Ein Typengeschichte, die sich vor allem für das interessiert, was zwischen den Menschen passiert und weder für großes Sounddesign noch wilde Kamerfahrten oder Schnittbrillanz. All das technische Drumherum wurde pragmatisch angegangen, so dass es der Story dient, denn die verdient auch alle Aufmerksamkeit.

Ned Rochling, ihn spielt Paul Rudd, ist ne haarige Type und die Titelfigur, unser idiotische Bruder. Er ist das schwarze, ehrliche Schaf der Familie. Seine Mutter und seine drei Schwestern Liz, Miranda und Natalie mögen ihn zwar, aber er bringt ihre Leben, ihre Glücke, die sie nur mit Tricks aufrechterhalten können, schnell und leicht durcheinander.

Am bedingunglosesten hält sein Hund zu ihm. Den kriegt er nach seinem Knastaufenthalt, der früh im Film passiert, jedoch nicht mehr zurück.

Seine ungeschickt ehrliche Art erfahren wir zum ersten Mal, wie er an seinem Gemüsestand einem Polizisten in Uniform umstandlos eine Packung Hasch zum Rhabarberstängel verkauft. Wie kann man nur! Es war eine Falle. Knast. Was tun mit ihm, wie er wieder rauskommt? Er hat kein Zuhause mehr, ist auf Bewährung und kommt abwechselnd bei der einen, dann bei der anderen Schwester unter, kann ihnen mit kleinen Jobs dienlich sein; zum Beispiel auf den Buben aufpassen – und prompt schaut er mit diesem Pink-Panther statt ihn zu Bett zu bringen oder übt mit ihm eine absurde Kampfsportart. So was macht bei Kindern beliebt und bereitet den Erziehungsverantwortlichen Probleme.

Oder die andere Schwester engagiert ihn aus der Not heraus als Chauffeur. Sie muss zu einem wichtigen Interview mit der Millionen-Skandal-Erbin Stuart. Dass die Regieanweisungen, die sie ihm vorher erteilt, nicht funktionieren werden, darauf kann sich der Zuschauer genüsslich verlassen. Oder auch, wenn er sich als Helfer beim Schwager für Filmaufnahmen bereit hält.

Ein Film für Kinofreunde und die Spaß daran haben, zu sehen, wie ein Filmemacher, der Autor und Regisseur heißt Jesse Peretz, mit viel Können und Neugier sich eine solche Menschenkonstellation vornehmen und durch viel Improvisation am Set und das Durchdenken der Szenen und Handlungsweisen der Figuren eine große Glaubwürdigkeit erzeugen können und damit Substanz für die Zuschauer.

Hier kommt nie jemand in eine Szene und muss als erstes fragen, wie so häufig im deutschen subventionierten Kino, was ist denn hier los. Ein kleines Beispiel für genaue Beobachtung gibt die erste Szene mit dem Bewährungshelfer Officer Omar Coleman, wie er anfangs überdeutlich und langsam prononciert, bis Ned Rochlin ihm zu verstehen gibt, dass er keinen Idioten vor sich habe. Wobei mir allerdings genau in der Szene aufgefallen ist, dass die Inszenierung des Filmes mit etwa der leichten Überdeutlichkeit vergleichbar ist, mit der der Offizier seinen Bewährling zuerst anspricht.

Es sind die Prinzipien offenherzige Menschlichkeit gegen opportunistisch-pragmatisches Handeln oder gegen Zielführung und Bestandswahrungsverhalten oder gegen das Prinzip „Siegermann“ (was in einer Therapie- oder Sektenszene, Heilerszene im „Schicksalshaus“ angesprochen wird) oder vielleicht das Prinzip Gewinnstreben gegen das Prinzip „Leben“, die hier fröhlich aufeinander losgelassen werden.

Ein prächtig aufgestelltes Ensemble hat sich ganz offensichtlich von den guten Ideen des Buches und der Regie von Jesse Peretz anstecken lassen. Der Film spielt an der Ostküste.
Auch schöne Erkenntnis, dass die Familie ein zerbrechliches Gut sei.
Anderes schönes Wort „fickbar“. Ist es dieser Film nun oder ist ers nicht?

Wie ein meisterhaftes Baiser richtet Emmanuel Mouret diese Erwägungen über die Liebe leicht an; perfekt in der Dosierung von Ernst und Leichtigkeit, von Gedanklichkeit und Körperlichkeit, von Denken, Reden und Handeln, zwischen Overstyling und Stillosigkeit seiner erstklassigen Darstellerinnen und Darsteller und begleitet seine Fingerübung mit beschwingter Piano-Musik.

Es sind verschiedene Paarungen, die für die Liebe in Frage kommen oder glauben auf sie zu stoßen oder glauben sie erst mal wegstoßen zu müssen oder die sie suchen und partout nicht dort finden, wo sie suchen.

Nein, Julie Depardieu, die hier Isabelle heißt, findet sie in einem dunklen Hotelzimmer, vollkommen abgedunkelt; sie vertritt ihre Freundin Amélie, die das Begehren ihres Verehrers Boris, Laurent Stocker von der Comédie Francaise, nur so auf Distanz halten kann, indem sie ihm Dates, die in einem Hotelzimmer nach ganz präzisen Vorschriften ablaufen müssen, anbietet. Statt ihrer schickt sie dann Isabelle. Isabelle muss eine Viertelstunde vorher im Zimmer sein. Es muss zappeduster abgedunkelt sein.

Dann kommt Boris. Und exakt nach einer Stunde, die von einem vorher gestellten Wecker angezeigt wird, muss er im Dunkeln das Hotel wieder verlassen. Die Täuschung bemerkt er nicht. Im Finstern sind die Triebe nicht sehr wählerisch. Beide finden jedoch Gefallen an dem Spiel und Amélie kann den Lover nur abwehren, indem sie ihm immer neue Dates gewährt. Bis dann eines Tages … – tja was Fliegen in Hotelzimmern so alles anrichten können.

Selbstverständlich kann Amélie es nicht lassen, die beiden eines Tages unbekannterweise zusammenzubringen, herrlich, wie sie sich überhaupt nicht für einander interessieren. Wenns nach den Blicken ginge und dem was das Hirn bei Anblicken anrichtet, dann wäre wohl aus Isabelle und Boris nie ein Paar geworden.

Francois Cluzet spielt Achille, einen etwas besseren, elegant eingerichteten Herrn mit einer blonden, leicht verkopften Nachbarin, die aber auch nur von der Liebe träumt, Frédérique Bel: herrlicher und trockener war die Liebe, die in der Luft liegt, im Kino sicher schon lange nicht mehr zerredet worden.

Dann sind da noch ein altes Paar, das die Liebe neu entdeckt, indem es sich Seitensprungfantasien hingibt oder das junge Paar, das sich vom Buddelkasten auf kennt und endlich Erfahrungen machen möchte.

Aber die Spiele mit der Liebe sind riskant. Das hatte schon Alfred de Musset vorformuliert in „Man tändelt nicht mit der Liebe“. Das kluge Gespräch über die Liebe und die Erwägungen, was wäre wenn, die gehört zu Frankreichs Kultur wie ein guter Wein. Wo hört die Liebe auf und wo fängt die Massage an; wann ist der richtige Augenblick für den ersten Kuss, wie kann ich rational feststellen, ob ich spontan bin, wo ist das Risiko des Abenteuers Liebe, wie verstärkt die Vorstellungskraft den Trieb, was kann der Nutzen eines Seitensprungs sein, sind Ruinen nicht ideale Orte für einen Seitensprung mit einem Restaurator; wenn ich gewusst hätte, dass Du mich liebst, wäre ich nicht gekommen; wo ist die Differenz zwischen Abenteuer und Liebe, welches Quantum an Geduld ist das richtige für die Liebe, warum kann ich nicht vorher wissen, wie die Liebe sein wird, damit ich entscheiden kann, ob ich sie will, wo hört der Traum auf und wo fängt die Liebe an?

