Mit dem eigenen, individuellen Tod ist das so eine furchtbare Sache, vor allem, weil wir normalerweise überhaupt nicht wissen, wann, wo und wie er eintritt, ob er schmerzhaft, qualvoll oder schnell und glimpflich ist. 

Noch furchtbarer allerdings ist es, wenn wir es genau wissen, wissen können, wenn wir ins Hotel Aurora in einer wilden Berglandschaft einchecken, um in luxuriöser Umgebung auf eigenen Wunsch dem gezielten Ende entgegenzusehen. 

Jonas Alexander Amby schildert das nach dem Drehbuch von Rasmus Birch am Falle von Max Isaksen (Nikolaj Coster-Waldau), einem schnauzbärtig, hageren Versicherungskaufmann, der doch eine glücklich sein sollende Beziehung zu Laerke (Tuva Novotny) hat – die kommt nach der Mona Lisa -, wie kann man da Sterbewünsche entwickeln? 

Wenn da nicht der Gehirntumor wäre. Amby fängt den Film in perfekt düsterer Thrillerstimmung, sowohl Bild als auch Musik, an. Er liefert als Untertext, der sowohl Stilisierung als auch gemäßigtes Tempo begleitet, die Idee eines letzten Ganges, unwiderbringlich letzter Schritte in einem Leben, von dem wir über Rückblenden erfahren. 

Letzte Schritte, letzte Atemzüge, letzte menschliche Begegnungen wollen wohl empfunden und wahrgenommen werden. Sie sind die Versuchung an der endgültigen Entscheidung, Begegnungen mit Ari (Robert Aramayo) oder Jenny (Lorraine Hilton) – Zimmer- oder Saunabesuche – sind genau das, was die Todeseinsamkeit durchbricht. 

So öffnet der Film sich vom düstern, definitiven Thriller in Richtung einer subtil-verhaltenen Satire, extrem nordisch-trockener Humor – mit einem Drall ins Absurd-Bizarr-Gruselige, wie die dekorativen, wilden Felsformationen im Hintergrund des supergestylten Suicide-Hotels Aurora. Um dann, Vorsicht Spoiler, zum hammerharten Survival-Trip zu mutieren. 

Aus technischen Gründen konnte ich allerdings die letzten etwa zehn Minuten nicht mehr schauen. 

Mit dem eigenen, individuellen Tod ist das so eine furchtbare Sache, vor allem, weil wir normalerweise überhaupt nicht wissen, wann, wo und wie er eintritt, ob er schmerzhaft, qualvoll oder...

Kita-Ausflug

Conni verlässt zum ersten Mal ihr fürsorgliches Elternhaus für drei Tage. So lange dauert der Kita-Ausflug, der aufs Land zu einer Burg führt. Übernachtet wird in der Nähe der Burg, in der Wassermühle, einem wunderschönen Fachwerkhaus mit Wasserrad. 

Der Abschied von den Eltern fällt Conni nicht schwer – für Eltern ist das oft seltsam, wenn Kinder bei so einem ersten Abschied sofort sich für das Neue interessieren, als ob die Eltern von einem Moment auf den anderen nicht mehr existieren. Conni spürt, dass sie Abenteuer und Aufregungen erleben wird und freut sich darauf, denn schon haben die Kinder Fantasien von Ritter Kuno und seinem Schlossgespenst entwickelt. 

Schwerer fällt Conni der Abschied von ihrem Kater Mau; ob sie das durchhält, drei Tage ohne ihn? Dem Kater scheint es nicht anders zu ergehen. Er schmuggelt sich in den Kofferraum des Reisebusses und wird viel dazu beitragen, den Kita-Ausflug denkwürdig zu gestalten. 

Der von Ansgar Niebuhr in Kodirektion mi Victoriano Rubio nach dem Drehbuch von Nana Andrea Meyer und Jens Urban nach einer Originalidee von Liane Schneider weich und geschmeidig erzählte Animationsfilm, zeigt allein anhand dieser Busfahrt, wie er aus den Situationen prima genießbaren Unterhaltungswert für die Zielgruppe zieht. 

Der Kater im Kofferraum, die Türme von Koffern. Über dem Kofferraum die Kinder, Conni, die andauernd glaubt, eine Katze zu hören. Der Zuschauer, der weiß, dass sie sich nicht täuscht, denn er sieht in einer Parallelmontage vom Straßenbelag, dessen Unebenheiten, die sich auf den Bus übertragen und die daraus sich ergebenden Probleme des Katers. 

