Künstlertum

Ende Oktober stellten Fiona Rachel Fischer und Nicolas Cassardt ihre gemeinsame Dokumentation über den Künstler Mario Steigerwald in einer Sonntagsmatinee im Kino Neues Maxim in München vor. Siehe auch das Interview mit den beiden, das morgen um 11 Uhr an dieser Stelle online geht, eine empfehlenswerte Wochenendlektüre!

Die Kooperation von Filmmensch und Journalismusmensch hat gefruchtet.

Das Motto, dem Film vorangestellt, bezieht sich auf den Lidschlag, den Augenblick, es weist auf Momente hin, die dem Menschen unauslöschlich im Gedächtnis bleiben.

Dreh- und Angelpunkt des Films ist der zentrale Schmerz des Protagonisten, ein doppelter Schmerz. Darüber spricht der Künstler in einer theatralen Installation, die auch die Dokusituation offenlegt. Er sitzt vor Schwarzwand auf einer Bühne, um ihn herum in engem Kreis ein Team von fast einem halben Dutzend Menschen, die meisten mit Kamera. Hier soll er über seine tiefsten Dinge sprechen. Ein Akt, der Überwindung kostet, der aber auch mit einem Befreiungsgefühl belohnt wird.

Da ist der Schmerz aus dem Elternhaus. Das Wort Eltern nimmt Mario kaum in den Mund. Er nennt sie nur eiskalt seine Erzeuger. Keine Herzlichkeit, keine Wärme, nur Eingesperrtsein.

Mario Steigerwald ist in Uruguay aufgewachsen. 1973 gibt es dort einen Staatsstreich mit nachfolgender Militärdiktatur. Da Steigerwald mit Flugblattaktionen die Tupamaros unterstützt, wird er verhaftet, gefoltert.

Über sein Elternhaus und auch deren deutschen Namen ist kaum was zu erfahren, lediglich, dass sein Vater ihm nach der Haftentlassung ein Flugticket zu einer Tante in der Schweiz organisiert hat und einen Pass für einen dreimonatigen Aufenthalt. Der ‚Erzeuger‘ hatte gnadenlos kein Rückticket organisiert. Abschiebung.

Der Film steht im Kreuz mehrer starker Fäden. Es sind dies die Beziehungen zwischen Deutschland und Lateinamerika. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts gab es Auswanderungsbewegungen nach Lateinamerika. Nach dem zweiten Weltkrieg waren lateinamerikanische Staaten oft ein sicherer Hafen für gesuchte Naziverbrecher, ein Thema, was auch das Kino immer wieder beschäftigt, zuletzt mit einem Schwarz-Weiß-Massenmörder-Film, der die Gräueltaten in Farbe zeigt. Speziell bekannt ist die Beziehung zwischen Bayerns Franz Josef Strauß und der chilenischen Diktatur.

Weniger im öffentlichen Bewusstsein dagegen ist, dass es in München eine starke Latinogemeinde gibt, die vermutlich im Vergleich zu ihrem Gewicht weit unter dem Radar fliegt. Hier schließt der Film eine Lücke, hier macht er auf einen Immigrantenkünstler aufmerksam.

Mario Steigerwald ist ein innerlich getriebener Künstler, getrieben von seinem Schmerz, der teils im Bewusstsein ist, teils in einem Koffer verschlossen, Traumata. Ein Künstler, der Spuren hinterlassen möchte, der sich als Sozialarbeiter für die Jugend einsetzt; sein Helfersyndrom, wie er selber meint. Ein Künstler, der seiner Tochter all die Liebe geben wollte, die er nicht erhalten hat. Seine Tochter ist eine von den wenigen und angenehm spar- und behutsam eingesetzten Talking Heads. So wie sie über ihren Vater redet, kann man sich gut vorstellen, dass er ein Stück seines Traumas unwillkürlich an sie weitergegeben hat.