Die Nachbarin fängt den Nachbarn in dem Moment an zu lieben, wo er poetisch wird und die Liebeskraft mit dem Trieb der Blätter von den Bäumen vergleicht, aber statt ihm dafür um den Hals zu fallen, rennt sie weg, muss das notieren; schließlich hat sie auch ein Buch über die Komplexität der Gefühle gekauft. Liebe, Imagination und geistige Beherrschung.

Discurs intelligent et intellectuel.

Am Anfang wird noch ein anderes Thema angesprochen, nämlich der Zusammenhang zwischen Musik und Liebe, der verflüchtigt sich dann aber bald mit dem tumorbedingten Tod des Musikers, der dieser Forschung nachhing. Frankreich hat auch so genug Esprit zum Thema zu bieten.

Einer der seltenen kurzen, kurzweiligen Filme, der genau da aufhört, wo es am schönsten ist.

Genau so sieht man dem Film aber auch den Spaß und die heimliche Freude an, mit der Lasse Halström das inszenierte mit einem erstklassigen Ensemble, das gerade auch seine sprachlichen Trümpfe und den sparsamen Umgang mit Emotion britisch-cool ausspielte. Dass man nach fast zwei Stunden Film gerne noch weiter schauen würde, das kommt auch nicht allzu häufig vor heutzutage.

Vielleicht ist es dieses Konstrukt, was gar nicht unbedingt das einer Romantic Comedy ist, was diese hier so stark macht. Mit ansteckendem schauspielerischem Pep werden wir anfangs mitten ins Chaos von HMs (Her Majesty’s) also der Königin Presseamt in London eingeführt. Immer nur schlechte Nachrichten aus Afghanistan, Tote Briten, Explosionen.

Das Presseamt ist händeringend auf der Suche nach einer positiven Nachricht. Den ganzen Druck, der auf so einem Amt liegt, spielt Kristin Scott Thomas als Bridget Maxwell in einem brillianten Language-Bashing, sie haut ihre Texte weg, wie ein Meister der mechanischen Schreibmaschine früher seine Texte hochkonzentriert in die Tasten zu hauen pflegte. Hier ist allein die Performance ein Vergnügen, und die Texte, die sie spricht, die Pointen, nicht weniger. Perfekter Ausdruck der Haltung einer amtsgetriebenen Managerin. Very British. Very cool.

In dieser ersten Phase des Filmes, der Vorbereitung und Expositon auf die abenteuerlichen Dinge, die ins Haus stehen, erlaubt sich Lasse Halström einige ganz abgedroschene Boulevard-Theater-Gags, aber so gekonnt wie mit einem augenzwinkernden Fingerschnipsen serviert und dazu bestens dosiert: wie die Maxwell sich in ihr eigenes Telefonkabel einwickelt und dabei noch ihre ganzen Kids zur Schule verabschiedet, wie unser Protatgonist, Fred Jones, ein eingefrorener Bürolist und Liebhaber der Lachsfischerei, der sogar eine eigene Fliege fürs Fliegenfischen erfunden hat, die sehr berühmt geworden ist, nur kleines Detail zu Aufhellung der Trockenheit der Figur, wie der nach der Besprechung mit Maxwell, wo er davon erfährt, was ihm mit dem Lachs und dem Jemen blüht, Freunde-der-Klamotte-mässig direkt in eine Glastür hineinläuft. Aber das wars dann praktisch schon mit solchen Gags, die nur die Sophisticatedness im Umgang mit dem Metier beweist und uns abhält, gleich im Gefühl zu ersaufen.

Oder der kleine Gag, wie Even Mc Gregor, der Fred Jones spielt, in seinem Büro mit einer Übungsangel das Portrait seiner Chefs an der Wand mit einem Köder zu treffen sucht. Sein Chef wiederum, auch das fetteste Klamotte, wie er im Büro sitzt, Stullen schmatz, ja das Fischereiministerium, das hat halt seine Ruhe, an dem gehen die Winde der Weltgeschichte vorbei, wenn nicht, wenn nicht die Idee des Scheichs, den Amr Waked spielt, im Jemen den Lachs anzusiedeln vom Presseamt Ihrer Majestät als die rettende Gute Nachricht entdeckt worden wäre, die endlich den Afghanistan-Krieg aus den News verdrängen soll.

Das bringt nun Wirbel wie von einem Tornado in die ruhige Fischereiabteilung, rührt an den Existenzgrundlagen des in Unzufriedenheit erstarrten und unglücklichen Fred Jones – mit der Frau, mit der er lebt und verheiratet ist, die aber ihre eigene Karriere verfolgt, scheint er ganz und gar nicht glücklich, das zeigt eine ganz kurze Szene, wie sie nicht möchte, dass er sich überanstrenge beim Sex, aber so kommen keine Kinder zustande. Ein Mann, der wohl selbst nicht so genau weiß, was und wohin und der sich am liebsten mit den Goldfischen im Teich vor seinem Haus unterhält, indem er sie füttert. Auch das trostlos, einsame Szenen und doch am Rande der Groteske, wie er dasteht, die Fische füttert und seine Frau sich neben ihn stellt und ein Gespräch versucht.

Der Scheich, dem kein Betrag zu klein ist, im Jemen den Lachs anzusiedeln, der wirbelt diese Welten in abgesackten Bahnen gehörig durcheinander. Wobei schon die Klärung ein Problem ist, wie denn Lachs, der in den kalten Gewässern des regnerischen Schottlands lebt, in den heißen, wüstentrockenen Gegenden des Jemen aufleben und sich vermehren soll. Allein das ergibt jede Menge komischer Situationen, wenn Jones auf einem Board die Dinge zu skizzieren versucht, den angelnden Scheich, den Lachs und die Mitarbeiterin, das ist die nächste wichtige Person und noch eine wunderbare Schauspielerin, Emily Blunt als Harriet Tchedwode Talbot (die Namen ergeben die herrlichsten Assoziationen), zummindest findet, er habe zeichnerisches Talent.

Auch von ihr gibt’s kurze Einblicke ins Privatleben, sie musste gerade ihren Freund nach Afghanistan verabschieden und erhält bald schon die Nachricht, dass er dort verschollen sei. Diese schwierige Situation zwischen Hoffen und Bangen. Lohnt es sich mit einem anderen anzubandeln? Das wird fast nur unterschwellig präsentiert. Das schwebt in vielen Situationen einfach mit. Denn sie muss jetzt wegen der Lachs-Scheich-Geschichte oft mit Jones unterwegs sein, in Schottland beim Scheich oder in Jemen unterhalb des Staudammes, wo der Lachs dann tatsächlich angesiedelt werden soll. Zeit auch für private Gespräche, aber auch das so ganz nebenbei und selbstverständlich und der Scheich unterlässt es nicht, gelegentlich Kommentare zu den Beziehungen zwischen den Menschen loszulassen, schließlich habe er mehr als 20 Frauen gehabt. Oder Gespräche über Toleranz und die Fische, also den Glauben und die Fischer und auch die Hybris wird erwähnt. Aber auch das passiert völlig nebenbei. Ergibt sich wie von selbst.
Dieser Lachs flutscht wie von selbst den Hals hinunter.

