Hier wird ein brisantes Thema, das umstrittene, umweltzerstörende Fracking, in der umsichtig-behaglichen Atmosphäre, die ein Matt Damon ausstrahlt, behandelt.

Matt Damon hat mit John Krasinski auch das Buch geschrieben und Gus Van Sant hat die Regie geführt. Als spannendes Kontrastprogramm empfiehlt es sich die Dokumentation „Gasland“ von Josh Fox anzuschauen (Review: https://www.filmjournalisten.de/2011/12/09/gasland-dvd-start-und-verlosung/ ).

Matt Damon spielt Steve Butler, den Vertreter der 7-Milliarden-Fracking-Gesellschaft „Global Crosspower Solutions“, der zusammen mit seiner Mitarbeiterin Su Thomason, atemberaubend lebensnah von Frances McDormand dargestellt, in Kleinstädten in der Region von Iowa den Bewohnern Bohrrechte viel zu billig abkaufen soll. Und obwohl er hier den Bad Guy spielt, also denjenigen, der nicht nur die Bewohner für die große Company über die Ohren haut, sondern mit den Bohrrechten nach Gas auch für die Zerstörung ihres Lebensraumes sorgen wird, schafft er es mit einem allerdings ziemlich halblauen dramaturgischen Trick, den aufrechten, ehrlichen Zeitgenossen zu mimen, der sich „um etwas kümmert“, der „ein feiner Kerl“ sei, „ich bin kein schlechter Mensch“, der innerhalb dieses Filmes sein Bild des Bad Guys zum Good Guy reinwaschen kann. Denn noch vor der Rettung der Natur und des Menschen vorm Fracking steht doch die Rettung des Images des Schauspielers.

Die Regiehand von Gus Van Sant ist sensibel, oft untermalt er die Szenen mit ebenso sensibler Musik, ein paar Saitenzupfer da, ein Lied dort. Und immerhin bekommt das leidige Thema Fracking eine prominente Bühne. Steve Butler verteidigt die zerstörerische Gasfördermethode vehement. Es gibt Auseinandersetzungen, die an Deutlichkeit nichts zu wünschen übrig lassen, nachdem Butler erst den Bürgermeister mit getürkten Zahlen über den Tisch gezogen zu haben glaubt; was aber bei der Gemeindeversammlung auffliegt. Denn ein Lehrer, Hal Holbrook als Frank Yates, der entfernt eine Ähnlichkeit mit dem Knautschgesicht eines Joschka Fischer hat, ergreift das Wort; er lässt sich von Butler nicht irritieren, er hat hervorragend recherchiert und die Info, dass der Wert des Gases, das hier rauszufracken wäre, ein Mehrfaches dessen beträgt, was Butler vorgelogen hat. Das führt immerhin dazu, dass es in einigen Wochen eine Abstimmung geben wird. Die Zeit nutzt der Film, einige weitere Positionen zum Thema zu vertiefen. Denn plötzlich taucht ein Öko auf, Dustin Noble, überzeugend gespielt von John Krasinski, gegen dessen Argumente und Bilder von toten Kühen in der Landschaft von Nebraska kein Kraut gewachsen ist.

So müssen Butler und seine Mitarbeiterin mühsam versuchen, einzelne, klamme Landbesitzer zu überzeugen. Oder in der Bar „Bodys Place Tavern“ Männer zu überzeugen, wie es sei, wenn man Geld habe (einer kauft später einen Luxussportwagen), wie es sei, wenn sie „einen Arsch voll Geld“ hätten.

Um Lebensnähe glaubwürdig darzustellen, kommen weitere Komponenten ins Spiel:
der Kaufmannsladen mit dem sportlich scheinenden Verkäufer, hier besorgt Butler sich ein Flanell-Hemd wegen dem landschaftlichen Touch (er kann auch treuherzig erzählen, dass er selbst aus einer ähnlichen Gegend stamme und es geschafft habe zu studieren; dass das aber nicht geht, wenn die Leute kein Geld haben).
Oder wenn Butler einen Rummel-Fracking-PR-Event plant, fragt er Sue, ob er was vergessen habe, sie fügt trocken an: die Hüpfburg.
Oder wie Sue mit ihrem Sohn, der mit seinem Vater in Huston ist, skypt.
Oder, nette Pointe: Biosprit, das ist wie Frittenfett; dürfte mindestens für einen Kicherer im Zuschauerraum gut sein.
Oder der kleine Running-Gag, dass Butler keine Autos mit Gangschaltung fahren kann. Darum muss immer Sue ans Steuer. Einmal setzt er sich ans Steuer. Das ist gut für eine kleine von oben aufgenommene Parkplatz-Anfahr-Ruckel-Nummer. Oder Karaoke-Singen in der Bar. Oder das Trinkspiel „absoluter Wahnsinn“.
Oder der Satz von der Lehrerin Alice, zu der Butler ein Verhältnis entwickelt: du hast mich geküsst bevor du gekotzt hast. Lebensnähe.