Mario Steigerwald ist ein Künstler, den nicht der Markt interessiert, nicht das Branding, nicht die Berühmtheit, nicht die Geldmacherei. Obwohl man ihm ansieht nach dem Screening, dass die Aufmerksamkeit des Publikums Balsam für ihn sein muss. Er hat ein paar Werke von sich in einer Ledermappe dabei. Die können die Leute nachher anschauen, anfassen, aber verkaufen möchte er sie nicht.

Da ist er, der Künstler aus Neuperlach, der schon auf der Kleinkunstbühne Pepper gestanden hat mit einem sehr persönlichen Stück. Es ist ein Künstlerfilm, wie er sich angenehm abhebt vom großen Anschwall der Biopics und Künstlerbiographien von lauter berühmten Leuten, die oft nur dem Marketing dienen (zuletzt Bruce Springsteen, Spielfilm). Vielleicht am ehesten noch in der Nähe von der Doku Mona Mour zu sehen.

Vor allem sollten die Redakteure der BR-Lebenslinien sich diesen Film anschauen, der ja auch eine Art Lebenslinie darstellt, noch dazu von einem Künstler mitten in Bayern, mitten aus der Subkultur, und sich Impulse für eine Revitalisierung des arg arthritisch und viel zu oft promipusselig gewordenen Formates zu holen. Man stelle sich vor, Fischer und Cassardt hätten der Versuch gestartet, mit Mario Steigerwald frühere Wohnungen oder Schulen von ihm zu besuchen, das wäre doch absolut lächerlich, da er so viel Anderes, Interessanteres und Tieferes zu sagen hat.

Ein Thema von ihm sind die kleinen Unebenheiten, die den Mobiles, die er gerne baut, erst die Bewegung ermöglichen. Die musikalische Untermalung halten die Filmemacher angenehm diskret im Hintergrund mit leichtem Saitenzupfen und Sound dazu. Und nicht zu vergessen: Mario Steigerwald ist selbst ein passionierter Fotograf. Es gibt Aufnahmen von der zarten Angela, die bestimmt jeder schon mal im Unter- oder Zwischengeschoss von Marienplatz oder Stachus gesehen hat, wie sie gebückt einfach dasteht. Wie bei vielen anderen Künstlern, kommt auch bei ihm eines Tages die Frage, was wichtiger sei, die Kunst oder die Familie … ein eigenes Atelier, das ist schon was.

Künstlertum Ende Oktober stellten Fiona Rachel Fischer und Nicolas Cassardt ihre gemeinsame Dokumentation über den Künstler Mario Steigerwald in einer Sonntagsmatinee im Kino Neues Maxim in München vor. Siehe auch...

Alles für die Familie

Nein, Ben Richards (Glen Powell) will die Welt nicht verändern. Er hat nur das Wohl seiner Familie im Auge. Allerdings ist er ein widersprüchlicher Charater, unbequem, er ist ein angry man, handelt uneigennützig – so mögen sich viele mit ihm identifizieren, ob sie selbst nun so sind oder nicht. Er verliert dadurch dauernd seine Jobs, weil er kein Opportunist und kein Karrierist ist. Das wirkt sich negativ auf das Haushaltseinkommen aus.

Dass Bens Frau (Emilia Jones) in einer Nachtbar arbeitet, passt ihm auch nicht. Dort gibt es wenigstens gutes Trinkgeld. Das Töchterchen der beiden ist krank. Die Eltern brauchen Geld für Medikamente und für gute Ärzte. Geldnot.

Der Film von Edgar Wright (Last Night in Soho, The Sparks Brothers), der mit Michael Bacall auch das Drehbuch nach Stephen King geschrieben hat, baut viel TV-Show-Footage ein, selbstverständlich brillant geschnitten.

Es laufen Spielshows. Bekannte Ratespiele und auch das Millionenspiel – wie eine Verfilmung desselben Stoffes in Deutschland durch Tom Toelle vor Jahren hieß. Es ist inzwischen zum Milliardenspiel geworden.

Bei den Ratespielen kann man mal 50 oder 70 oder auch ein paar hundert Dollar gewinnen. Beim ‚Running Man‘ aber stellt der veranstaltende Fernsehsender eine Milliarde in Aussicht. Der geneigte Zuschauer wird bald erfahren, dass die nie ausbezahlt werden, da die Kandidaten meist längst vor den 30 Tagen schon tot oder vom Sender anderswie ausgetrickst worden sind.