Das Thema ist, wie es sich für einen amerikanischen Film mit Unterhaltungsanspruch gerne gehört, die Familie, wie wohlig-mies die sein kann, wie nett und verlogen-lieb; so dass der verzweifelte Bub der Collins, einer Fischereiindustriellenfamilie, die in Amerika die Eleganz ihrer europäischen Herkunft mit dem amerikanisches Erfolgsstreben zu einer Wucht an protziger Schlosseskälte und Reichtum vereint hatte, untröstlich einsam war.

Dieser untröstlich einsame Bub heißt Barnabas, was laut Wikipedia vom Aramäischen abstamme und mit „Sohn des Trostes“ übersetzt werden könnte. Er sucht seinen Trost aus purer Einsamkeit in den Tiefen seiner Trauer, die wahre Liebe suchte er, aber eine neidische junge Hexe vernichtet ihm sein Liebesglück brutal und burtonmalerisch schön und verwandelt ihn in einen Vampir, ihn somit auch der Möglichkeit des Todes, der Erlösung beraubend, und beerdigt ihn in einem massiven Sarg, kettengesichert. Wir schreiben in etwa das Jahr 1789.

200 Jahre später. Sein Familienclan lebt inzwischen in kleiner Zahl  und verarmt im grauslichen Schloss in den dunklen Wäldern hoch über der Bucht von Collinsport an der amerikanischen Ostküste. Indiz für den Niedergang der Familie ist die Kürbisplantage beim Vorfahrtsrondell und auch die Figur von Schlossdiener wie aus einem Edgar-Wallace-Krimi erzählt wie es um diese Besitzung steht, wenn mans nicht schon beim verwucherten Gittertor begriffen hat.

Bauarbeiter stossen bei Erdarbeiten auf den Sarg von Barnabas und wecken ihn auf. Einen Vampir aus 200-jährigem Schlaf zu wecken, das kann den Bauarbeitern nicht gut bekommen. Die Leichen sorgen in Collinsport für Aufsehen. Die Hexe aus Barnabas Jugend, selbst ein Vampir, hat inzwischen die Collins aus dem Fischereigschäft weitgehend ausgebootet. 1972 oder auch 1971 heisst sie Angelique Bouchard. Mit ihrem knallig roten Sportwagen fährt sie im Schloss vor, denn ihr war durch die grausliche Mordtat an den Bauarbeitern klar geworden, dass Barnabas seinen Sarg verlassen haben dürfte.

Somit kann also Tim Burton Johnny Depp (wobei es produktionstechnisch gesehen gerade umgekehrt ist, Johnny Depp ist hier auch Produzent) reaktivieren mit weißer Mephisto-Maske und langen Fingernägeln und einem schön gesetzten, gelegentlich etwas zögerlichem oder tänzelndem Gang und oft einem Stöckchen in der Hand.

Der Zeitsprung von 200 Jahren geben Burton und seinen Autoren Gelegenheit für einige weitere Jokes oder Verwunderlichkeiten, Teer ist wirklich ein bemerkenswertes Material (fast wie Blut ein besonderer Saft ist) und die Gegenüberstellung von MacDonalds-Werbung mit mephistophelischem Denken löst auch einen kleinen Aha-Effekt im Zuschauer aus.

Depp begibt sich also nach seinem Arbeiter-Frühstück schnurstracks zum Familienschloss, stellt sich als Verwandter vor und nur der Schlossherrin Elisabeth, die wird von Michelle Pfeiffer gespielt, gibt er sich als der Vorfahre zu erkennen, der er ist, zum Beweis wendet er einige Kniffs an, die Geheimtüren und –Gänge öffnen, deren Wissen in der Familie offenbar verlorengegangen ist. Die anderen Familienmitglieder dürfen das nicht erfahren, halten ihn für einen Verwandten aus Europa und auch aus dieser Diskrepanz heraus lassen sich ganz akzeptable Jokes entwickeln. Culture Clash über die Jahrhunderte: die Makramé-Sachen im schweren alten Holzschrank, die sind für einen auferstandenen Vampir wirklich degouttant.

Zum wenigen festen Hauspersonal gehört noch eine Psychiatrin. Die kommt dem Vampirismus von Barnabas bald auf die Spur, wird ganz wild auf die damit verbundene Qualität der ewigen Jugend, sie rät ihm zu einem Blutaustausch und will sich selber sein Blut aneignen. Da Barnabas dahinter kommt, endet es nicht gut für die Psychiatrin. Sie wird der nächste Happen auf dem Speiseplan von Barnabas. Wobei sie ihm noch auf ein wunderbares anderes Menü (unwissentlich?) hingewiesen hat, er solle doch entspannen bei einer Gruppe Hippies, bei diesen lieben, netten, jungen, „unrasierten“ Menschen. Die werden zu einem prächtigen Saugmahl.

Als Fremdpersonal ist neu hinzugekommen die blutjunge Viktoria, eine Wiedergängerin seiner Jugendliebe, die dann von der Hexe in den Tod getrieben worden ist. Hier wäre der Punkt für einen Funken Hoffnung im tristen, nie zu beendenden Circulus Vitiosus eines Vampirs. Hier ist auch die Beziehung, die ausgenommen ist vom prinzipiellen Versuch von Burton und Depp, dem Gothic den schweren Ernst zu nehmen, ihn mit leichter Lach- und schlagermusikschlagseitiger Muse aufzupeppen. Den Gothic auf die leichte Schulter nehmen, das scheint die Übung, die sich Burton/Depp vorgenommen haben.

Am deutlichsten artikuliert wird dieses Vorhaben vielleicht in der Begegnung zwischen Depp und der pubertierenden Göre im Hause, die unter Coolness nicht unbedingt Gothic zu verstehen scheint. Ganz fasziniert ist der Vampir von der Lampe, in der immer rote Bubbles rauf und runterwandern. Caroline, so heißt die einzige Tochter von Elisabeth, betrachtet den ganzen Vampirzirkus aus cooler Distanz wie von oben herab.

Schießlich verlangt die Kompaktheit einer solchen Geschichte auch die Spiegelung der Hauptfigur in jung, das ist der gestörte, verstörte Junge David, zu dessen Betreuung die Psychiatrin hauptsächlich da ist.

Depp spielt wie immer sehr körperbewusst, setzt gekonnt, leicht und spielerisch Blicke, Gesten und Gänge. Schön, wenn er 200 Jahre nach dem Einschlafen wieder Boden unter die Füsse nimmt und plötzlich Teer vorfindet, da wird das Spiel zu Show, alles wunderbar platziert, in den Raum und auf die Leinwand gestellt in jeder Sekunde. Und auch seine deutsche Synchronstimme kann man wirklich gelten lassen, die bringt gerade auch die Jokes gut gesetzt rüber.

Sicher sind die Bildwelten in diesem Film Tim-Burton-Bildwelten, was als ein Qualitäts- und Kreativitätsbegriff für sich stehen kann, einschränkend entsteht aber hier bei mir der Eindruck einer Kreativitätsroutine auf allerdings erklecklich genießbarem Niveau.