Matt Damon ist sicher kein Querdenker, aber er versucht immerhin mit den ihm zur Verfügung stehenden Mitteln ein hochbrisantes Thema (zur Zeit des Filmes Gasland wurden in Washington die katastrophalen Auswirkungen des Frackings weitgehend unter Verschluss gehalten und es gab kaum eine Chance für eine umweltbewusste, umweltschützende Gesetzgebung) zu behandeln, allerdings ohne es mit jemandem verderben zu wollen, ohne jemandem weh zu tun, ohne eindeutig Partei ergreifen zu wollen. So wird daraus eine nette Familienkomödie, die immerhin einem brisanten Thema Öffentlichkeit gibt.

Die deutsche Synchro verpasst dem eh schon sehr zum Behaglichen Neigenden dieses Filmes zusätzlich einen Touch von Biederkeit.

Hier wird ein brisantes Thema, das umstrittene, umweltzerstörende Fracking, in der umsichtig-behaglichen Atmosphäre, die ein Matt Damon ausstrahlt, behandelt. Matt Damon hat mit John Krasinski auch das Buch geschrieben und...

Ein sympathisches Agit-Prop-Movie für die Sache der australischen Aborigines durchsetzt mit antörnenden Soul-Klängen.

Es wird die Geschichte von vier Aborigines-Sängerinnen erzählt, die zur Zeit des Vietnamkrieges für die amerikanischen Soldaten an der Front gesungen haben. Dem Film voran stellen Tony Briggs und Keith Thompson, die Drehbuchautoren, ein paar nüchterne Infos über die Behandlung der Aborigines in Australien durch die Weißen. Dass diese jene zuerst noch zu Fauna und Flora gezählt hätten und dann ein Hinweis auf die grauenhafte Politik, Kinder den Aborigines wegzunehmen und sie zu weißen Familien zu bringen, damit sie den „white way“ kennen lernen und auf diese Art erzogen würden. Man spricht von einer „lost generation“. Ihrem Andenken ist dieser Film von Wayne Blair gewidmet.

Die Geschichte fängt 1958 an mit vier munteren Mädels, die in weißen Röckchen im Reservat „Cummeragunja“ vor Publikum auftreten und Lieder schmettern. 1958 sind von den vier Mädels noch drei im Reservat geblieben. Das vierte war Opfer einer dieser Kindersammelaktionen und lebt nun in Melbourne, spricht einen gehobenen Akzent.

Die drei zuhause gebliebenen Geschwister lesen von einem Song-Contest in ihrer Nähe. Sie machen sich auf den Weg mit einer Gitarre. Vor Ort lernen sie den abgestürzten und alkoholisierten Musiker Dave kennen, der den Wettbewerb musikalisch begleitet und ansagt. Dass die perlenbehangene weiße Lady die unbegabteste Wettbewerbsteilnehmerin zur Siegerin krönt, das ärgert ihn. Das äußert er lautstark. Denn die Mädels aus Cummeragunja, ein Wort, das er nie auf Anhieb aussprechen kann, falls er überhaupt damit zu Ende kommt, die seien eindeutig die Besten gewesen. Dadurch kommen sie ins Gespräch.

Die Mädels haben ein Zeitungsinserat in der Hand, dass Frontsänger/innen für Vietnam gesucht würden. Wie Dave Lovelace von der Gage hört, wird er wacher und aktiver. Gleich hat er sich und die Gruppe zum Casting angemeldet. In Melbourne treiben die 3 Mädels ihre Halbschwester auf, deren Vater Ire sei, und nach einigem Hin und Her schließt diese sich an. Dave ist jetzt plötzlich hellwach, schneller Wandel von der Absturzfigur zum Erfolgsmanager. Er erklärt den Mädels klar, wer die Lead-Sängerin ist, und auch den Unterschied zwischen Country-Music und Soul; dass dieser nämlich das Thema Verlust nicht nachhängend, sondern kämpferisch angehe.

Bis die Mädels in Vietnam eintreffen ist knapp eine Filmstunde vergangen. Ab da sind sie längst eine perfekte Gruppe, die uns nun viele wunderbare Songs in den verschiedensten Vietnam-Dekors und Kostümen bieten. Dazwischen erwartbare Liebes-Geschichten, die gar nicht erst versuchen, durch Originalität aufzufallen. Aber mit Gefühl nicht sparen.

Sollte auf den australischen Film zutreffen, was auch schon mein Eindruck war, dass er ungemein lässig sich auf die Leinwand fläzt, so trifft das hier sicher zu; ganz unskrupulös keine Energien für unnötige Details verschwendend. Von der Ermordung von Martin Luther King erfahren wir in Vietnam am Fernsehen. Ein Film, der weniger darauf achtet, eine auf Erfolg gebürstete Story mit möglichst vielen Zuschauern zu werden, sondern der viel eher von Herzen kommt, dem das Anliegen der Aborigines wichtig ist; und der den Messagegehalt des Filmes mit tollen Songs mehr als wett macht.

Ein sympathisches Agit-Prop-Movie für die Sache der australischen Aborigines durchsetzt mit antörnenden Soul-Klängen. Es wird die Geschichte von vier Aborigines-Sängerinnen erzählt, die zur Zeit des Vietnamkrieges für die amerikanischen Soldaten...

Wieder ein perfekter HIN-Film, ein Film perfekt nach Hollywood-Industrie-Norm. Eine solide Story, stabil tragfähig um einen Besitzstreitkonflikt herum gebaut, der in einem Vorspiel ausgebreitet wird.

