazz und bis Keith Jarret. Auf jeden Fall musste der Radiomoderator vom WDR von der Protagonistin dieses Filmes von Ido Fluk, Vera Brandes (Mala Emde), beinah beknieet werden, ein Andkündigung für seine Hörer zu machen für den Auftritt des Jazzmzusikers an der Oper in Köln im Jahre 1975. Daraus wurde das berühmte The Köln Concert. Organisiert wurde es von Eva Brandes.

Eva Brandes existiert wirklich. Sie hat die Erzählung aus ihrem Leben für das Drehbuch geliefert. Sie wird im Film auch in einer Variante von 50 Jahren dargestellt, hier von Susanne Wolf. Sie ist die Protagonistin der kleinen Rahmenhandlung. Es handelt sich um den 50. Geburtstag. Die braucht der Film, um ihr gestörtes Verhältnis zu ihrem Vater zu erklären. Dieser ist Zahnarzt und wird dargestellt von Ulrich Tukur in bewährter Altborniertmännermanier. Aus diesem Anlass erklärt er den versammelten Gästen, dass sie die Enttäuschung seines Lebens sei.

Wie sie in der jungen Variante von ihm eine Ohrfeige bekommt, weil sie um einen Vorschuss von 10′ 000 Mark zur Finanzierung des Jarrett-Konzertes bittet, erklärt sie die daraus resultierende Wunde Nachfragenden mit dem simplen Begriff Patriarchat.

Der Vater ist typischer Vertreter der Nachkriegs-, der Aufbaugeneration und erwartet eine identische Haltung zu Leben, Ausbildung und Beruf. Für Jazz hat er null Verständnis, auch nicht dafür, dass seine Tochter eine Deutschlandtour für Keith managt. Sie ist nicht mal 20.

So wie Like a Complete Unknown es für Bob Dylan versucht dieser Film als Partialbiopic einen Ausschnitt aus dem Leben von Eva Brandes nachzuillustrieren; dadurch wirkt er allerdings auch relativ brav und ordentlich und mit viel Erklärsätzen, vermutlich zur Freude des koproduzierenden Fernsehens.

Anfangs des Filmes ist Eva noch nicht erwachsen. Ein Musiker, den sie in einer Kneipe anmacht, lässt kurzerhand eine Tournee für sich von ihr organisieren. So findet sie zu ihrem Beruf. Sie muss das Bluffen lernen, das Aufschneiden, sie muss heimlich in der Praxis ihres Vaters telefonieren.

Momentweise fühlte ich mich angesichts des Spiels von Mala Emde an den Film Die Mittagsfrau.

Es gibt einen Strang im Film, der sich der Aufklärung über den Jazz vornimmt und es gibt eingebettet ein Roadmovie von Lausanne nach Köln. Dort hatte Jarrett mit seinem Manager und Renault-Fahrer eines seiner wilden Konzerte. Das Geld für den Flug nach Köln wollen die beiden sich sparen und fahren mit der Klappermühle.

In Lausanne kontaktiert sie der Musikkritiker Michael Watts (Michael Chernus). Dieser erinnert an den Film The Critic, bei dem es um einen Theaterkritiker alter Schule geht. Das hier ist die modernere Variante davon. Der Fahrt der drei nach Köln haftet etwas Mystisches an, denn der Künstler will absolut kein Interview geben. Durchaus faszinierend, wenn ein Fachjournalist keine Fragen stellen darf, ja vor allem schweigen soll. Es versteht sich von selbst, dass daraus ein Gespräch wird.

Die Vorbereitungen zum Auftritt in Köln werden filmisch breit erzählt. Der Flügel ist nicht nicht der versprochene; es ist ein Schrott-Flügel; zwei Klavierspezialisten arbeiten sich an diesem ab; die Lulu-Aufführung parallel dazu ist offenbar vorm Eisernen Vorhang und ganz ohne Bühnenbild. Alles nicht so recht realistisch und offenbar nur als kilometerlanger Anlauf für die Flügelpointe gedacht.

Immerhin gibt der Film zu verstehen, wie der Perfektionismus nicht alles sein kann und wie ein Panne wie die mit dem Klavier zu künstlerisch offenbar einmalig kreativen Leistungen treiben kann. Das wäre dann die noch längere Pointe dieses Filmes: dass das Konzert wohl zum berühmtesten des Pianisten geworden ist.

Der Regisseur wollte Eva Brandes von hinter der Bühne ins Licht holen. Dafür scheint er mir aber nicht genügend nachdgedacht zu haben, was es bedeutet, Licht auf ein Schattengewächs zu werfen. Denn die Mechanismen des Rampenlichtes sind nun mal da. Und um ein Schattengewächs, ohne die Rampenlichtmechanismen zu bedienen, in dieses zu setzen, bräuchte es vielleicht einen etwas anderen kinematographischen Zugangs als den üblichen.

Verena muss in dieser Phase des Filmes viel und ausdauernd in und um die Oper Köln rennen. Also ob sie Lola hieße. Das signalisiert Hektik.

Eine Bresche für den Free-Jazz Eine Bresche für Keith Jarrett Eine Bresche für die Improvisation und gegen den Perfektionismus In den 70ern war Jazz in Deutschland keinesfalls etabliert, all die...