Ein ausführliches Casting, auch sowas setzt Edgar Wright billant in Szene, sucht drei Menschen aus. Sie bekommen einen Vorsprung und werden dann von Profikillern gejagt, die von sogenannten RoverCams, also fliegenden Robotern, unterstützt werden.

Das Ganze ist ein landesweites, riesiges TV-Spektakel in Anlehnung an die Spiele im Alten Rom, wo es auch um Leben und Tod geht. Es beschert dem Sender Traumquoten. Alles macht mit, wer einen Kandidaten entdeckt und dem Sender meldet, kann Geld bekommen. Menschenjagd im großen Stil.

Der Kino-Zuschauer bekommt für sein Eintrittsgeld ein prima gearbeitetes Kinospektakel, das nicht mit Medienkritik spart, das einen spannenden Hauptdarsteller hat und eine abwechslungsreiche Mischung aus Jägern und Verrätern einerseits und ulkigen bis seltsamen bis raffinierten Unterstützern andererseits, was zu einem atemlosen zweieinviertelstündigen Hit-and-RunFilm verknüpft wird. Das ist alles nicht neu und in x Varianten schon verfilmt, aber neu und frisch und zeitgemäß aufgetischt.

Alles für die Familie Nein, Ben Richards (Glen Powell) will die Welt nicht verändern. Er hat nur das Wohl seiner Familie im Auge. Allerdings ist er ein widersprüchlicher Charater, unbequem,...

Kirche und Krieg

sind zerstörerisch, das ist die pathetische, drastische und unüberhörbare Message dieses Filmes von Ronan Day-Lews, der mit Daniel-Day-Lews auch das Drehbuch geschrieben hat. Aber nicht nur. Es gibt noch den Glauben. Man kann der Herrn direkt anprechen. Und Versöhnung, ein Wieder-Zueinander-Finden ist möglich.

Der Sünder, das schwarze Schaf, der verlorene, wenn nicht Sohn, so doch Vater, ist Ray (Daniel Day-Lewis). Der haust seit 20 Jahren tief im Wald im britischen Hügelland.

Der Film erzählt es anders, fragmentarischer. Er fängt bei seinem Bruder (das weiß man zu dem Zeitpunkt auch noch nicht) Jem (Sean Bean) an. Der wohnt mit Nessa (Samantha Morton) und dem 20-jährigen Brian (Samuel Bottomly) in Sheffield. Er macht sich auf zu einer offensichtlich abenteuerlichen und geheimen Mission. Sein Aufbruch erinnert an Killer- und Agentenfilme.

Der Film ist so erzählt, dass jedes Schreiben darüber in Spoilerei ausartet. Wer sich also mit Jem auf Abenteuerreise begeben will, der sollte Reviews erst nachher lesen. Zudem ist die Erzählweise, gerade zu Beginn, kleckshaft im Sinne der Spannungserhöhung.

Es dauert bis sich herausschält, wer die Protagonsten sind und bis ihre Gesichter zu sehen sind. Informationen darüber, was der Film erzählen will, rückt er nur bruchstückhaft raus. Vielleicht ein Mittel, den Zuschauer die Message selber nachformulieren zu lassen.

Es dauert, bis erste Worte fallen. Ein schwer zu identifizierbarer Gegenstand, den Jem Ray mitbringt, wird mit dem Kommentar „ Erbe“ auf den Tisch gelegt, ein Metallstück, mit dem man ein Klackgeräusch machen kann.

Das Erbe der beiden Brüder ist nicht großartig. Ein gewalttätiger Vater. Aber vor Jem haben sie alle Respekt gehabt. Vor Ray weniger. Bei der Wiederbegegnung der beiden Brüder im Wald wirft Jem die Bemerkung ein, Pater Sowieso sei gestorben. Das ist das Entree für eine der plakativ herausgehobenen Szenen: Ray schildert wie er sich am ihm gerächt habe für Dinge, die er ihm angetan hat – nichts für zarte Gemüter.