Klassisch der Konflikt, klassisch die theatrale Inszenierung dieses Vorspiels, schön gesprochen wie bei Shakespeare; Eröffnungstehpartie in einem Bühnenbild in einer Stilmischung von anthroposophisch (alles Rundungen) bis zu Art Deco, Hokuspokus-Brimobrium an Ranken und Verzierungen und Pflanzenknollen- bis Vaginaelementen und einem Schuss Archaik. In diesem Wust-Wulst wird erzählt, dass auf dem fernen Planeten Krypton seit Jahrhunderten wieder ein biologisches gezeugtes Kind zur Welt gekommen ist, Kal-El als Sohn des Forschers Jor-El. General Zod ist nun scharf auf den Gen-Kodex dieses natürlichen Menschen. Aber der biologische Vater schickt den Säugling in einer knollenförmigen Kapsel ins Weltall, um sie vor dem Untergang von Krypton zu retten. Der General schwört, den Säugling zu finden und ihn für den Wiederaufbau von Krypton nutzbar zu machen.

Schnitt. Kal-El ist inzwischen auf der Erde gelandet, in Kansas und wird hier als Clark Kent von biederen Farmern auf dem Land, wie Amerika nur ländlich schön und paradiesisch sein kann, aufgezogen.

Von der Etablierung des Verfolgungs- und Kodexbeschaffungskonfliktes bis zum Endkampf zwischen dem General und dem längst erwachsenen Kal-El, bleibt nun viel Filmzeit zu füllen vor allem mit Schlachten (dadurch Überlänge des Filmes erreichend; dies und ein vollkommen überflüssiges 3D sollen für erhöhten Umsatz an den Kassen sorgen und damit für eine bessere Positionierung in den Charts, auch das eine sich für clever haltende HIN-Norm-Kalkulation), und weiteres Füllmaterial aus Rückblenden und einem absolut stereotypen (nach HIN-Norm) Ansatz zu einer Liebesgeschichte mit einer Reporterin.

Die Schauspieler selbst sind auch nach Norm besetzt, Talent ist nicht die Frage, mehr die Proportionen des Gesichtes, Weichheit und Härte je nach Geschlecht und beim Mann allenfalls, wenn er der große, starke Held ist, für ein paar Bilder noch der Muskelbau des Oberkörpers für einige sparsam eingesetzte Halbnackt-Aufnahmen, wirkungsvoll, wenn er einen aus Brandgründen einstürzenden Ölbohrtum mit seinem Oberkörper solange stützt, bis der Rettungshelikopter mit überlebenden Arbeitern noch abfliegen kann, zwar nicht Weltenträger wie Atlas, aber immerhin Ölplattform-Eisengestänge-Stützer.

Einmal sieht unser Hauptheld mit Bart und schwarzem Haupthaar ähnlich aus wie das Klischee vom islamistischen Terroristen. Weiteres Füllmaterial in diesem Film sind Rückblenden auf die irdische Kindheit von Kal-El als Clark Kent. Amerikanischer Landbub und glücklich. Aber wie einige Beispiele zeigen, mit außerordentlichen Kräften ausgestattet. Und, das wäre vielleicht ein wirklich spannendes, zeitnahes Problem, wie die Menschen umgehen mit einem, der nicht so ist wie sie, der über einige extravagante Eigenschaften, heldische, supermanhafte, verfügt; sozusagen die Herausforderung der Herrschaft der Mediokrität, das wäre ein Thema, wird hier allerdings mit dem Halbsatz abgetan, dass es nicht gut für die Menschen sei, davon zu erfahren. Also im Moment, wo der Film auf ein Thema stößt, was leicht innovativ behandelt werden könnte und sicher einen Zeitgeist träfe, wendet er sich ängstlich ab und seiner alt-vertrauten HIN-Norm-Alität zu. Die einem alles in allem hinlänglich und bis zur Reizlosigkeit bekannt und wiedergekäut vorkommt, mag der eine oder andere Fan vielleicht eine neue Ranke in dem Deko- und später Schlachtenwust entdecken.

Ein Schulbusunfall lässt eine dieser hervorragenden Eigenschaften sichtbar werden. Retten – und dafür schräg angeschaut werden; kein Wunder, wenn ein etwa zehnjähriger Schulbub einen abgesoffenen Schulbus von Hand aus den Tiefen des Wassers ans Ufer schiebt. Talente, die besser verborgen bleiben. Nicht anders wird es auf einer Station im Eis der Armee passieren. Dort will eine Bildjournalistin Fotos machen und entdeckt dabei Sensationen, die keiner wahrhaben oder dokumentiert haben will.

Auch ein Hurrikan kann zu so einer Herausforderung werden. Wobei die Macher dieses Filmes, es sind Zack Snyder als Regisseur und David S. Goyer und Christopher Nolan als Drehbuchautoren, die die Comics von Jerry Siegel und Joe Shuster als Recyclingmaterial benutzen durften, weniger an den Reaktionen der Mitmenschen auf tollkühne Heldenaktionen, als auf Ausmalung der Folgen eines Hurrikans wert legen; was der Erzählspannung nicht sonderlich förderlich ist. Um das auszugleichen wird ein melodramatisches Moment hineingezwängt, wie es darum geht – der böse General ist inzwischen auf der Erde aufgetaucht – den entdeckten Krypton-Flüchtling gefangen zu nehmen, und die Fotografin sich freiwillig als Mitgeisel meldet. Herzlichkeit aus der Kommandoschublade.