In der Wassermühle entwickeln sich folgerichtig köstliche Abenteuer- und Spukgeschichten dank dem Ineinandergreifen der illegalen Anwesenheit des Katers, den Problemen mit dem Waschbär Oskar vom Buben der Pensionswirtin, einer diebischen Elster, einer Katzenallergie der Pensionswirtin, Unglücksfällen, Besteck- und Schmuckdiebstählen, sowie der Drohung, dass der Waschbär in den Tierpark müsse. 

Der Erzählfluss ist unaufgeregt, immer spannend, die Erzählung nicht überladen oder überrissen, weder von der Figurzeichnung noch von der Action her, immer bestens nachzuvollziehen. Für einen deutschen Film scheint er mir eine erstaunliche Nähe zur großartien Animationskultur der japanischen Ghibli-Studios aufzuweisen. 

Kita-Ausflug Conni verlässt zum ersten Mal ihr fürsorgliches Elternhaus für drei Tage. So lange dauert der Kita-Ausflug, der aufs Land zu einer Burg führt. Übernachtet wird in der Nähe der...

Claude Lelouch schaut zurück, träumt von der Liebe und illustriert einen Satz von Victor Hugo, dass die schönsten Jahre des Lebens diejenigen seien, die man nicht gelebt hat. 

Dafür knüpft er an seinen Film „Ein Mann und eine Frau“ von 1966 an. Hier gibt es eine Amour zwischen Anouk Aimée als Anne Gauthier und Jean-Louis Trintingnan als Jean-Louis Duroc. Er ist Stuntman beim Film, Rennfahrer und sie ist Skript-Girl. Sie lernen sich kennen, weil sein Sohn und ihre Tochter im selben Internat in Deauville sind. 

Es ist eine Liebe nach dem Zitat, das im Film auch vorkommt, dass es leichter sei, 1000 Frauen zu verführen als eine Frau tausendmal. Aber es ist eine Liebe von so einer Stärke, dass die beiden sich nicht vergessen können (von heute aus betrachtet). 

Der Filmsohn der beiden, Antoine Sire als Antoine Duroc, der 1966 noch ein Bub war, taucht bei Anne, die in der Normandie einen kleinen Laden betreibt, auf und bittet sie, ihren Vater in der Luxus-Altersresidenz „Domaine de l‘ Orgeuil“ zu besuchen. Der Sohn erhofft sich eine Besserung des Gemütszustandes seines Vaters, der immer wieder von Anne spricht. Anne hat gerade Besuch von ihrer Tochter Francoise, die immer noch, wie schon über 50 Jahre vorher, von Souad Amidou gespielt wird. Das allein ist eine filmgeschichtliche Rarität sondergleichen. 

Voll verführerisch beschreibt Lelouch nun die Begegnung der von Anne und Jean-Louis und nach mehr als 50 Jahren. Er trägt immer noch ihr Bild in seiner Brieftasche, leidet aber unter Demenz, ist ein Eigenbrödler. Er hat, wie er sie wieder sieht – und natürlich diese Vertrautheit gleich spürt, kinohaft schöne Träume, wie er mit ihr in ihrer Ente über Land oder ans Meer fährt. Das wird von Lelouche großartig eingefangen. Hier zeigt Lelouche, was auch einer der zentralen Aussagen des Filmes ist, dass so ein Kinotraum noch jeder Realität überlegen ist.

Diese Träume von Jean-Louis gehen überhaupt ihren eigenen Humorweg. Erst werden sie von der Polizei ermahnt, schneller zu fahren, die nächste Patrouille stoppt sie wegen Geschwindigkeitsübertretung, Träume eines Exrennfahrers und Stuntman. Er bleibt bei seinen Leisten; die Liebesgeschichte, die unerlebte, hingegen, die ist eine andere. 

Es ist eine runde Geschichte, wie sie nur die Kunst hervorbringen kann, wie nur sie Träume bannen kann, hier auf die Kinoleinwand. Sie strahlt diese Vertrautheit ab, die so eine intensive Liebe und deren Wiederbegegnung nach so viel Jahrzehnten nur enthalten kann; nebst der Kraft von Schauspielkunst, wie das französische Kino sie immer wieder meisterlich hervorbringt. 

Lelouch schneidet aus dem Film von 1966 Sequenzen der Erinnerung in den Film von heute hinein.