Der Krieg der IRA in Nordirland findet Erwähnung, dazu gibt es drastische, emblematische Illustrationen. Es geht um ein Kriegsverbrechen, das Ray begangen habe.

Zwischendrin schaut der Film wieder nach Sheffield rüber zu Nessa, die ihrem Sohn Brian Geständnisse macht und sich entschuldigt, dass sie ihn vor Wahrheiten beschützen wollte und versucht, die Sache mit dem verschwundenen Vater zu erklären.

Gerne werden Bilder pointiert ausgestellt, ob es eine Location ist, ein Lagerfeuer, die Protagonisten oder auch die titelgebenden Anemonen könnten symbolträchtiger kaum auf die Leinwand gebracht werden. Auch zu theatralischen Mitteln wie einem Hagelsturm wird zurückgegriffen.

Kirche und Krieg sind zerstörerisch, das ist die pathetische, drastische und unüberhörbare Message dieses Filmes von Ronan Day-Lews, der mit Daniel-Day-Lews auch das Drehbuch geschrieben hat. Aber nicht nur. Es...

Magie braucht Erzählung

Sie ist Teil des Tricks des Magiers, sie baut Spannung auf und sie dient der Ablenkung vom realen Vorgang des Tricks, die Erzählung als Vorbereitung und gleichzeitig Ablenkung.

Die ‚Reiter‘ sind die besten Magier der Welt und die Protagonisten dieser fiktionalen Filmreihe. Das mit der Erzählung und der Magie scheint die Autoren dieser dritten Folge aber wenig zu scheren (laut IMDb sind es Seth Grahame-Smith, Michael Lesslie und Rhett Reese). Sie scheinen es darauf abgesehen zu haben, so viel Zauberei wie möglich in einen Film zu packen mit schier enzyklopädischem Ehrgeiz.

Das reicht den Autoren nicht, sie haben die Ambition, das Prinzip der Erzählung umzukehren: den Haupttrick des Filmes verraten sie erst ganz am Schluss, was, soll hier nicht gespoilert werden, also ein magischer Trick, dessen Erzählung erst am Ende, wenn alles vorbei ist, verraten wird. Hm.

Dem Zuschauer wird das Hauptvergnügen an der Magie, nämlich die Neugier, ob ein Trick gelingt, vorenthalten. Stattdessen wird er mit einer Fülle an Tricks hingehalten. Und, das dürften die Autoren instinktiv gespürt haben, das ist dünn.

Also bringen sie ein zusätzlich belebendes Element in das Gefüge der Reiter, indem sie drei Nachwuchsmagier auffahren. Diese werden professionell und unterhaltsam eingeführt. Aber: an der Tragfähigkeit dieser Idee scheinen die Autoren ebenfalls ihre Zweifel zu haben.

Also muss noch eine eine kriminelle Industriellengeschichte reingeworgt werden. Die südafrikanische Diamantendynastie Vandenberberg plant eine neue Mine und braucht dafür Investoren. Chef des Clans ist Veronika Vanderberg (Rosamund Pike). Für eine Trade-Show in Antwerpen lässt sie den teuersten Diamanten, den die Familie besitzt, nach Antwerpen bringen.

Das Magier-Genre räubert im Diamanten-Thriller. Ach, herrjemineh, man möchte nicht Ruben Fleischer sein, der bei diesem Mix Regie führen musste/durfte, denn auch die Formel 1 und Dubai werden von den Autoren noch bemüht.

Hinter diesem Diamanten sind die Reiter samt Nachwuchs hinterher, quälen sich durch sämtliche von den Drehbuchschreibern irgendwo zusammengeschusterten und -geflunkerten Trick-, Befreiungs- und Verfolgungssituationen, denn das Actiongenre wird auch noch gefleddert.

Die Chose wirkt dadurch heillos overloaded. Was einen entschädigt, das sind die Akteure. Sie kommen gut rüber, sie fesseln, sie sind sympathisch und glaubwürdig: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco, Isla Fisher, Dominic Sessa, Justice Smith, Morgan Freeman, Ariana Greenblatt und wie schon erwähnt Rosamund Pike.