Dass General Zod es also geschafft hat, aus der Verbannung in der Phantom-Zone zu entkommen, öffnet das Ventil zu unendlich vielen Schlachtenbildern, laut, lauter am lautesten, rettungslos und zu vielen post-9/11 Hochhauseinsturzreminiszenzen.

Der Satz „he did it“ bringt leider noch keine Erlösung. Erst mit dem Satz: nur einer von uns zweien kann diesen Kampf überleben und ich war erzogen, ein Krieger zu sein, das zum braven Bub aus Kansas gesagt, nähert sich dem Zuschauer allmählich die Erlösung von der 3D-Brille, während die computeranimierte Effektmaschinerie nochmal auf Hochtouren zur definitiven Agonie sich aufbäumt.

Wieder ein perfekter HIN-Film, ein Film perfekt nach Hollywood-Industrie-Norm. Eine solide Story, stabil tragfähig um einen Besitzstreitkonflikt herum gebaut, der in einem Vorspiel ausgebreitet wird. Klassisch der Konflikt, klassisch die...

Schach wird in diesem Film von Michael Hoffman, zu dem Ethan und Joel Coen das Buch geschrieben haben, nicht gespielt. Obwohl der Titel auf eine berühmte Eröffnung beim Schachspiel referiert, bei dem der Spieler ein kalkuliertes Bauernopfer bringt.

Das Spiel, das Machtspiel, das Rachespiel, was hier stattfindet, ist eines des Kunstkurators Harry Deane, der von Colin Firth gespielt wird, gegen den ihn kujonierenden Boss Shabandar, gespielt von Alan Rickman. In der Fantasie von Colin Firth ist Shabandar ein grobschlächtiger Engländer, der gerne als Nudist im Büro sitzt und mit breit aufgerissenem Mund und derber Sprache seine Mitarbeiter wie Schweine behandelt. Ein wahrer „shitbag“. Diese Träume im Film zu illustrieren setzt Alan Rickman gewaltige Theatermittel und -stimme ein.

Shanbandar ist ein bedeutender Medienunternehmer, superreich und Kunstsammler dazu. Ein wichtiges Stück in seiner Sammlung ist ein Bild von Monet, „Heuschober in der Morgendämmerung“, das Shabandar vor Jahren für 11 Millionen britische Pfund ersteigert hat. Zu diesem Bild existiert ein Pendant, „Heuschober in der Abenddämmerung“, da sind die Schatten der beiden Heuhaufen deutlich länger. Dieses Bild gilt als verschollen. Mit der vermeintlichen Wiederentdeckung des Bildes will Deane seinen Chef ködern und ihm 20 Millionen Pfund abknöpfen; denn Deane kennt einen Hobbymaler, der ein genialer Bildfälscher ist.

Beim Versuch, den Plot nachzuerzählen, wird sofort klar, dass die Schreiber, die Coen-Brüder also, Vollprofis in ihrem Beruf sind, die das Komödienhandwerk aus dem Effeff kennen und beherrschen. Hier schien ihnen das offenbar allzu leicht; also machten sie es sich doppelt schwer. Einmal mit der Eingangssequenz, die sich dezidiert an Peter Sellers und dem rosaroten Panther orientiert, indem sie in ähnlicher Weise eine animierte ist und auch der Sound dazu als Referenz an die bekannte Melodie. Aber sie machten es sich auch schwer mit der Figurzeichnung des Harry Deane. Der scheint in manchen Dingen so tapsig, so ungeschickt – ihm wurde aber nicht das Gegengewicht, jene Peter Sellers-Eigenschaft, die diesen so großartig das Unglück immer wieder überstehen lässt, zugeschrieben, ein forsches, beherzt-naives Draufgängertum nämlich, nein Deane ist ein Frustrierter, weil er von seinem Chef so wenig Anerkennung genießt, eine humorlose Figur, die noch dazu allzu plump selber den Chef auf das Bild aufmerksam macht.

Deane hat nämlich mit seinem Hobby-Maler-Freund (der dürfte gerade dabei sein, einen Gerhard Richter zu fälschen) ausgeheckt, dass dem Bild eine Vorgeschichte mit dem dritten Reich, was filmisch längst nicht mehr zündet, mit Hermann Göring und einem amerikanischen Befreiungssoldaten angedichtet wird. So können sie erklären, dass dieser echte Monet in einem abgewrackten Wohnwagen irgendwo in Texas gelandet ist. Auch die Idee mit der sexy Frau, die ihn besitzt, ist ungefähr so originell, wie auf einem Autosalon eine Blondine vor ein neues Automodell zu stellen. Alles nur, um den Fisch zu ködern.

Zu schnell fängt leider in diesem Film das Gefühl des Déja-Vus an. Deane und sein Maler reisen nach Texas, um die Blondine aufzutreiben. Die reitet grade ein Rodeo. Aus der amerikanischen Filmtrickkiste, zum Beispiel Affe auf Pferd. Wobei es dramaturgisch voll in Ordnung ist, zuerst den Traum von Deane zu inszenieren, wie er sich vorstellt, wie alles reibungslos beim Chef abläuft, um dann die Realität dagegen zu stellen. Erstmals die texanische Realität. Zu dieser gehört die amerikanische, gespensterbahnhafte Filminventar-Alte, hier Variante: in Windeln. Mit der Blonden und der Alten wird ein Portrait im Wohnwagen gemacht, dahinter der Fake-Monet. Das Bild wird in einer Reportage in einer Pferdezeitschrift von Shabandar platziert.