In Berlin setzt die Filmemacherin ihren Vater neben sich auf eine Matratze am Boden, so hockend will sie ihn vor der Kamera zum Reden bringen über sein Leben, was durch Krieg und Vertreibung durcheinander geraten ist, aus den Fugen geraten ist, so dass er heute erkennt, eigentlich habe er nichts. Er ist ein Unsteter, ein Ashaver, wie man den rastlosen Juden zu nennen pflegte. Er ist aber kein Jude, er ist einer der Palästinenser, die einen hohen Preis für die Gründung des Staates Israel zu bezahlen hatten und immer noch bezahlen. Jener Palästinenser, die vertrieben wurden aus ihren angestammten Häusern und ganz in der Nähe davon in Lagern leben mussten. Und wenn sie nicht ausgewandert sind nach Deutschland zum Beispiel, heute noch in Lagern leben, nach Jahrzehnten also in den von Israel besetzten Gebieten.

Der Film besteht aus mehreren fahrig ineinander geschnittenen Elementen, dem unruhigen, sprunghaften Rhyhtmus des Lebens des Vaters nachempfunden, eines Lebens, das früh aus der Bahn geworfen worden ist und nicht leicht was auf die Reihe kriegt, damit einen sinnlichen Eindruck vom Wesen dieses Mannes, um den man sich gelegentlich ängstigen möchte, vermittelnd.

Ein Element ist die Voice-over der Regisseurin selbst, die in Prosa-Texten von literarischer Qualität von ihrer Kindheit und ihrem Vater berichtet. Das zweite wurde bereits erwähnt, das ist der Gesprächsversuch mit dem Vater, neben ihm auf dem Boden in der Ecke sitzend. Das dritte sind Geschichten und Erzählungen einer älteren und einer ganz alten Frau, das eine dürfte die Mutter sein, das andere die Großmutter und eine Tante kommt auch noch vor. Das vierte Element schließlich ist eine Reise, die Pary El-Qalqili mit ihrem Vater nach Palästina unternommen hat.

Von Ägypten aus wollten sie nach Palästina einreisen, nach 16 Stunden Wartens an der Grenze mussten sie erst mal umkehren. Das sind so Dinge, die die Wut in ihrem Vater nähren. Er hat immer gegen Israel gekämpft, er war im Gefängnis, sie wollten ihn nachher als Spitzel einsetzen, nur dann wurde ihm ein Pass in Aussicht gestellt; da hat er den Freiheitskampf aufgegeben, sich in den Winterschlaf, wie er sagt, zurückgezogen. Oft ging er in den Wald.

Er hat im besetzten Gebiet sein Haus gebaut, aber keiner von seiner Familie wollte dorthin ziehen. Glücklich ist er, wenn er unterwegs in einer Taxe ist, dann singt er, dann geht es ihm gut. Aber sein Haus ist inzwischen von einer fürchterlichen Betonmauer fast ganz umgeben, schlimmer als „die Mauer“ von Berlin, Entwurzelung einerseits und Einzäunung andererseits, weiteres Anfeuerungsmaterial für seine Wut. Die zeigte sich dann, wenn er wieder in Berlin war so, dass er sich wochenlang in den Keller verkroch. Daher kommt der Titel, Schildkrötenwut.

Dieses Vaterportrait von Pary El-Qalqili weist allerdings weit über den Rahmen einer familiengeschichtlichen Reminiszenz fürs Familienalbum hinaus. Es steht stellvertretendf für Millionen von Vertriebenenschicksalen, auch wenn jeder Einzelne individuell reagieren mag. Man sieht einen Menschen, dessen Leben durch die Vertreibung durcheinandergeraten ist und offenbar auch nie einen Frieden oder eine Ruhe finden wird. Den hätte er, wenn er mit seiner Familie in seinem selbst gebauten Haus in seiner Heimat, wohnen könnte, behauptet er. Aber das Haus steht leer, die Nachbarn betrügen ihn und eine mächtige Betonmauer schließt es vom freien Zugang zur übrigen Welt ab.

Deutsche Politiker, die U-Boote nach Israel oder Panzer nach Saudi-Arabien liefern wollen, täten gut daran, sich statt dessen diesen Film anzuschauen, zu sehen, was Krieg alles anrichtet, wie nachhaltig Krieg und Vertreibung Menschen aus dem Gleichgewicht bringen kann.

Interessant, dass sich die Tochter immer als Beschützerin des Vaters gefühlt hat, gegen die Mutter, gegen die Deutschen, gegen die Israelis.
Apropos Waffen: die einen liefern sie und die anderen töten Menschen damit, der Vater sagt „der eine schießt und der andre Kauft Patronen für ihn“
Der Vater wurde noch in der Wüste geboren; er hat 17 Geschwister, die alle irgendwo auf die Rückkehr warten.
Vater hat immer für die Freiheit Palästinas gekämpft.
Er war immer verdächtig als Palästinenser, als Muslim, als Asiate, als Araber, meint er.
Er hat Angst vorm Wasser.
Ein Vater, dessen Bild für die Tochter wie eine Leerstelle ist. Sie erinnert sich, dass er ihr zur ersten Menstruation Blumen geschenkt hat.
Kalkilia ist seine Stadt, obwohl er dort gar nicht geboren worden ist. Dort hat er das Haus gebaut. Was macht man, wenn Ausgangssperre ist und man nicht mal die Fenster öffnen darf. Er allein in seinem Haus. Er schlief wohl meistens, denn zum Spielen hatte er niemanden. Schlafen (träumen?) spielen, hört sich nach Hamlet ein, irgendwie halt.

Für seinen Plot greift Besson eine Zukunftsidee auf, die bestimmt Sicherheitsbehörden oder Geheimdienste schon mal erwogen haben dürften: Schwerverbrecher in eigens konstruierten Stationen im All unterzubringen. Bei Besson werden sie in eine Art künstlichen Tiefschlaf, „Stasis“, versetzt. Mit dieser Idee streift Besson leichthändig ein schwieriges Thema unserer Zeit: der Strafvollzug, auch wenn er das nicht weiter vertieft, es ist doch ein Schmerzpunkt, dass Menschen immer noch Menschen einsperren zu müssen glauben, teils lebenslänglich.

Allerdings gerät der vermeintlich sichere Vollzug im All in diesem Film außer Kontrolle.

Die Tochter des amerikanischen Präsidenten, Maggie Grace als Emilie Warnock, informiert sich in einer humanitären Mission zur „MS One“, der Knast-Raumstation 50 Meilen über der Erde über diese Art modernen Strafvollzugs.

Parallel wurde Undercoveragent Snow, Guy Pearce, ziemlich unsanft, aber in Besson-Brillianz inszeniert, verhört. Er ist hier als ein expressiv sich exponierender Agententyp mit kalter Schnauze und immer einem Gegenwort statt einer gewünschten Antwort charakterisiert, der damit jedesmal einen Faustschlag ins Gesicht als Quittung erhält. Er wird verurteilt und soll in den Weltraumknast verbracht werden.

Gleichzeitig lässt sich die Präsidententochter im Weltraumknast die „Prisoner Stasis Procedure“ vorführen. Ein Häftling wird aus seinem Hochsicherheitsaufbewahrungsfach herausgenommen und aufgeweckt. Der nutzt nun die Chance, und Besson trödelt keine Sekunde, das geht Schlag auf Schlag, wie schon alles bisherige, der Gefangene nutzt also die Chance, seine Bewacher zu überwältigen, die Mitgefangenen aufzuwecken, die „MS One“ in seine und der Gefangenen Gewalt zu bringten. Gefangenenrevolte im Weltallknast.