Magie braucht Erzählung Sie ist Teil des Tricks des Magiers, sie baut Spannung auf und sie dient der Ablenkung vom realen Vorgang des Tricks, die Erzählung als Vorbereitung und gleichzeitig...

Exzesse der Dekadenz auf den Schaumkrönchen des Irrsinns

Mit dem Irrsinn ist der politische Rahmen dieses Filmes von Nadav Lapid (Synonymes) abgesteckt: der Terrorangriff der Hamas am 7. Oktober 2023 einerseits und die Vergeltung Israels in Gaza, mittlerweile über zwei Jahre lang, der Begriff des Genozids wird immer öfter damit in Zusammenhang verwendet, andererseits.

Mit dem Schaumkrönchen auf diesen zwei Irrsinnen ist die sorglose Society in Tel Aviv gemeint, die feiert, als gebe es kein Morgen, die nicht genug bekommt von Dekadenz, als ob sie mit Salo von Paolo Pasolini wetteifere. Es ist ein Tanz auf dem Vulkan oder vielleicht auch auf der Titanic, die Nadav Lapid im ersten Kapitel seines Filmes extensiv, gleichzeitig schrill und plakativ schildert.

Mittendrin ist der Pianist Y. (Ariel Bronz) mit dem blond gefärbten, kurzen Haar. Er ist mehr als nur Pianist, ein Entertainer, der auch mal mit einer Gans auf der Schulter auftritt. Der gibt mit Yasmin (Efrat Dor) ein strahlendes ViP-Paar ab. Sie haben ein Baby. Sie leben so gedankenlos wie die Gesellschaft um sie herum.

Die eingestreuten News vom 7. Oktober oder aus Palästina wirken eher wie würzende Beilagen. Sorgen macht sich keiner. Den ganz großen Erfolg scheint das Entertainerpaar nicht zu haben. Sie arbeitet in einem Gym und kämpft dort um das ihr zustehende Geld. Er ist auf der Suche nach einem Durchbruchshit. Schon in diesem Teil fällt ihm ein nationalistisch-israelischer Text in die Hände, der zur Vernichtung der Palästinenser aufruft.

Dass mit dem Paar nicht alles zum Besten steht, offenbart der Film im zweiten Teil. Dieser schickt Y. in die Wüste. Erst entspannt er in einem Spa am Toten Meer. Er trifft auf Leah (Naama Preis). Die hat er jahrelang nicht gesehen. Man verbringt einige Zeit zusammen.

Überraschend für den Zuschauer kommt an den Tag, dass sie seine große Liebe gewesen ist; eine solche würde man ihm nach seiner bisherigen Performance gar nicht zutrauen und vor allem: diese Liebe scheint immer noch zu glühen. Dadurch, dass sie vollkommen unvorbereitet in den Film eingeführt wird, wirkt sie klischeehaft und auch, wie sie wieder auflebt.

Aber der Film hat anderes mit Leah vor: er setzt sie dafür ein, ausgiebig die Grausamkeit des 7. Oktobers zu schildern. Der Film versucht aber alle Seiten zufriedenzustellen. Er weist in Dialogen immer wieder auf den problematischen Einsatz des Militärs in Gaza hin, er bringt Berichte über vernichtende, israelische Aktionen oder er lässt eine Yasmin ihrem Kind wünschen, dass es nie zur Armee gehen werde und in Europa aufwachse.

Somit wird der Film zum Spiegel einer tiefen Verunsicherung in Israel selbst über seinen jetzigen Zustand. Dazu passt, dass Y. sich zusehends als schwacher, opportunistischer Charakter herausschält.

Einen kunstgeschichtlichen Hinweis hat der Film parat mit dem Zitat von Georg Grosz und seiner Karikatur „Die Säulen der Gesellschaft“ – dort geht es um das Nachkriegs-Deutschland.