Jetzt fängt es an sehr plump zu werden. Deane sucht extra seinen Chef auf, wundert sich bescheuert noch über dessen Anzug, weil er ihn aus seiner Wutfantasie als Nudisten im Chefbüro in Erinnerung hat, und macht ihn, schwerfüßiger geht es nicht, auf das Bild aufmerksam. Der Chef wundert sich, seit wann Deane sich für Pferdezeitschriften interessiere. Tut das Bild sogleich als Fälschung ab. Vermutlich hat der Chef seinen Kurator schon in diesem Moment durchschaut. Das macht es nicht spannender. Er pflückt stattdessen die blonde Blüte, die, weil er sich scheinbar darauf einlässt, diese samt Bild nach England zu holen, setzt diese in eine geschäftliche Auseinandersetzung mit Japanern ein, wie wir sie auch nur als Déja-Vu sehen können.

Die Charakterisierung von Dean ist auch in vielen Slapstick-Szenen schwerfällig, wenn sie auch alle gut inszeniert sind. Sein Problem mit einer Sitzgelegenheit beim Chef, mit einem Konservenglas in seiner Wohnung, mit einer von innen genässten Hose, alles nicht sehr originell, alles schon x-fach gesehen, wenn auch gründlich und ich würde sagen mit großer Leinwandpräsenz und -klarheit dargeboten; schließlich die Fassadenkletterei am Savoy-Hotel mit der chinesischen Vase (und die Dame im Zimmer, in das er sich flüchtet, die knalllaut eine dämliche Flatulenz ablässt, ha ha, dann er ohne Hose, ha ha). Da kommt die Idee auf, hier sind Schuljungs am Werk, die schon viele Filme gesehen, aber vom Leben keine Ahnung haben und von der heutigen Welt und was die Menschen darin beschäftigt und die jetzt auf dem Dachboden diesen Film entwickeln.

Spannend finde ich die Besetzung von Shahbandar mit Alan Rickman, der in vielen Moment an den fast 100-jährigen Berthold Beitz erinnert, der immer noch die Geschicke von Krupp lenkt. Aber Colin Firth ist kein Cromme. War ja auch nicht die Absicht. Und wenn Deutsche im amerikanischen Film vorkommen, dann doch lieber als Nazis. Halt, es kommt noch einer vor, der muss mindestens einen jüdischen Namen haben, Stanley Tucci als Martin Zaidenweber, der einen grausamen Dialekt aufbietet, der in Amerika wohl als Deutsch verscherbelt werden soll. Zaidenweber war Kurator in der Kunstsammlung Köln und bei der Sammlung Thyssen-Bornemisza.

Das größte Defizit dieses Filmes dürfte sein, dass sich die Autoren zu sehr bepisst haben vor Vergnügen, wenn sie Versatzstücke aus der Filmgeschichte gefunden haben. Darob scheinen sie vergessen zu haben, dass für das Funktionieren einer Komödie ein genaues Studium der Charaktereigenschaften der Figuren und vor allem der konsequente Einsatz dieser Eigenschaften in die Dynamik der Handlungsentwicklung nötig ist; dass es nicht reicht, es köstlich zu finden, weil einem die Hose nass wird vor Angst vorm Chef. Denn so einer ist nun garantiert nicht der Typ für einen Streich, wie derjenige, den Deane hier ausheckt. Sellers war nie eine frustrierte Figur, oder wenn, dann hat er mit Lust gegen den Frust gehalten. Das fehlt hier. Dieser bunten Suppe aus Slapstick- und Comedy-Versatzstücken fehlt die Würze eines antreibenden, umtriebigen Charakters. Colin Firth ist nun bei Gott kein Peter Sellers. Aber das ist nicht sein Fehler.

Schach wird in diesem Film von Michael Hoffman, zu dem Ethan und Joel Coen das Buch geschrieben haben, nicht gespielt. Obwohl der Titel auf eine berühmte Eröffnung beim Schachspiel referiert,...

Furchtbar, wenn einer einfach anderen keine Angst einjagen kann, wenn keiner Angst vor einem hat. Das ist das Problem von unserem grünen Einauge mit der Zahnspange, Mike Wazowski. Darum möchte er unbedingt auf die Monster-Uni aufgenommen werden. Denn dass, wer keine Angst einflößt, keinen Respekt genießt in unserer Gesellschaft, das ist der subtile Untertext dieser Animation aus den Disney Studios, der verschafft unserer Gesellschaft auch keine Energie. Das Buch stammt von Robert L. Baird, für die Regie zeichnet Dan Scanion.

Wir erhalten einen Einblick in das Funktionieren dieser Energie-Industrie. Das sind riesige Fabrikhallen. Hier gibt es keine Arbeiter, sondern Monster. Sie gehen durch die Monstertüren, landen in nächtlichen Kinderzimmern und versuchen die Schlafenden zu erschrecken. Je besser dies gelingt, desto stärkere Energieimpulse werden in das Stromnetz eingespeist und der Laden oder die Gesellschaft wird am Laufen gehalten. Wer also die Fähigkeit andere zu erschrecken nicht hat, der kann in dieser Hinsicht auch kein nützliches Glied unserer Gesellschaft werden.