Einer der Häftlinge, Mace, hat das Wissen über den Verbleib eines Koffers, an dem Snow interessiert ist. Das benutzen die alarmierten Sicherheitsbehörden nun, denn die wissen, dass die Präsidententochter in den Händen der Knastis ist, Snow zu überrreden, sich auf die Station fliegen zu lassen und die Geisel zu befreien. Damit kann er seine eigene Freiheit erkaufen.

Somit wird nun rasant und elegant zugleich die ganze Befreiungskiste in Gang gesetzt. Immer werden die modernsten technischen Geräte, die es schon gibt, oder die es noch nicht gibt, eingesetzt. Besson liebt die Spielereien damit. Und aus der Befreiungsgeschichte wird, man möchte fast sagen: augenzwinkernd, auch noch eine Liebesgeschichte zwischen Snow und der Präsidententochter. Aber bevor die Liebe kommt, muss Emilie Snow gehörig nerven mit ihrem Gelabere, wobei die Mund-zu-Mund-Beatmung schon hinter uns liegt.

Snow stattet sie mit einem Gewehr und einem synthetischen Apfel aus mit der Bemerkung „here is a an apple, here is a rifle, dont talk to strangers, shoot them“. Oder vorher, wie sie noch blutete „stop the bleeding and hopefully the talking”. Der Film ist voll solch lockerer Sprüche, die zeigen, dass die Filmemacher nicht nur begeistert von ihrem Genre sind, sondern dieses auch mit Pep undd einer Idee von Esprit servieren wollen.

Mit wenigen Strichen charakterisieren sie die Nebenfiguren. Den Gefangenen mit dem blinden Auge und dem riesig offenen Mund, der vom Hals aus immer in Bewegung gehalten wird. Mace, der Freund, der völlig durchgeknallt scheint und für jedes Wort, was er sagen will, einen halben Dadaismus an klang- und lautähnlichen Wörtern runterspult und irgendwie herrlich weggetreten wirkt. Der Chef der Aufständischen, eine Figur, dem eine Mischung aus Ähnlichkeiten von Jean Reno und George Clooney als Maske und auch als Spieltick gegeben wurde. Und Snow, der immer aufbegehrt, immer am Rande der Überforderung steht, sich aber nie verbiegen lässt und immer mal wieder vernehmlich schwer schnauft.

Bestens genießbares europäische Action-Kino.

Vor lauter Youtube und dem Titelthema Hochzeitsvideo und damit Lustigseinwollen haben der Drehbuchautor Gernot Gricksch und auch der Regisseur Sönke Wortmann vergessen, worums im Kino beim Thema Hochzeit immer geht und immer gehen muss: die Liebe.

Einmal nur sprechen die Braut und ihre Freundin in einer Wartezeit beim Tättowierer darüber, dass Pia, die Braut, ihren Bräutigam, Sebastian, wirklich liebe und dass ihr Ex-Freund, der Pornodarsteller, ihr das nicht geben konnte, was der Adelige Sebastian ihr geben kann.

Der einzig echte Youtube-Szene kommt ganz am Schluss des Abspanns, da spielt wie improvisiert Stefan Ruppe einen Rap zum Thema Ehe mit dem Schlusskommentar, „das wars in etwa“.

Aber es wars eben höchstens „in etwa“ mit diesem Film, dessen Substanz sich in Komplikationen, die sich auf dem Weg zur Hochzeit einstellen können, erschöpft. Die Story ist „in etwa“ die, dass Daniel, der Freund des Bräutigams, die ganzen Vorbereitungen und die Hochzeit filmen soll und das natürlich auf Youtube veröffentlichen wird, so habe ich das verstanden. Der Film tut also so, aber er tut es lange nicht konsequent, dass er aus den Aufnahmen von Daniel zusammengestellt worden sei.

Aber wenn das alles so privat und für Youtube aufgenommen wird, wieso sind die Darsteller teils so brutal überschminkt? Man wundert sich nach einer Szene zwischen Bräutigam und Freundin der Braut, wie die Kamera, von der behauptet wurde, Daniel habe sie aufgestellt, um dem Bräutigam via Kamera etwas zu sagen und dann platzt die Freundin der Braut rein und dann gehen sie aus dem Bild und noch bevor sie die Kamera grabschen können, fängt die an hochzusteigen und guckt über eine Mauer, hinter der gerade der Fabian mit einer dicken Frau gefickt hat; aber sie findet ihn nicht dick genug.

Filme, die eine Hochzeit zum Ziel haben sind nichts Neues; die Werbung von „Das Hochzeitsvideo“ bezieht sich ausdrücklich auf „Hangover“ und „Brautalarm“ – und tut sich damit nicht unbedingt einen Gefallen. Weder geht es um Existenzielles, Tiefcharakterliches wie bei „Brautalarm“, wo jeder Figur sehr gut skizziert war und es immer um die Liebe ging, noch geht es um eine überbordende Sause wie bei „Hangover“, wo immerhin mords was los war und auch die Charaktere deftig.

Hier geht es darum, dass der Freund des Bräutigams ein Video für Youtube, wie immer wieder erwähnt wird, herstellen soll über die letzten Tage vor der Hochzeit, also die Vorbereitungen, Junggesellenabschied, Polterabend, Ziviltrauung bis zum Höhepunkt der kirchlichen Trauung. Eine Videoreportage für die Zeit von Dienstag bis Sonntag.

Durch die Kameraführung wird der Bräutigamsfreund als ziemlich ungeschickt und verwackelt charakterisiert. Jeder junge Mensch heute geht souveräner mit der eigenen Kamera um. Aber der die Regie führt, ist im Vergleich zur Youtube-Generation bereits ein in die Jahre gekommenes Fossil, das zuletzt die Päpstin als Stand-In von Volker Schlöndorff mit großem Aufwand verfilmt hat, Sönke Wortmann, der im Interview sehr witzig sein kann.

Wie soll er da plausibel die Freiheit und Frechheit und Spontaneität eines Hobbyfilmers imitieren können. Dann hat er ein miserables Drehbuch in der Hand, was unter Drehbuch Pointen dreschen versteht unabhängig von den Charakteren der Darsteller, die gar nicht erst entwickelt worden sind. Ganz zu schweigen von den grausam geschriebenen Pfarrerszenen.

Auch ist nicht zuerst eine intakte Liebesbeziehung gezeigt worden, ist nicht die Erwartung auf ein tolles, rauschendes Fest hochgeschraubt worden, also die simpelsten dramaturgischen Tricks, um ein Publikum zu gewinnen und dann bei der Stange zu halten und es anschließend lustvoll daran teilhaben zu lassen, wie ein traumhafte Illusion allmählich zerbröselt, hielt man hier nicht für berücksichtigenswwert.

Szenen müssen gezwungen originell sein, ob die Anprobe mit Kummerbund und billigen Pointen dazu beim Bräutigam oder eine sehr erzwungen wirkende Originalität der Vorbesprechung beim Pfarrer. Man hat den Eindruck, keiner nimmt hier den Charakter seiner Rolle ernst, weder das Drehbuch, noch die desinteressierte Regie noch die Darsteller selber. Wobei bei letzteren ein paar Abstufungen zu beobachten sind. Der Pfarrer spielt seine Rolle zwar ernsthaft, aber die Texte und wie die Szenen, vor allem die Hochzeitszene auf Kilometer erwartbar aus dem Ruder läuft, sind so hanebüchene Reaktionen, dass die der Figur die letzte Glaubwürdigkeit nehmen. Susanne Tremper ist als Mutter der Braut immerhin eine Type mit Charakter. Sie erinnert auch gerne an die Vergangenheit der Adeligen-Villa als SS-Quartier und hat überhaupt ne recht kecke Schnauze.

