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Eine lange Meditation in Rot und zu Sitharklängen darüber, dass es weder Gut noch Böse gebe, mit beiläufig verhuschter Story erzählt und mit gelegentlichem Verschwimmen der Peripherie des Focus. Eine Art „Art Brut“ des modernen Kinos, nicht so grob und plump wie die neuesten deutschen Hinterkaifeck-Verfilmungen aber auch nicht so sophisticated, prägnant und abgehoben wie neuere Versuche von Godard oder von von Trier in der Nachfolge Rousseaus (Natur und Wald und Hirsch und Bach und Blut).

So kann ein Mensch ein schwieriger Mensch werden. Wenn er an das Wort des Vaters glaubt. Dieser Mensch ist Jinhee, ein Mädchen von neun Jahren. Sie wird vom Vater auf eine Reise mitgenommen. Doch daraus wird die  todtraurigschöne Geschichte einen Aufenthaltes im Waisenhaus,  eines hartnäckigen Widerstandes gegen die Unwahrheit von Vaters Wort und einer Freundschaft mit einem elfjährigen Mädchen, die aus einem Geheimnis besteht. Dies alles schnörkellos und ohne jenen besserwisserisch-anbiedernd-pädagogischen Untertext erzählt  wie er hierzulande Kinderfilmen allzu oft Ernst, Tiefe und Poesie raubt.

Hochhäusler hat mit seinem unbeherrschten Drang zum Design (von Klamotten, Ausstattung, Szenenbild, Dialogen und Figuren) die Chance vertan, deutsche Wirtschafts- und Finanzeliten glaubwürdig und damit kritisch darzustellen. Hier bashen lediglich Alphatiere ihre Texte souverän undifferenziert und der Film erbringt den Beweis, dass es nebst Analogkäse wohl auch den Analogfilm gibt. Als Scout einer grossen internationalen Produktion hingegen würde ich Hochhäusler sofort als Design-Berater anheuern.

Eine hohe Dosis Lateinamerika mit Drogen und High-Society und hochkonzentriert – aus dem exklusiven Blickwinkel von Sebastián Marroquín vormals Juan Escobar, dem Sohn des kolumbianischen Volkshelden, Drogendealers,  Milliardärs, Politikers, Drahtziehers und Sammlers exotischer Tiere, des Aufrührers und Mord- und Chaosanstifters Pablo Escobar. Den Sohn, der mit seiner Mutter in Buenos Aires lebt,  treiben offenbar Heimweh und der Wunsch nach Versöhnung.

Romanze eines verspäteten Fernfahrers mit einer abgehauenen Nutte inclusive philosophischer Gespräche über den Fahrtenschreiber, einem Zuhälter, der ständig in einen weinerlichen Ton verfällt, mit viel Figur- und Dialogerfindung am Computer und wenig Recherche vor Ort (konträr zu Scorsese, AMERICAN BOY und AMERICAN PRINCE hier am Festival) als gewöhnungsbedürftiger Versuch der Bebilderung von zarten Streicher- und Pianoklängen des Babelsberger Filmorchesters, immerhin mit einen schön fotografierten Münchner Messeturm und dessen gewaltiger Betonumgebung. Es ist kaum zu erwarten, dass diese Bild-Musik-Kombination in den Gehirnen der Zuschauer Tsunamis der Fantasie oder der Erkenntnis auslösen wird.

Das Risiko im Leben eines traumatisierten Bastards, der von den irischen Schulkameraden in einer roten Tonne einen Dünenhügel runter gegen das Meer gedonnert worden ist, besteht darin, dass er in der geringsten Konfliktsituation leicht wie eine Rakete losgeht und wie besinnungslos auf das auslösende Objekt eindrischt. Darüber berichtet der Schauspieler Conor McDermottroe mit erfrischend viel Engagement und mit der sorglosen Entdeckerfreude am Kino, wie sie einst die Pioniere hatten, beispielsweise wenn Occi, der Protagonist, der  angenehm weder das Heldische  noch das Opferhafte seiner Figur herauskehrt, auf dem Farrad mit der Pistole wild in der Luft gestikulierend einer Meute Hunde davonfährt, welche durch ein Stück Fleisch, was an einer Schnur hinter dem Fahrrad her auf dem Boden schleift, angelockt und gereizt wird.