Es ist ein milder, weicher Blick auf das Leben, die Träume, die Treue, die Sehnsucht und das Kino, was Claude Lelouch in höchster Gediegenheit serviert. Begleitet von den schönsten Chansons. 

Dass aber diese Liebesvorstellung nicht nur in die Abteilung Pâtisserie gehört, zeigt Lelouch nicht nur mit dem Beruf des Rennfahrers und Stuntmen von Duroc, er bekräftigt das noch durch Beiziehung von C’était un Rendezvous, in welchem er selbst am Steuer und voll dokumentarisch in einem Rennwagen durch das morgendliche Paris rast, ganz ohne Vorkehrungen, Sicherungen, Absperrungen oder Drehgenehmigung, auch eine der atemberaubenden Seiten dieser hochformulierten Liebe aus der französischen Filmkultur – Kinoverzauberung pur. 

Claude Lelouch schaut zurück, träumt von der Liebe und illustriert einen Satz von Victor Hugo, dass die schönsten Jahre des Lebens diejenigen seien, die man nicht gelebt hat.  Dafür knüpft...

Carolina Hellsgard schickt in ihrem Film eine Mutter (Sabine Timoteo) mit zwei frisch erblühten Töchtern, Claire (Zita Gaier) und Zoe (Nicolais Borger), auf einen Cluburlaub an die Küste Andalusiens mit Blick auf Marokko. 

In einer Mischung aus Faszination und Kritik und in Ansätzen von Ulrich-Seidl-Epigonentum (Paradies Liebe), pickt sie wie mit einer Pinzette Szenen dieses erwartungsgeschwängerten Urlaubes heraus und begutachtet sie. 

Im Gegensatz zum holländischen Film Meine wunderbar seltsame Woche mit Tess in welchem das Coming-of-Age den Buben wie aus heiterem Himmel trifft – oder wie im Nils Holgersson-Film Der Junge und die Wildgänse, der ebenfalls vollkommen unerwartet in die Pubertät schlittert – sind sich die Frauen ihrer Fraulichkeit, ihrer Attraktivität und ihres Needs, begehrtzusein, bewusst, ja mehr als bewusst, fast überbewusst. Was sie eher hindert und hemmt. Jedes Anbandeln ist sofort mit Bedeutung aufgeladen – und insofern zum Scheitern verurteilt. 

Die Rührgeschichte ist die zwischen Tochter Claire, die noch keinen Mann geküsst hat, und dem Flüchtlingsjungen aus dem Senegal, Amram (Gedion Odour Wekesa), der wie Claire ebenfalls den Vater vermisst, der sich von Claire einen trockenen Lippenkuss gefallen lässt, aber sofort Geld dafür will. Die beiden hängen unentschieden in Hotelräumen, Discos, oder wilder Landschaft mit Pferd herum. Der Senegalese vergisst sein Ziel nicht: die Flucht. 

Ein exponiertes Spiel, was die Erwachsenen treiben, ist das Traumspiel. Hier wird erst der Atem angehalten, dann hyperventiliert und eine betreuende Person, legt den oder die Spielerin auf den Boden zum Träumen. 

Vom Ästhetischen her gefallen dem Film zeitweise alles Dinge mit Reihen: Reihen von Balkonen, Strandhütten, Strandliegen, Flur mit Türen, das einengende, aber auch Sicherheit bietende, grafische System gerader Linien und auch des Lichtrasters. 

Pointiertheit markieren die angenehm knappen Dialoge. Sie deuten auf eine filmische Haltung zwischen Angewidertheit und Begeisterung. Cluburlaub mit Bespaßung, Tanzen, Spiele. Die Kamera zwischen Süd-Begeisterung und stilistischer Übung in Linien. Die Suche von Claire nach wilden Füchsen als Symbol dafür, was sie erleben will – und so nicht erlebt; es scheint ein Traum zu bleiben, wie das Schlussbild andeutet, wenn Amram auf einem Schimmel neben dem Auto der auf dem Heimweg sich befindenden drei Frauen durch das wilde Andalusien reitet. Das öde Shopping. Haltung im Zwiespalt zwischen Faszination durch das Geregelte, Überraschungsfreie des Cluburlaubs und gleichzeitig angewidert davon. 

Carolina Hellsgard schickt in ihrem Film eine Mutter (Sabine Timoteo) mit zwei frisch erblühten Töchtern, Claire (Zita Gaier) und Zoe (Nicolais Borger), auf einen Cluburlaub an die Küste Andalusiens mit...