Aber zum Beispiel die Kostümanprobeszene, da glaubt man sich auch von der lausigen Auflösung her in einer Daily-Soap. Vielleicht verwechselte Söhnke Wortmann Youtubehaftigkeit mit verwurstelter Szenenauflösung. Es gibt auch gar nicht erst eine erzählerische Rahmenhandlung, die nicht youtubisch ist. Es fängt youtubisch an und zwischendrin ist man irritiert, ist da jetzt doch eine auktorial erzählende Kamera oder wessen Handy oder Kamera nimmt das und das jetzt auf?

Es fehlt bis auf den vorhandenen chronologischen Faden auch die Klarheit, wie der Zusammenschnitt der Szenen zustande gekommen ist; ob da noch jemand rüber gegangen ist übers ganze Material oder ob Wortman für uns so eine Art Musterschau veranstaltet mit sehr häufigen Blacks drin, wenn wieder jemand ganz unnatürlich gefordert hat, man möge die Kamera ausschalten.

Eine große Krux in dem ganzen Verhau ist auch ein schauspielerisches Problem. Einerseits gibt es Szenen, wo die Darsteller unbeobachtet sich geben müssen, wo die Kamera als versteckte Kamera wirkt, da agieren die Akteure aber durchs Band viel zu schauspielerisch, darauf müsste eigentlich ein so renommierter Regisseur achten. Dann die Variante, dass die Leute wissen, dass sie gefilmt werden und so tun als ob sie es ignorieren, wobei dieses Ignorieren auch noch in Varianten unterteilt werden könnte und dann noch die Variante, wo sie direkt in die Kamera sprechen. Diese Unterschiede nicht ganz präzise rausgearbeitet zu haben, würde ich als eine ziemliche Schlampigkeit bezeichnen.

Besetzung Brautvater und Brautmutter unglaubwürdig. Wobei immer das außerordentlich schwache Drehbuch dazukommt, was die Charakterisierung der Figuren betrifft. Auch dem Ex-Porno-Darsteller nimmt man diesen Job einfach nicht ab, weiß nicht wieso.

Die Casterinnen Anja Dihrberg und Suse Marquardt haben offenbar kein Auge für die Kinoqualitäten von Schauspielern, wobei durchaus angenehm auffälllt, dass einmal nicht die ewig gleichen Subventionsgesichter zu sehen sind. Aber die jungen Mänenr, die schauen alle aus wie Klone aus der Rasierwasser- oder Unterwäschewerbung und die Frauen sind generell zu hart und zu schrill. So können sich unter den Darstellern keinerlei Beziehungen entwickeln. Ist wohl gar nicht erst beabsichtigt, da es sich vornehmlich ums Kalauern und Pointendreschen handelt, ohne Rücksicht auf die Charaktere. Das ist die große Drehbuchschwäche. Dass es sich überhaupt nicht mit den Charakteren beschäftigt. So kommen unspannende Klischeefiguren raus, die niemand im Kino sehen will. Die Frauen am Jungesellinnenabschied viel zu hart und zu schrill.

Youtube-Filme sind allesamt viel lustiger und spontaner. Das Kino des Sönke Wortmann ist gegenüber Youtube ein Greisenkino.

Es sind schon Ähnlichkeiten mit privaten Homemovies da. Der Unterschied ist allerdings, dass die Zuschauer beim privaten Movie die Geschichten und Charaktere der Partizipienten kennen, während hier der Zuschauer kaum Vorgeschichte von den Figuren und schon gar nichts von ihren Konflikten mitkriegt, lediglich Probleme mit der Organisation der Hochzeit oder des Abwehrens einer unerwartet auftauchenden und Verwirrung stiftenden Vergangenheit in Form des Pornodarstellers Keule.

Mei, und der Standesbeamte schaut sich zuhause Filme mit Hunden an.
Lustigkeit komm heraus, wir erwürgen Dir. Gilt auch für die Hochzeitszeremonie in der Kirche. Der Pfarrer sagt da ziemlich dumme Sätze “dann wollen wir mal gucken, ob wir Sie noch unter die Haube kriegen“. Unsägliche Krampflustigkeit. Nicht ansteckend zum Glück.

Dann noch einige TV-bescheidene „Was ist denn hier los?“-Sätze.

Nu, dann wollen wir mal gucken, ob wir mit so einem Film die Zuschauer ins Kino locken.

Er macht dann, wie er sich seinem Haus nähert, noch den Versuch einiger befreiender, tänzelnd-tänzerischer Schritte. Übersprungshandlung? Kommentar zum eigenen Jogging? Vor seinem Haus warten zwei Typen, die im weiteren Verlauf des Filmes keine Rolle mehr spielen werden. Sie wollen von unserem joggenden Schamanismus-Hörer ein Bettgestell kaufen. Sie sind aber zu früh da. Aha, die sind zu früh. Was hat das für eine Bedeutung, dass es im Drehbuch geschrieben und dringelassen worden ist? Zu früh für einen Bettgestellkauf. Auch das Bettgestell wird im weiteren Verlauf des Filmes keine Rolle mehr spielen.

Die ersten Szenen eines Filmes setzen den Zuschauer auf ein Gleis oder den Zug der Spannung. Mit Joggen, Schamanismus-hören, zu frühen Interessenten für einen Bettgestellverkauf sind hier allerdings gleich zu Beginn drei extrem verschiedene Signale gesetzt, die nun, manchmal arbeitet das Zuschauerhirn sehr schnell, erstmal so gar nicht wie der Anfang einer Geschichte aussehen, aus denen sich das arbeitende Zuschauergehirn erst mal gar keinen Reim machen kann. Vexierspiel?

Die Autoren Minu Barat und Michael Ebmeyer machen es mit diesem so beliebig scheinenden Anfang, mit wenig Gemeinsam-Nennerhaften dem Regisseur Ralf Huettner und seinem joggenden Hauptdarsteller Joachim Krol und auch dem Zuschauer nicht unbedingt leicht, sich mit den ersten herausgestellten Elementen des Filmes eine Geschichte ansetzen zu können. Da es sich um einen professionell sich gebenden Kinofilm handelt, muss davon ausgegangen werden, dass sich die Autoren bei einer solchen Exposition was gedacht haben. Aber was nur haben sie sich gedacht mit diesen expliziten Hinweisen?

Es kommt die Frau des Joggers dazu. Es gibt Andeutungen, dass die Ehe des Protagonisten nicht im besten Zustand ist. Der Jogger gibt noch die Info an seine Frau, dass er für seine Firma für eine paar Tage nach Sibirien verreisen müsse. Tja, der Anfang einer Geschichte kann ein schwieriges Unterfangen sein, das jedenfalls vermitteln uns die Autoren.

Die Firma stellt Dessous her, ist in Leverkusen ansässig und heißt Fengler – und wer jetzt dies Wortkombination Dessous-Leverkusen-Fengler lustig findet, der darf sich auch amüsieren; und findet es vielleicht noch lustiger, wenn er erfährt, dass unser Jogger Matthias Bleuel heißt.