Es ist ein Film, der von einer durchgeschüttelten Gesellschaft erzählt; der vielleicht versucht, überhaupt sich klar zu machen, was abgeht in diesem Land, ohne eingreifen zu wollen, ohne ein Agit-Prop-Film sein zu wollen; ein Stück weit sicher selbstkritisch, was die feine Gesellschaft angeht, aber eben nicht nur.

Der Film selbst scheint in einer ihm kritisch erscheinenden Situation zu versuchen, die Balance zu halten. Das dürfte kein Vorteil für seine Rezeption außerhalb des Krisengebietes sein, außer vielleicht für Leute, die ein spezielles Interesse an der Region haben und wie sie versucht, sich selbst darzustellen. Wobei auch hier möglicherweise nicht außer Acht gelassen wurde, wie die vielfältigen Koproduzenten aus Europa das Land gerne sehen möchten; aber auch Israel muss ja als Produktionsland eingebunden sein und einverstanden mit seiner Darstellung.

Exzesse der Dekadenz auf den Schaumkrönchen des Irrsinns Mit dem Irrsinn ist der politische Rahmen dieses Filmes von Nadav Lapid (Synonymes) abgesteckt: der Terrorangriff der Hamas am 7. Oktober 2023...

Vom Grundwiderspruch in der Liebe
oder von den zwei Seiten einer Medaille

Liebe ist, wenn sie neu ist, prickelnd und aufregend und beseligend, zu schweigen von den Schmetterlingen im Bauch und all den Glücksgefühlen, die nicht nur der Sex selber, sondern auch die Erwartung darauf oder die Erinnerung daran bringt.

Grace (Jennifer Lawrence) und Jackson (Robert Pattinson) sind ein glückliches, verliebtes Paar. Sie möchten am liebsten ewig zusammen sein. Grace ist sexy und liebt den Sex und Jackson ebenso.

Der Film von Lynne Ramsay, die auch das Drehbuch mit Alice Birch nach dem Roman von Ariana Harwicz geschrieben hat, schildert das junge Glück in einer langen, einführenden Szene, wie das Paar ein geräumiges, leeres Haus auf dem Lande besichtigt – später werden wir von einer Autonummer auf den Garden State New York schließen dürfen.

Vielleicht fängt die andere Seite dieses Glücks mit dessen höchsten Moment an, mit der Geburt eines Kindes und damit, dass Jackson weiterhin arbeitet und Grace, die sinnliche, allein zuhause bleibt. Sie lässt nicht alles mit sich und ihrem Kind machen. Das zeigt eine Szene in einem Supermarkt, wie die Verkäuferin drauflos plappert und Grace gar nicht erfreut ist.

Grace träumt weiter von wildem Sex, sie hat dazu auch Fantasiefiguren; Jackson aber kauft stattdessen einen Hund. Der nervt.

Den Film machen nicht nur seine prima ausgewählten und geführten Darsteller attaktiv, auch das beinah quadratische Format verleiht ihm etwas Apartes, die Bildausschnitte, das Mittel, sehr oft im Zwielicht zu drehen (Nacht am Tag). Grace allein unterwegs in der Gegend.

Und da sind auch noch Graces Schwiegereltern Harry (Nick Nolte) und Pam (Sissy Spacek). Harry ist zittrig und Pam pflegt mit einem Gewehr in der Hand in der dünn besiedelten Gegend nachtzuwandeln.

Auch Grace ist mal mit einem Messer in der Hand so anzutreffen.

Der Film lässt offen, und auch das verleiht ihm einen Reiz, ob Grace an postnataler Depression leidet oder einfach darunter, nur Mutter zu sein, allein in diesem Haus, mit Verwandten und Bekannten, zu denen sie nicht unbedingt das innigste Verhältnis hat. Ihr selbst wird eine unglückliche Kindheit zugeschrieben.

Schön dosiert erhöht die Regisseurin die eskalierenden Konfliktsituationen, in denen Grace, das Vakuum in sich explodieren lässt. Sparsam eingesetzte Rückblenden füllen Informationslücken.