An die Monster-Universität zu kommen, ist ein heiß begehrtes Ziel, denn der Andrang ist groß. Das gelingt Mike noch irgendwie. Aber um in die speziellen Kurse aufgenommen zu werden, die der Heranbildung wirkungsvoller Monster dienen, müssen Prüfungen bestanden werden. Es findet ein richtiger Wettbewerb statt um die Aufnahme in den begehrten Studiengang. Teams müssen gegeneinander antreten und bei jeder Runde fällt der Verlier raus. Am Schluss bleibt nur eine Gruppe übrig, die das begehrte Studium antreten darf.

Klar ist, sonst wäre es keine schöne Geschichte, dass unser Nicht-Monster-Monster Mike, den keiner Ernst nimmt, am Schluss das Obermonster werden wird. Um Mike bildet sich die Gruppe „OK“, alles köstliche, eher biedere Figuren, wie eine Familie Gartenzwerge, teils 5-äugig, teils zweiköpfig-je-einäugig und dreibeinig, dreitentakelig. Und dann ist da noch James P.Sullivan, der aus einer berühmten Monsterfamilie stammt, doch der Spross ist nicht ganz so tauglich. Wird sich aber widerwillig in die Gruppe integrieren und kann als der Erfahrenere dem Grünhorn Mike entscheidende Tipps und Ratschläge geben.

Es sind verrückte Bildwelten mit einer reizvollen Differenz zum realen Leben aber mit verblüffender Ähnlichkeit. Zum Beispiel die Szene in der Bibliothek, in der die Gruppen einen Wimpel mit ihrem Namen drauf von eine Büste hoch oben in der Wand holen müssen, ohne dass die Dinosaurier-Schlangen-Figur von Bibliotheksaufseherin aufmerksam wird, allein wie die OK-Truppe ganz leise, Schritt für Schritt in Einerreihe einmarschiert – tja, Bibliotheken sind eben heilige Orte. Und wehe, es knarzt. Dann wächst die graue Bibliothekseminenz ins Unermessliche, ihre Tentakeln greifen aus, umschlingen die Ruhestörer und schleudern sie in hohem Bogen aus der Bibliothek in einen Teich zum Gaudium der dort wartenden Massen.

Oder die erste Probe: ein Hindernislauf praktisch im Dunkeln durch eine Art Tunnel, überall liegen rot leuchtende Stachelkugeln, die furchtbar pieksen können; so dass nach dem Lauf unsere Truppe vollkommen deformiert und aufgequollen dasteht und dazu noch die letzten sind, die eigentlich damit aus dem Rennen raus wären. Konjunktiv.

Angenehm war, den Film in 2D schauen zu können; im Gegensatz zu anderen Animationen wird hier nicht versucht, das Bild mit Figuren so voll wie möglich zu stellen oder die Figuren ständig im Überschalltempo durchs Bild rasen zu lassen, es wurde auf eine klare Handlung, klares Vorstellen der Figuren wert gelegt, was die Geschichte leicht und mit großem Vergnügen verdaulich werden lässt und unentwegt diese merkwürdige Folie zu unseren konventionellen Schulen und Lehrstätten abgibt. Was die Realität sozusagen verrückt verrückt und in eine neues Licht zu setzen vermag. Das ist doch für einen Film ganz schön viel. Und dass die Art Story höchst konventionell ist, wird darüber fast aus dem Auge verloren. Dass es auch nur darum geht, sich gegen Vorurteile durchzusetzen. Ein Thema, was seine Aktualität leider wohl kaum je verlieren dürfte.

Wie immer ist es ein großes Vergnügen in der Originalversion die britischen oder amerikanischen Schauspieler solchen Figuren ihre Stimme leihen zu hören, Billy Cristal, John Goodman, Helen Mirren (ihr Stimme ist jene von Dean Hardscrabble, der Chefin der Monsteruni, einer Mischung aus Giraffe (nicht ganz) und Kackerlacke mit enorm viel Würde und nun wirklich nicht leicht zu erschrecken).

Interessant ist vielleicht auch zu sehen, wie sich ein Konventionalismus der Schreckensverbreitung einstellt und dass die wahrlich kreativen Lösungen auf sich warten lassen und nach Erfindern verlangen, denen man das nicht ansieht. So doch auch ein Film über Konvention, die nicht das A und O sein kann, sich aber so aufführt.

An der Monster-Uni lernen die Studenten genau das, was an realen Unis nirgends gelehrt wird, das Sich-Durchsetzen im Leben, paradox dabei, dass sie es genau mit den gleichen Methoden lernen und pauken wie jeder Student sein normales Fach, ob Jura, Medizin oder Germanistik. Das Lernbare. Das Lehrbare. Die Monster-Uni gibt vor, das Unlehrbare lehren zu können. Fürs Leben lernen wir und nicht für die Schule.

Die Musik macht Stimmung in den Varianten von fetziger Marschmusik über Studentliedermusik bis zum Zirkustusch, fröhlich, unbesorgte Gruppenmusik zu einem nicht ganz unernsten Thema, das Gespenstergehabe, das der Mensch wohl auf einem Weg zu einer Karriere einsetzen muss, auf dem Weg zum Ernstgenommen werden. Ein bisschen eine verkehrte Welt, in der das Nichtverkehrte recht verkehrt ausschaut.