Die kurze Exposition hat immerhin einen Eindruck von den Charaktereigenschaften des Protagonisten gegeben, er scheint entfernt eine Ähnlichkeit mit Mr. Bean zu haben (leider hat er nicht die entsprechenden Szenen), er scheint leicht schwerernöterisch zu sein, schwer von Begriff, er hat etwas leicht Verdattertes, ist wohl sehr zuverlässig und mit wenig Selbstbewusstsein ausgestattet (wenn er jetzt in eine Situation geriete, die zum Beispiel Selbstbewusstsein forderte, so wäre das vielleicht spannend) er scheint etwas kompliziert zu sein und ist nicht gerade ein Idealbild von Mann, hat möglicherweise viel geschluckt oder schlucken müssen in seinem Leben.

Es fehlt jedoch das pointierte Herausstellen einer brisanten Charaktereigenschaft, bei der schon die Erwähnung einer Reise nach Sibieren, den Zuschauer mit Vorfreude, Vorschadenfreude, Vorschaulust, Vorvergnügenslust oder einfach mit Spannung erfüllen würde. Diese Info hier ist allerdings in etwa so spannend, wie wenn ein Beamte mitten in einer Besprechung sagt, er muss mal schnell aufs Clo.

In Sibirien wird Bleuel sich voraussichtlich ebenso weltfremd bewegen wie hier, einerseits joggen, andererseits der Schamanismus-Lektüre frönen. Denn wir haben nichts über Schmerz- und Sehnsuchtspunkte von ihm erfahren, nicht sinnlich, nur theoretisch über den Köpfhörertext vom Schamanismus.

Auch blieben die Infos über die Ehe merkwürdig karg und so alltäglich und wenig signifikant, dass nun eine Sibirienreise garantiert nicht als Hoffnung gewertet werden könnte, daran was zu ändern. Diese Ehe war fast nur als hypothetisches Klischee-Konstrukt vorgetragen. Kann somit höchstens Ausgangspunkt für eine weitere hypothetische Erörterung bilden, nicht aber für ein sinnlich-erfahrbares Kinoerlebnis.

In Nowosibirsk legt Armin Rohde einen souveränen Auftritt als mafiaähnlicher Geschäftemacher hin, mit fettem Anzug und dicker Krawatte und er schmiert den Deutschen Bleuel an der Behörde vorbei. Bald schon sieht dieser bei einer Rast den Schamanen auf einem Pferd am Horizont vorbeireiten. Aha, ist er auf der Suche nach dem Schamanismus? Nein, er muss in einer Filiale von Fengler im einsamsten Sibirien, ja was muss er da machen, das wird gar nicht so richtig klar, er gibt zwar gelegentlich Erklärungen ab und eine Russin meint, er bräuchte eine Frau.

Sprachliche Schwierigkeiten sind immer dankbare Sujets, und um diese nicht ausufern zu lassen, wurde ein smarter Dolmetscher engagiert, der fließend russisch und ein sehr glattes Deutsch spricht. Der hat in Deutschland die Liebe seines Lebens kennen gelernt, die zu Bernd.

Was Krol in Sibirien zu erledigen hat, ist einigen Ausdrücken aus seinem Text zu entnehmen: „Compatibility Report“, „kürzere Transportwege“, „Leitlinien aus Leverkusen“. Das ist auch so ein dramaturgisches Problem, dem Zuschauer das Ziel einer Reise erst peu á peu bekannt zu geben. Das gibt der Vermutung Nahrung, dass es den Autoren auch gar nicht darum ging, dass das bloss ein billig konstruierter Vorwand für das Folgende zu sein habe. Man nimmt also fundamentale Glaubwürdigkeitsprobleme einer Story in Kauf, um das zu zeigen, worin man sich vernarrt hat.

Denn schon ist die fröhliche Schar, die Fengler-Verkäuferinnen-Schar aus Sibirien mit dem Deutschen auf einem Rummelplatz. Dort hört Bleuel die Sängerin Sajana mit Kehlkopfgesang, die auch schorische Lieder singt. Er verliebt sich sofort in sie und in ihren Gesang. Der ist in der Nähe des Schamanismus anzusiedeln. Uns überrascht das nicht sonderlich. Wieso nicht? Weil das mit dem Schamanismus-Faible bereits in der Figur angelegt ist. Bleuel gerät nicht in einen Konflikt, er begegnet lediglich einer Sache, die eh schon Teil von ihm ist. Und sein Pflichtteil ist nicht so glaubwürdig fundiert worden, dass es zu einem Konflikt reichen würde.

Bleuel sollte drei Tage bleiben. Aber er verlängert die Geschäftsreise wegen Kehlkopfgesang und Schamanismus und Sajana. Und noch bevor wir kapiert haben, was los ist, wird aus dem Film, dessen Ziel wir bis jetzt noch nicht ganz verstanden hatten, ein netter Werbefilm für Sibirien, seine Landschaften, für schorisches Spa qua Sauna. Denn Bleuel und sein dolmetschender Begleiter geraten in immer abgelegener, schönere, untechnisiertere sibirische Landschaften. Einzig die erklären uns plausibel, dass ihretwegen der Film nämlich gemacht worden ist und dass als Vorwand notdürftig und offenbar mit nicht zuviel Bedacht, eine „Geschichte“ von den Autoren zusammengeschustert worden ist, die an allen Ecken und Enden leidet. Verwunderlich allerdings, dass Ralf Hüttner diese erfolgsbeschränkenden Schwächen nicht gesehen haben will.

Für den Zuschauer stellt sich allenfalls als einziger Mehrwert, jener einer touristischen Information über eine untouristische Gegend ein, wenn ihn das denn interessiert. Oder vielleicht sind Esoteriker wegen dem Schamanenthema als Zuschauer für den Film zu gewinnen. Man erfährt aus schamanischem Munde etwas über die Befreiung aus dem eigenen Gefängnis. Aber von einem Gefängnis war bisher weder Rede noch Bild noch Symbol. Oder war das Bettgestell am Anfang des Filmes, das ausrangiert werden sollte, das Symbol für das Gefängnis, in dem Bleuel steckte?

Netter Witz nach Sauna: neugeboren bei den Schoren.
Ach ja, Bleuel hat auch eine Tomatenallergie, er bekommt von ihnen einen anaphylaktischen Schock. Auch das eine Eigenschaft, die leider im Drehbuch nicht spannungserzeugend eingesetzt worden ist.
Im übrigen ein sehr züchtiger Film.
Es gibt dann noch ein Lagerfeuerritual.
Irgendwann scheinen dem Filmteam in Sibirien die schorischen Ideen ausgegangen zu sein. Da haben sie in Leverkusen zu Ende gedreht.

Vor einer Wand stehen sich Marina und Bella gegenüber. Sie machen sich daran, einen Zungekuss auszuprobieren. Marina, die braunhaarig leicht Lockige hat überhaupt noch nie einen Kuss ausprobiert. Die schwarz-glatthaarige Bella will ihre Freundin in die Kunst des Küssens einführen. Die Köpfe nähern sich, die Zungen züngeln, nähern sich, berühren sich. Es geschieht ohne Erotik, ohne Liebesbeziehung. Wie ein naturwissenschaftliches Experiment versuchen die beiden Frauen den Kuss zwischen zwei Frauen, den Zungenkuss und besprechen ihren Versuch darnach.

Die Angelegenheit ist merkwürdig schleimig. Es geht ums Frausein als Geschlechtsperson. Wie komplex das sein kann, wie frustrierend, wie unlustig. Es geht auch um den Traum von der Liebe. Den illustriert rein akkustisch ein französisches Chanson. Es geht um Träume von der Liebe, die erschrecken macht.