Die Regisseurin ergeht sich darin, diese zwei grundsätzlich gegensätzlichen und sich nicht vertragenden Seiten der Liebe zu schildern, was bei dem Teil der Beziehung, der glaubt den kürzeren zu ziehen, bis in die Psychiatrie führen kann; sie pinselt diese Vorgänge gouachenhaft auf die Leinwand.

Der Film schildert das als logische Folge eines zur Sinnlichkeit geborenen, aber nicht erfüllten Lebens. Er schildert es dicht und bannend. Er berichtet, auch wenn er den Schluss versöhnlich gestaltet, im Gegensatz zum neuen Dracula-Film von Luc Besson, von der Sterblichkeit der Liebe. Das sagt auch der Titel.

Vom Grundwiderspruch in der Liebe oder von den zwei Seiten einer Medaille Liebe ist, wenn sie neu ist, prickelnd und aufregend und beseligend, zu schweigen von den Schmetterlingen im Bauch...

Erfrischend undeutsch,

so als ob das deutsche Kino an die Giallo-Tradition oder an die längst vergangene Zeit eines Sigi Götz mit Filmen in den 70ern wie „Griechische Feigen“ anzuknüpfen versucht, als wolle es sich die volle Genre-Dröhnung geben, koste es was es wolle.

Die Grundidee des Buches von Erkan Acar, Timur Örge und Michael David Pate ist einfach. Tito (Erkan Acar) wird bei einem Autounfall so verletzt, dass er nur noch im Koma mit lebensrettenden Massnahmen am Leben erhalten werden kann. Der Unfall ist filmisch knapp abgehandelt. Regie führen Timur Örge und Michael David Pate.

Tito liegt seit einem Jahr in der Klinik, die Ärzte stellen abnehmende Gehirntätigkeit fest. Keine Aussichten auf Besserung. Titos Frau Ella (Charleen Weiss) wird vor die schwierige Entscheidung gestellt, die Maschinen abschalten zu lassen.

Ärztin Sarina (Charlotte Stoiber) hält einen letzten Strohhalm parat. Ihr Vater Dr. Buchenwald (Jürgen J. Straub) hat so ein Experiment schon einmal gemacht. Seither sitzt er im Rollstuhl. Aber die Methode der transneuralen Verbindung stehe kurz vor der Zulassung.

Dabei begibt sich eine vertraute Person in die Träume des Patienten, hier also Ella. Sie wird auf ein Bett neben dem Patienten gelegt und mit Drähten verbunden. Es ist bei derart erfundenen Geschichten immer von Vorteil, wenn sie über eine konkrete Installation Glaubwürdigkeit verpasst bekommen.

Tatsächlich funktioniert das auf Anhieb mit dem ersten Traumtauchgang, insofern als Ella in eine Mafiawelt, das ist direkter Giallo!, eintaucht und dort eine Rolle spielt, während Tito den Mafia-Boss gibt. Es zeigen sich tatsächlich minimale Wirkungen beim Komapatienten.

Inzwischen kommt Ella dahinter, dass sie ein von Tito geschriebenes Drehbuch erlebt hat. Es gibt eine Menge davon. Hier schwant dem Zuschauer, dass es ein Eintauchen in diverse Drehbücher diverser Genres folgen wird. Tatsächlich: Western, Schwarz-Meer-Türken, Nazizeit und Piratentum stehen an. Da muss man als Filmemacher allerdings mit der Dosierung vorsichtig sein, wenn so ein System kenntlich gemacht ist.

Für den Protagonisten ist es traumhaft und bestimmt ein traumhafter Spaß und auch der Filmemacher dürfte sich begeistert haben wie sein Team. Für den großen Kinoerfolg allerdings gilt nach wie vor die Regel von den Darlings, die es zu killen gilt. Es kann leicht zu viel werden dieser Selbstbegeisterung, bei allem Geschick, was die Macher an den Tag legen, es kommt eine gewisse Absehbarkeit ins Spiel und dadurch ein Gefühl von Länge.