Furchtbar, wenn einer einfach anderen keine Angst einjagen kann, wenn keiner Angst vor einem hat. Das ist das Problem von unserem grünen Einauge mit der Zahnspange, Mike Wazowski. Darum möchte...

So spontan die Regisseurin Carolin Genreith aus „Der mit dem Wolf tanzt“ „die mit dem Bauch tanzen“ assoziiert hat, vermutlich des Klanges wegen, garantiert ohne gründliche Recherche oder gar Absicht der Referenz auf den berühmten Film, genau so spontan dürfte ihr die Idee gekommen sein, die Bauchtranzgruppe in einem Dorf in der Eifel zu portraitieren, in der ihre Mutter mitmacht. Das charakterisiert schon ganz gut die spontane Haltung.

Die Dokumentaristin selber ist sei über acht Jahren aus dem Dorf ihrer Jugend ausgewandert nach Berlin. Ihre Haltung zu der Gruppe vor allem älterer Frauen, die sich mittwochs zum Bauchtanz treffen und die einmal im Jahr eine Parisreise unternehmen, um dort ein Wochenende lang in Bars und auf Plätzen aus Freude zu tanzen, ist anfangs skeptisch bis zwiespältig. Das zeigt eines der ersten Bilder. Eine Kuhherde irgendwo in der Eifel, braungeflecktes Vieh, das glotzt nach vorn, alle in einer Richtung. Da ist eine Steinmauer. Über die kommen plötzlich die Frauen in ihren Bauchtanzkostümen in einer Reihe angetanzt. Ein groteskes Bild. Ein köstliches Bild.

Aber die Filmemacherin ist eigensinnig, so wie sich auch ihre Mutter herausstellen wird. Sie bleibt dran an ihrem Objekt. Ihre Neugier wird der Leitfaden ihres Berichtes. Drei Frauen beschreibt sie näher. Selbstverständlich ihre Mutter (und auch sich selbst, als dreißigjährige, beziehungslose Frau ohne geregelten Alltag), die davon erzählt, wie sie sich von ihrem Mann gelöst hat, wie sie nach reiflicher Überlegung ausgezogen ist und sich einen feschen, großen, jüngeren Mann mit Pferdeschwanz geangelt hat. Der scheint ganz happy, denn sie macht auch die Wäsche für ihn und schenkt ihm zum Martinitag einen Baum mit bunten Kreppbändern, was ihn schon verblüfft, so etwas hat er noch nie erhalten.

Marita ist die Leiterin der Gruppe, groß gewachsen, künstlich blonder Lockenkopf, seit ewig mit dem gleichen Mann verheiratet. Eine Frau, die nichts aus ihrer Heimat weg bringen könnte, die sogar zu ihrem Studium in Köln von zuhause aus gefahren ist. Sie arbeitet mit Behinderten. Das macht ihr Spaß. In ihrer Familie, die Tochter und die zwei Söhne sind jetzt erwachsen, gabs immer Struktur übers Jahr von Fasching und dem Wegfahren mit dem Wohnwagen an Pfingsten bis zu den Festen des Dorfes.

Ferner die Malerin, die forsche Bilder auf die Leinwand bringt, die allein ist und nicht so richtig darüber reden will, aber die auch Mühe hätte sich ein anderes Leben vorzustellen, denn sie kann machen, was sie will. Mit ihr erleben wir die Vernissage einer Ausstellung mit Bildern von ihr in einem Schloss, was hier ein öffentliches Gebäude ist.

Dann die Fahrt nach Paris, da war es unserer Filmemacherin anfänglich gar nicht so wohl im TGV, wie die Frauen mit leicht forcierter Fröhlichkeit ihre Brotzeit auspacken und mit Sekt sich zuprosten und dann die Stimmung in Paris.

Ein Film, der fürs Fernsehen gemacht worden ist, insofern von sich aus keine Kinoambition, an der er gemessen werden müsste, vorweist; der aber sicher besonders für Frauengruppen eine anregende Unterhaltung sein dürfte und Diskussionen über das Leben in der Stadt, oder so luxuriös, wie es dem Städter scheint, auf dem Lande, und sowieso über die Befindlichkeiten von Frauen im Zusammenhang mit dem Älterwerden und natürlich dem Bauchtanz ermuntern könnte. Weil es sich hier um einen sehr persönlichen, sympathischen Bericht aus dem Dorf handelt, dessen Qualitäten nicht zuletzt darauf beruhen, dass die Dokumentaristin diesen persönlichen Zugang zu den Menschen hat und offenbar die Filmemacherin überhaupt nicht hat raushängen lassen.

So spontan die Regisseurin Carolin Genreith aus „Der mit dem Wolf tanzt“ „die mit dem Bauch tanzen“ assoziiert hat, vermutlich des Klanges wegen, garantiert ohne gründliche Recherche oder gar Absicht...