Münchner Gschichten: BOGENHAUSEN ODER PERLACH, das ist die Frage. Riedel und Timm (als Co-Autorin) entscheiden sich für Perlach oder für Hasenbergl Dülferstrasse oder Messestadt Riem, da wo die kleinen Leute in den spriessenden neuen Münchner Quartieren wuseln, um zu überleben oder erlernen, andere zu manipulieren, um zu überleben. Und Riedel und Timm schauen genau hin. So scheint sich hier ein Kino zu entwickeln, was vom dokumentarischen Beobachten her kommt und uns hoffentlich noch einiges erzählen wird. Mit mehr Mut zu mehr Privacy und strengeren narrativen Zügeln um auch wieder zum Ende zu kommen, dürften die Voraussetzungen für wachsendes Publikumsinteresse gegeben sein.

Die erste Viertelstunde kommt der Mexiko-Fan was Landschaft und Weite und Wüste betrifft, voll auf seine Kosten, denn unser Protgonist und Armutsflüchtling Andrés durchmisst sie in Richtung USA. Nach einem misslungenen Grenzübertrittsversuch wabert der Film eine ganze Weile in der erotisch aufgeladenen Atmosphäre subtropischen Stillstandes im Grenzort Tijuana im Spezereiwaren-Lädchen von Ela und Cata und der gut gebaute Andrés dazwischen, dessen Gesicht so wenig über seine Geschichte verrät wie die sparsamen Dialoge. Eine kurze, auf den ersten Blick absurd anmutende Performance leitet dann das Ende ein.

Mein Eindruck: noch nicht reif fürs Kino. Empfehlung: Revision. 1. Zur Erdung der Hauptfigur mit dem norddeutsch sich anhörenden Vornamen Pit eindeutige Klärung, ob die Figur norddeutsch oder bayrisch sei. 2. Zur Erhöhung der Möglichkeit der Teilhabe des Zuschauers an der Bewältigung seiner Lebenskatastrophe, diese vom ersten Moment an krass offenlegen und sie nicht erst nach und nach verraten (den Zuschauer auf Anhieb mit einer Figur konfrontieren, die ein schier unlösbares Problem hat, das hätte zumindest die professionelle dramaturgische Beratung erkennen sollen). 3. Zur Erhöhung des Reizes der Biederkeit der Hauptfigur, sie mit mehr Rosinen, mit mehr exotischen Figuren um sie herum umgeben wie mit jener Dame mit der exaltierten Lache, die aus einem Almodovar-Film stammen könnte und die den Schrank schon voll hat mit seinen Schönheitsprodukten, denn im Moment unterscheidet Pit  sich in seiner grauen Biederkeit viel zu wenig von der grauen Biederkeit seines ihn umgebenden Castes; und Grau in Grau unterscheidet sich schlecht;  auch die Grufties bleiben seltsam grau, bis vielleicht auf seinen Sohn; die beiden Telefon-Gören wirken in ihrer künstlischen Aufgekratztheit auch nicht kontrapunktisch, denn sie spielen auf einer anderen Ebene der Ernsthaftigkeit.

Die Sehnsucht nach Nähe, Wärme, Schönheit, Schmerz, Glück, Reichtum, Natur und Meer, das sind Ursehnsüchte des Kinos. Francois Ozon kennt sie genau, ergeht sich in ihnen und bedient sie und mixt sie aus dem Effeff. Als Vorwand dient ihm eine Narrative, die den Ansprüchen des Groschenromans genügt. Für cineastische Importance fehlt der Stachel. In der Drogerie am ehesten unter Wellness-Lotions zu platzieren.