Erfrischend undeutsch, so als ob das deutsche Kino an die Giallo-Tradition oder an die längst vergangene Zeit eines Sigi Götz mit Filmen in den 70ern wie „Griechische Feigen“ anzuknüpfen versucht,...

Da hast Du das Geschenk.

Ein Themenfilm. Aber mit Esprit. Wie richtig schenken, vor allem aber, wie umgehen mit Geschenken, die man gar nicht schätzt und was Leuten schenken, die keine Geschenke mögen?

Ein Weihnachtsfilm, der am 22. Dezember mit Last-Minute-Geschenkeinkäufen beginnt und mit einer Familienzusamenführung zur Bescherung am 24. aufhört und der gleichzeitg eine neue Eskalationsstufe im Genre der Holocaustaufarbeitungsfilme erklimmt, wie man sie in Deutschland vermutlich nie sich trauen dürfte, mit dem Schlager „Tochter von Auschwitz, Tochter von Birkenau“ gesungen von der berühmten Sängerin Océane (Vanessa Guide) als gut gemeintes Geschenk für Tante Rivka (Liliane Vorère), einer Auschwitz-Überlebenden; zuerst hatte sich die Sängerin überlegt, ihr „Das Tagebuch der Anne Frank“ zu schenken, aber ihr Macker, ihr Freund Jérôme (Max Boublil) aus der Familie Stein, hat davon abgeraten.

Es gibt die deftigeren und die spitzeren, intellektuelleren Pointen. Oma ist mit dem eher ordinären Attribut des Pupsens und der Gehörlosigkeit ausgestattet. Jemand empfiehlt jedes Jahr den Concourt und die Reaktion ist, das müsse wohl ein schlechter Autor sein, der jedes Jahr dasselbe Buch schreibe.

Es gibt die typischen Weihnachtsfilm-Pointen. Julie Stein (Mélaney Doutey), eine der Töchter von Michel (Gérard Darmon), erhält von ihrem lieben Ehegatten Adrien (Gringe) einen Pullover mit Schulterpolster; sie mag aber nur Pullover ohne. Michel wiederum kauft in der Apotheke nebst seinen Medikamenten wahllos Dinge wie Thermometer, um sie zu verschenken.

In der Ehe von Julie und Adrien kriselt es. Wenn er nicht mitkäme zur Weihnachtsfeier, so behauptet es Julie, würde ihre Mutter (Chantal Lauby) einen Schlaganfall bekommen. Vater Michel wiederum schiebt Panik, er könnte am Weihnachten, wenn er just das Sterbealter seines Vaters erreicht, sterben. Charlotte (Camille Lellouche), die Schwester von Juliette, Jérôme und Charlotte (Camille Lellouche), eine vertrocknete Buchhändlerin und Geschenkehasserin, erhält von ihren Freunden und Kollegen zur überraschenden, unerwünschten Geburtstagsparty nebst diversen Dildos und einem Quietschentchen einen Men-Strip performed von Dan (Tom Leeb).

Der Film von Raphaele Moussafir, der mit Christophe Offenstein die Regie geführt und mit Stéphane Kazandijian auch das Drehbuch geschrieben hat, fängt als austauschbarer, zum einmaligen Gebrauch bestimmter, typischer Weihnachtsfilm an, wie sie jedes Jahr aufs Neue auf die Leinwände schwappen, fügt sich aber überraschend zum Familienfilm.

Aus dem Rummelplatzweihnachten wird die Bekanntschaft mit den verschiedenen Figuren einer Familie, die sich nichts schenkt, wenn man so will, und die als Betroffene der Holocaustaufarbeitung eine neue Farbe und neue Variante des Umgangs verleiht. Eine Familie, die guter Kunde beim Psychiater Di Ferrazzino (Jean-Jacques Vanier) ist, noch so eine bemerkenswerte Figur in diesem charmanten wie skurrilen Familienpanoptikum, das mit Pointen gut bestückt ist.

Da hast Du das Geschenk. Ein Themenfilm. Aber mit Esprit. Wie richtig schenken, vor allem aber, wie umgehen mit Geschenken, die man gar nicht schätzt und was Leuten schenken, die...