Stimmungsbilder inspiriert nach einem Roman von Alfred de Musset; als Grundlage für diesen Versuch einer Annäherung an Alphonse de  Musset dient der Regisseurin Sylvie Verheyde sein autobiographischer Roman „Bekenntnis eine jungen Zeitgenossen“, vor allem die Stimmung darin scheint die Filmemacherin zum Schwelgen in nostalgischen Bildern, farblich leicht verblasst wie in alten Fotoalben, verführt zu haben und erzählt insofern dass die Autorin vernarrt ist in Mussets Welt und deren Atmosphäre schwebend unausgesprochener Liebe und deren Tändeleien ohne dem unvoreingenommenen Zuschauer einen plausiblen Zugang verschaffen zu können, obwohl von der Hauptfigur Octave viel Musset-Text als Voice-Over eingesprochen wird. Sylvie Verheyde erzählt stattdessen, dass sie alte Betten, alte Bettwäsche, alte Interieurs, alte Klamotten, alte Unterwäsche mit jungen Menschen darin faszinieren.

Der Dichter Octave leidet an der Krankheit des Jahrhunderts. Er träumt von der großen Liebe. Er ist verliebt in Brigitte. Es ist schwärmerische Liebe, mindestens eine Stunde lang in diesem Film, eine unerklärte Liebe, eine nicht realisierte Liebe. Das hebt sie angenehm ab von der im heutigen Kino vorwiegend ohne jede Erotik dargestellte sexuellen Liebe, zack zack, dass noch bevor eine Erregung möglich ist, die Partner im Bett landen und sich im Sextraining abstrampeln.

Diese Liebe aber, die Sylvie Verheyde sich hier vorgenommen hat, die ist jedoch ein Stillstand. Eine Szene ist wie die andere, wenn nicht ganz ausnahmsweise mal eine Vase zerdeppert wird oder Geschirr. Octave wird gespielt von Pete Doherty, einem Sänger, der hier mehr hätte singen sollen als nur im Abspann den Song vom Little Bird im Cage, und dass Love das Brot, der Wein und die Seele sei. Brigitte wird gespielt von der deutlich auf älter hergerichteten Charlotte Gainsbourg, die somit den Altersunterschied auch als Liebesverhinderung vorgeben kann.

Brigitte und Octave sind also oft im Bild, gerne die eine Figur frontal und die andere maximal im Profil. Octave spricht Musset-Monolog-Sätze in voice-over. Es ist die Darstellung einer Befindlichkeit, einer Spannung der Ausgeglichenheit, die keine Dynamik in Gang setzen kann, diese geradezu verhindert. Denn diese Menschen leben in feinem Milieu, sie müssen nicht arbeiten, sie haben gar nichts zu tun, außer für die Liebe da zu sein. Die sie doch nicht erfüllen können. Im Wartestand vor der Liebe.

Nach etwa einer Stunde geht es dann doch darum, sich allmählich aus den vielen Klamotten zu schälen und sich körperlich näher zu kommen. Was merkwürdigerweise ohne besondere Erotik vor sich geht. Es wird noch die Gegenposition gegen die schwärmerische Liebe angeführt. Für sie ist als Darsteller August Diehl als Unsympath Desgenai engagiert worden, der die Männerwelt des Fleisches, des Kapitals in einem Englisch vertritt, was wie die Faust aufs Auge zum Schmelz von Dogherty passt.

Sich verzehren in Liebe mit dem immer gleichen, nicht uninteressanten Gesichtsausdruck, dem rundlichen Gesicht, wobei die Rundungen kaum mehr Kinderspeck sein dürften, aber so wirken sie bei Dogherty. Eine nicht besonders sympathische Figur, die nur darauf aus scheint, ihr eigenes Unglück zu zelebrieren oder die Feigheit vor der Liebe.

Nachdem die körperliche Liebe dann doch passiert ist, zieht das Paar für eine Weile nach Paris. Da taucht ein Verwandter von Brigitte auf. Octave wird eifersüchtig. Die Regisseurin scheint es zu genießen, in dieser leicht morbiden Bilderwelt sich suhlen zu können, etwas anhalten zu wollen, was sie nicht anhalten lässt. Unter gänzlichem Verzicht auf ein dramaturgisches Gerüst.

Ein Geschäft gibt es allerdings. Der Vater von Octave stirbt, das gibt ihm nicht nur ein Erbe, das die Paris-Reise erlaubt, es macht ihn offenbar auch frei für die körperliche Liebe. Dann treibt die Eifersucht Octave zur Idee einer plötzlichen Abreise aus Paris. Aber just in diesem Moment wieder ein merkwürdiger Stillstand, wie Brigitte stante pede mitgehen will, da macht er keine Anstalten. Dann will sie Briefe verbrennen, sucht leicht verdattert den Schlüssel für ihren Schreibtisch. Jetzt ist es an der Zeit, die Entwicklung von Octave zu verdeutlichen: er schaut selbstquälerisch in den Spiegel und stellt fest, dass er doch noch ein Kind sei, was dachte ein Mann zu sein.

Die Dramaturgie kann sich nicht für einen Protagonisten entscheiden, darum wabert der Film vornehmlich im Unentschiedenen. Sie will das Phänomen der Liebesverzehrung eines jungen Werthers bebildern? Daraus wird hier Octaves perpetuierter Missmut.

Stimmungsbilder inspiriert nach einem Roman von Alfred de Musset; als Grundlage für diesen Versuch einer Annäherung an Alphonse de  Musset dient der Regisseurin Sylvie Verheyde sein autobiographischer Roman „Bekenntnis eine...