Es gibt einige Passagen im Film, da lässt die Regisseurin Athina Rachel Tsangari ihre beiden Protagonistinnen in kurzen Röcken und mit Stiefeln, Arm in Arm Tanzschritte ausführen. Das scheint wie eine kleine Hommage an Pina Bausch. Einmal tanzen die beiden Freundinnen nicht, da denkt man erst, sind die jetzt im Innenhof einer psychiatrischen Anstalt, sie gehen so gedeckt, so überruhig und erzählen sich Träume, die eine hat von einem Pimmelbaum geträumt, alle Arten von Pimmeln, die andere, Marina, die sich nicht so richtig über Männer freuen kann, hat von einem Busenbaum geträumt. Sie hat auch einen sterbenskranken Vater und einen Beruf, zumindest einen Job.

Marina ist Fahrerin in einem Industriebetrieb, der Rohstoffe abbaut; das Schlussbild findet vor malerisch roten Abraumhalden statt, durch welche LKWs kurven.

Die Männer im Film sind alles sehr ähnliche Typen mit ähnlichem Haar- und Bartschnitt, insofern nicht leicht zu unterscheiden, am ehesten noch der Bestatter, weil der älter scheint. Sich ähneln tun der Vater von Marina, ihr Fahrgast und der Mann, mit dem sie in einem Hotelzimmer ungeschickte Geschlechtsverkehrsversuche unternimmt. Aufzeigen, wie schwierig so ein Akt sein kann.

Nebst dem Industriebetrieb gibt es noch einen Stadtteil aus geometrisch angeordneten, flachen, weißen Mauerbauten und einem einzigen, futuristisch in den Himmel geschraubten Wohnhochhaus. Von da gucken die beiden Freundinnen auch mal auf die Straße runter und spucken was das Zeugs hält.

Marina will ihren Geschlechtspartner für sich behalten, auch dem Vater will sie ihn nicht vorstellen. Sie befürchtet, ihre Freundin würde mit ihm flirten.

Die Locations werden so gefilmt, dass der Eindruck entsteht, sie liegen an einer griechischen Bucht. Einmal fährt der Vater mit den beiden Freundinnen Boot. Wieso man bei diesem Film durchaus zuschauen kann, auch bei einer solchen Szene, das dürfte daran liegen, dass sich die Regisseurin einfach Zeit lässt. Sie schaut zu, wie die beiden mit dem Vater von Marina Boot fahren. Dinge geschehen lassen.

Dann wird wieder viel diskutiert. Über das Geschlechtliche, über die Liebe. Direkt köstlich ist die Liebesszene von Marina, in der sie alles zerredet. Kein Wunder, dass sich beim Mann unter ihr kaum was regt.

Reichlich akademisch kommt mir der Satz von Spyros vor, so heißt der Vater von Marina, er boykottiere das 20. Jahrhundert und damit meint, dass er wohl ins Jenseits gehe. Auch darüber gibt es ein Gespräch zwischen ihm und seiner Tochter, über die absehbare Bestattung. Sie solle die Asche in Griechenland ins Meer verstreuen. Dann gibt es Spyros-Suppe. Dem hält er entgegen: Bouillabaisse.

Nichts gegen die Gekünstelheit von Gesprächen und Texten. Aber irgendwie möchte man dann doch auch etwas erkennen damit, Gedankenspiele nachvollziehen können. Wie Gespräche mit dem Bestatter aufkommen, wie sie offenbar inzwischen weitherum im Kino in Mode sind – vermutlich um zu zeigen, wie es um unsere Bestatter- und Totenkultur bestellt ist – kommen mir doch leise Zweifel an diesem Film. Was will uns die Regisseurin „zeigen“? Was will sie uns erzählen? Dass Frausein schwierig ist?

Angenehm am Film, dass keine Handies vorkommen und ganz in diesem Sinne ist auch der Satz: „wir hatten niemals einen Fernseher verwendet“. Nach all dem und dem Problematisieren lässt die Regisseurin über den roten Abraumhalden und nachdem die Protagonistinnen das Bild verlassen haben, noch ein französisches Chanson spielen: es geht um das Verliebtsein, die Zeit der Liebe, an die man sich erinnert.

An welche Liebe genau will sich die Regisseurin mit diesem Film erinnern? Oder sind ihre Erinnerungen für sie so gefährlich, dass sie sie in einen recht abstrakten Postulatsfilm packen muss? Muss man den Film eher als Psychogramm einer unbefriedgten/unglücklichen Frau zu lesen versuchen?
Der Film heißt Attenberg, weil die Protagonistinnen, mal einzeln mal zu zweit am Fernsehen Tierdokumentationen schauen von Sir David Attenbourough, griechisch klingend wie Attenberg.

Ein in seinem kreativen Beruf erfolgreicher junger Mann erhält die Diagnose Krebs. Herzerschütternde, herzerweichende Reaktion der Mutter, die Freundin wird bald schon fremd gehen, der Kumpel kann es erst nicht ernst nehmen, liest aber später das Buch und bleibt bis zur schwierigen Operation am Rücken, die gut verläuft und nach welcher der Film bald zu Ende, ist ein guter Kumpel.

Sehr komisch gezeichnet die psychiatrische, ärztliche Begleitung, eine ganz junge Frau. Unser Patient, er heißt im Film Adam und wird gespielt von Joseph Gordon-Levitt, wundert sich, erfahren zu müssen, dass er erst ihr dritter Patient sei, also nichts anderes als ein Versuchskaninchen. Das führt zu komischen Szenen mit einigen gemischtgefühligen körperlichen Berührungen durch die Ärztin.

Adams Kumpel heißt im Film Kyle und wird gespielt von Seth Rogen.

Es ist ein Film, der modellhaft diverse Situationen um und nach einer solchen Krebsdiagnose zeigt. Auch die Chemotherapie, das Scheren des Kopfes, die anderen Patienten bei der Chemo, die Witzeleien, die sie machen. Man kann mit dem Tod und der Todkrankheit ja nicht nur immer bierernst umgehen, das will dieser Film zeigen. Es ist ein Mutmachfilm für den Umgang mit dem Krebs, mit der Mode- oder Zeitkrankheit Krebs.

Die Freundin flirtet bald schon auf einer Vernissage mit einem bärtigen Künstler; sie hat selber Bilder gemalt, eines nennt sie „Depression“. Wie Adam sie rausgeschmissen hat, weil Kyle sie auf der Vernissage mit dem Bärtigen beim Küssen fotografiert hat – auf diese Entdeckung folgt eine lustige Szene: die beiden Buddies arbeiten mit Brennern am Bild rum, bis es was hergibt.

Wie Adam sich die Chemo-Glatze schneiden will mit dem Rasierapparat von Kyle, da fragt er ihn, wozu er, der Bärtige den eigentlich benötige, und er meint vielsagend: für den Körper, genauer, nach Nachfrage, den Arsch und Adam kann sich herrlich aufregen darüber, dass er den Apparat nicht mal gewaschen habe; nette Hygieneinputs in diesen Film, nach der Ermahnung reibt er dann mit einem Wattestäbchen die Creme ein und Adam sind da die Haare bereits wieder einige Millimeter gewachsen.

Der Vater von Adam ist dement.

Will Reiser hat das Buch geschrieben, Jonathan Levine die Regie geführt.